Introducción. La crisis de la modernidad y las neovanguardias.

Fin de las vanguardias—inicio de la II Guerra Mundial.

Artistas exiliados a New York—fuga de artistas vanguardistas.
En las neovanguardias habrá constantes que recuperan de las vanguardias—ruptura e innovación.
No cree que el arte pueda transformar la realidad (como pasaba en las vanguardias), se pierde la
idea de movimiento constante. Seguirá una línea individualizada con puntos en común.

Crítica del arte: Clement Greenberg y Harold Rosemberg

Término neovanguardias: nuevos comportamientos, tienen una serie de rasgos comunes, parten de
la idea de que el arte es una idea, la forma de plasmar esta idea es diferente en cada caso. Todas
ellas tenderán a una descomposición del objeto. Otra característica—relación de la obra de arte con
el espacio. Ahora el espacio empieza a tener protagonismo, configuración de la propia obra. El
espectador va a ser parte de la obra. Desaparece el trabajo manual, la parte que se valora de la obra
es el trabajo creativo, la creación, no el final (resultado final: obra).

El expresionismo abstracto americano 1946-1952.

Surge en EE.UU después de la II Guerra Mundial. Artistas que no se encuentran integrados en la

sociedad del momento. Movimiento muy emotivo, retrospectivo... se valorará el proceso
productivo.
La versión europea es el Informalismo, aquí si hay figura humana, se trabaja de forma más
desgarradora, angustiada...
En reacción a esto surgen tres movimientos: neodadaismo y realismo en Francia (versión europea) y
Pop Art 1960.
Será una neovanguardia que trabaja con objetos reales, el objeto está presente como una obra de
arte.
No todos los de la escuela se dedicaron únicamente a la abstracción. En la costa oeste se darán otras
escuelas. La de New York constituía una series de generación “bohemia” que se sentía al margen de
la sociedad del momento que convivían en cafés.
Movimiento artístico que se da la abstracción expresiva, utiliza un colorido muy expresivo y casi
siempre de gran formato adaptándolo del muralismo mexicano. Abstracción que partiría de
Kandinsky pero con un contenido diferente. Otro tipo de abstracción será la geométrica de
Malevich codificada en clave abstracta, de aquí partirán la de Mondrian y Robert Delaunay.
Otro destacado Robert Motherwell, lo que los une como movimiento es su actitud vital ante lo que
está sucediendo (criados en la represión de EE.UU), tampoco se siente identificados con la sociedad
del momento y reaccionan contra la Europea capitalista de las vanguardias. Ellos optan por un tipo
de pintura abstracta inconsciente e irracional para liberarse de la sensación de angustia y crisis.
Trasladan los impulsos internos a la plástica. Una de las primeras obras fue la estrella fugaz Pollock
1947 (icono del movimiento)
Movimiento de clara raíz existencialista (basada en la idea de explorar la angustia del ser) y
postsurrealista, a ese tramo inconsciente aplican una energía vital con intención de plasmar su
personalidad, su interior.
Expresionismo con precedentes en Kandinsky pero con un contenido totalmente diferente (positivo-
negativo). Otra teoría es la del subconsciente de Jung.
Los expresionistas abstractos utilizarán la pintura como un ritual para expresar su yo interno. La
característica formal que los une es un gusto por lo abstracto.
Ellos quieren transmitir temas detrás de la forma, es una pintura cargada de temas transcendentales.
Interés por lo sublime (romanticismo), quieren pintar de forma sublime para que cuando sea
observada nos cuestionemos preguntas.
Uno de los primeros artistas será:

Arshile Gorky. 1904-1948.

Llega a EE.UU y desarrolla su abstracción un poco más tarde.
Trabaja sobre formas antropomórficas y poco a poco le aplicará
un color que se escurre y la propia pintura realizará su camino.
Es considerado uno de los precursores.

Dentro de este movimiento hay dos técnicas: Action Painting y

Color-field painting (campos de color).
Action Painting fue definida como un modo de actuar, el cuadro
deja de ser un objeto para convertirse en un lugar donde actuar.
Es el resultado de un proceso activo. Dentro de este grupo
destacarán Pollock y Willem de Kooning.

Willem de Kooning. 1904-1997.

Trabaja como decorador hasta entrar directamente en la
abstracción. En un principio habrá figuración debido a su
origen europeo pero irá descomponiendo progresivamente las
figuras.
Se encuadra dentro de este movimiento de acción ya que sus
cuadros son procesos de abstracción de las figuras y utilizará
colores que serán dinámicos por si. En el año 1953 abandona
el trazo oscuro para volver al color como elemento expresivo.
Gran preocupación por la composición y la relación entre
figura y espacio. Más tarde volverá a la figuración para
posteriormente volver a abandonarla.

Jackson Pollock. 1912-1957.

