Вы находитесь на странице: 1из 6

ДОКЛАД

По Музыкальной Литературе
На тему: Народные мотивы в скрипичной музыке.

Ученицы 7 класса
ДМШ им. Нейгауза
Ченчиковой Анны

Москва
2016
Истоки

Трудно поверить, но так хорошо знакомый нам инструмент скрипка в


далёком 12 веке, имел совершенно другой облик. Причём у разных народов
этот инструмент выглядел и назывался по-разному. Но объединяло их одно –
все эти инструменты вышли из народа и служили народу верой и правдой,
сопровождая людей от момента их рождения до самой смерти. Так в древней
Греции была лира византийская и критская, а также колёсная лира, у арабов
был ребаб, на балканском полуострове бытовала лирица, у болгар - гадулка,
у кельтских народов - средневековая крота, у шведов - никельхарпа, у персов
- кеманча, у древних славян - гусле и древнерусские гудки скоморохов, в
средневековой европе бытовали разновидности фиделя. Все эти струнно-
смычковые инструменты из века в век преобразовывались и видоизменялись,
принимая знакомую нам форму. Менялся тембр, регистр и строй
инструмента. Появилась рабека — бразильская или португальская скрипка,
за ней контра— трехструнная румынская скрипка. А в 15 веке, выйдя из
виоллы да браччо, появился АЛЬТ, сейчас известный, как самый близкий к
скрипке из семейства струнно-смычковых. Именно альт принял знакомую
сейчас всем форму, когда в 16 веке его сконструировал легендарный
Антонио Страдивари. Происходили новые изменения. И вот, сейчас мы все
знаем четырёхструнную скрипку с высоким регистром и квинтовым строем.

Таким образом, мы видим, что в музыкальной культуре многих народов


успешно использовались струнно-смычковые инструменты, а затем и
скрипка. Эти инструменты применялись уличными музыкантами
средневековой Европы и других стран на праздниках, свадьбах и народных
гуляниях. Исполнение народных танцев и песен стало немыслимо без
участия скрипки. Широко использовавшиеся песенные и танцевальные
мелодии способствовали развитию скрипичной кантилены. Циклы народных
танцев стали прообразом современных сюит, камерных сонат и отдельных
частей скрипичных концертов.
Как появление скрипки классического типа, так и развитие многих
жанров скрипичной музыки, обычно связывают с Италией. В Италии
наиболее распространёнными песенными жанрами являлись канцона и
фроттола. Канцоны представляли собой единство поэзии и музыки, голоса и
инструментального сопровождения. В дальнейшем он трансформировался в
чисто инструментальные канцоны для ансамблевого исполнения
лирического характера. Фроттоле же был свойствен карнавальный,
праздничный характер (frotta – толпа, гуляние). Истоки фроттолы в народной
шуточной песенке, близкой старинной балладе. Так же из Италии пришли
такие песенные жанры как вилланелла (деревенская песня, исполняемая во
время полевых работ), мадригал (от слова mater – мать, песня на родном
материнском языке) и ричекары для ансамбля со скрипкой.
Развитие всего этого жанрового разнообразия способствовало
постепенному накоплению способов и средств музыкальной
выразительности, которые дошли до нас в современной скрипичной музыке.
Особенно ярко связь инструментальной скрипичной музыки с народными
истоками песенного жанра проявилась в опере. В качестве примера можно
привести скрипичные партии в сочинениях Клаудио Монтеверди – одного из
основателей итальянской оперы. В своей опере «Орфей» (1607г.) он впервые
вводит в оркестр скрипку.
Другим источником современной скрипичной музыки являлся такой
жанр народного музыкального творчества, как танец. В разных странах
издавна музыка для народных танцев исполнялась различными ансамблями
и не носила самостоятельного характера. Позднее танцевальная музыка
теряет своё прикладное значение и становится музыкой для слушания и
развлечения. Появляются сюиты, в которых проявлялось стремление
выразить все богатство мира человека через танцевальную стихию – яркую,
динамичную, даже театрализованную. Танец в такой сюите обобщается и
стилизуется. Создание танцевальной сюиты могло идти двумя путями.
Первый путь создания танцевальной сюиты был связан с исполнением
конкретного обряда какого-либо народного праздника или события. Другой
способ формирования танцевальной сюиты был связан с созданием
самостоятельного художественного целого на основе контраста частей, когда
танцы группировались попарно, по принципу: медленный – быстрый. Так,
например, в середине 16 в. наиболее популярными в европейском быту были
паванa и гальярда, составившие первую пару танцев, контрастную по
темпам, а к началу следующего 17 в. они выходят из употребления и на
смену им приходят пассакалья и чакона, затем аллеманда, куранта, жига и
сарабанда. Последние четыре танца и составили две пары классической
сюиты.
Аллеманда – танец умеренного темпа, с плавной мелодикой,
четырехдольный, торжественного характера – подходил для первой части
цикла. С ней составляла органичную пару куранта – быстрая, трехдольная,
моторная, она резко контрастировала аллеманде.
Сарабанда – торжественно-скорбная, имеющая характер шествия,
трехдольная, с акцентом на второй доле. Контрастную пару к ней составляла
жига - стремительный танец трехдольного размера, праздничный и
зажигательный.
Ну а самым легендарным танцем Италии стала таранте́лла,
появившаяся на свет в 15-м столетии на юге Италии. Существует множество
легенд о происхождении танца. Его название, по одной из версий,
происходит от названия ядовитого паука тарантула. Согласно легенде, укус
паука вызывал страшную болезнь – «тарантизм». Каждый заболевший был
обречен на смерть. И лишь одно спасение было у укушенного –
стремительная, необузданная пляска, разгоняющая кровь и нейтрализующая
действие яда. Насколько правдивы данные легенды – неизвестно. Но в
прошлом люди действительно верили в целебное действие танца. Врачи
даже спорили, что дает больший эффект – быстрые танцевальные движения
или музыка. Вскоре танец стал популярным и в других государствах –
Германии, Нидерландах и Франции. Традиционным для танца стали размер
3/8 или 6/8, характерная для танца мелодия триолями, стремительный темп и
неистовый темперамент, которые в своих произведениях отразили Палбо
Сарасате («Интродукция и тарантелла» ), Джон Эллертон ( «Тарантелла» ).

Но не только эти танцы легли в основу многочисленных скрипичных


произведений. Танцы других стран и народов тоже служили источником
вдохновения для скрипачей-композиторов.
Так, в Польше это были краковяк, куявяк и полонез. Сперва полонез
был исключительно свадебным танцем, а затем, несколько
видоизменившись, он сделался непременным атрибутом народных торжеств
и гуляний. Именно величественный полонез открывал танцы на любом
народном празднике. Затем, веселящаяся молодёжь, сделав несколько фигур
полонеза, без ведома музыкантов ускоряла темп и переходила к более
быстрым танцам: мазурке и обереку. Мазурка, трёхдольный быстрый
заводной танец, в нём присутствуют резкие акценты, смещающиеся на
вторую, а иногда и на третью долю такта. Оберек, иначе «ober» или
«obertas», известен более прихотливым ритмическим рисунком и
характерным акцентом на третьей доле каждого второго такта. Мотивы
народной мазурки использовали в своих произведениях Антонин Дворжак
(«Мазурка для скрипки с оркестром») и Генрик Венявский («Мазурка
обертас», «Польская песня», «Оригинальная тема с вариациями».)
Характерен отзыв немецкого композитора Георга Телемана, который
писал : «Имел возможность изучить польскую музыку во всей её правдивой
красоте. В обыкновенных трактирах исполнялась она на скрипках…
Просто трудно поверить, какие чудесные замыслы возникают у этих
кобзарей и скрипачей, когда они начинают фантазировать во время
перерыва в танцах. Внимательно слушающий человек мог бы на
протяжении недели набраться от них мыслей на всю жизнь!». Под
впечатлением польской музыкальной жизни Телеман написал восемь так
называемых «польских» сочинений. Среди них две «Польские сонаты»,
«Польский концерт» и «Польская увертюра». Кароль Огиньский в своё
время написал знаменитый полонез, известный всем как «Полонез
Огиньского».
Испанские народные танцы - хота, хабанера, малагенья, сапатеадо,
болеро и другие. Мотивы народной музыки испанцев использовал Пабло
Сарасате в собрании пьес «8 испанских танцев» и Мануэль Де Фалья в
произведениях «Танец огня», «Испанский танец» и в сюите «Семь народных
испанских танцев», в составе которой: I. Мавританская шаль, II.
Колыбельная, III. Песня, IV. Поло, V. Астуриана, VI. Хота и Нана. А
темы болеро использовал в свих произведениях Енё Хубаи.
Мотивы Румынской народной музыки отразил в своём цикле
«Румынские народные танцы» из шести пьес Бела Барток. Эта сюита и по
сей день исполняется на скрипке и фортепиано.Венгерские народные танцы,
такие как вербункош и вышедший из него позже чардаш получили
отражение в произведениях и «Венгерских танцах» Иоганнеса Брамса и
легендарном «Чардаше» Витторио Монти.

И, в завершение, нельзя не сказать про древнейшее скрипичное


искусство цыган, которое передавалось через поколения из века в век и
прививалось детям с малых лет, которое повлияло на многих композиторов,
и дало нам такие произведения как: «Цыганская песня» Антонина Дворжака,
«Цыганские напевы» Пабло Сарасате, рапсодия «Цыганка» Мориса Равеля.