Personaje marginal. A los 17 años se traslada a New York y
entra en la liga de estudiantes y toma contacto con los
muralistas mexicanos. Influenciado por Picasso y los
surrealistas, también hará referencia a la pintura de arena de los
indios navajeros. Época que precede al expresionismo abstracto
1943-1947 figuración abstracta tratando temas mitológicos con
un alto contenido sexual, aquí ya había elementos que definirán
su pintura (gran formato, colores). En esta progesión de formas
mezclará grafismos con ciertas formas. Con el dripping rompe
con el sistema tradicional de representación, esto ya existía en
las vanguardias con artistas como Max Ernst, Merrild... el
avance que podemos observar en Pollock es que él es consciente
de su proceso. El trazo es el resultado de un cuerpo en movimiento. “El propio artista se convierte
en pincel”. A partir del año 53 su figuración empieza a cambiar y vuelve a introducir cierta
figuración. Pollock muere en un accidente de coche por conducir ebrio.
Mark Rothko. 1903-1970.
Principal representante de la pintura espacialista o campos de
color. Se define como una pintura fenomenológica. Formación
previa teórica, la va a definir su profunda espiritualidad.
Empieza haciendo figuras surrealistas, figuras híbridas,
redondeadas con fondos neutros. Del año 48 hasta su muerte.
Trabajará estructuras de color que va superponiendo entre la
forma y el espacio como si estubieran dialogando. Este tipo de
pintura irá avanzando convirtiendo el cuadro en un lugar donde
expresar el interior. En las primeras épocas se distribuyen en
tres grandes formas no uniformes, se superponen o emergen de
un color inferior y se difuminan en las esquinas. A medida que
trata de aplicar el color de forma muy suave de dentro hacia
afuera y utiliza grandes formatos para fomentar esa idea del
formato o del color que busque tu “yo” interno y te hagan reflexionar. Color como espiritualidad.
En sus etapas finales cambia a una tonalidad más oscura.

Robert Motherwell. 1915-1992.

Trabaja con una pintura bastante simbólica, se yuxtaponen figuras circulares, expontáneas.

Franz Kline. 1920-1996.

Trazo más expresivo y destaca por el negro constante casi siempre combinado con blancos,
utilización de grandes formatos. En los años 50 recobra el color pero siempre utilizando el negro
como expresión.

Mark Tobey.
Gran creyente que busca en la china lo primitivo, las raíces, el subconsciente...este tipo de pintura a
igual que la de Rothko no nos acerca a la violencia si no todo lo contrario, a la meditación.

La opción informal en el arte europeo 1945-1960.

Se desarrolla dentro de un contexto de una Europa en crisis, no hay un panorama bueno pero hay un
intento de formar nuevos movimientos.
No es un grupo homogéneo pero tiene rasgos comunes entre ellos. Intentan sacar una visión de una
crisis, como en el expresionismo abstracto se ampara en la filosofía existencialista (…) sin embargo
el informalismo europeo no se centra tanto en hablar de un modo muy abstracto su “yo” interior si
no expresar a través de la forma y el color. Ese inconsciente se basa en la idea de un inconsciente
muy consciente, es decir, trabajando sobre la materia o la forma humana de una forma desencarnal,
hay una vuelta al primitivismo al igual que en el expresionismo abstracto americano pero aquí está
tratado desde un punto de vista más “ingenuo”.
Tipo de pintura abstracta que trabaja sobre la materia, la pintura se convierte en pura plástica,
trabaja sobre la materia como expresión, “emerge” de la propia materia. Mechel Tapié es el que
denomina este término como un arte que no sigue unas reglas, permitiendo diferentes estilos y
métodos.
Dentro del informalismo hay diferentes corrientes: informalismo matérico dentro del cual destaca
Alberto Burri y Tapies. Otra corriente será el informalismo espacialista, se trabaja en relación del
soporte físico y lo espacial. Dentro del cual destaca Lucio Fontana. La tercera tendencia es el
Tachismo, utiliza una forma abstracta a partir de manchas, destaca Henri Michaux. La última es el
Art Brut, que como su nombre indica utiliza la idea de lo primitivo y lo ingenuo. Destaca Jean
Dubuffet.
Tapié señala que el principio del informalismo es una exposición pequeña realizada en París donde
presentan una abstracción de formas donde optan por una abstracción porque no hay otra forma de
expresar lo que sienten. Serán pinturas muy autónomas y espontáneas.
A continuación vamos a centrarnos en autores que destacaron:

Jean Fautrier. 1898-1964.

Tras ser detenido por los nazis, fue internado en un manicomio, de ahí
veremos algunas de los temas de sus pinturas (otages cabezas de
rehenes). Empieza a realizar una figuración abstracta, trabaja con
fondos desvaídos y formas redondeadas. En esta serie utiliza fondos
menos densos, utilizará una cromática acorde con sus sentimientos.

Alberto Burri. 1913-1995.

De origen italiano, médico capturado en un campo de
concentración. Trabajará sobre la expresividad de la materia. Serie
Muffe fondo claro con formas superpuestas y grafismos. A partir
de los 50 empieza a utilizar nuevos materiales. El material es
materia expresiva, es la obra en si, la propia materia se incorpora,
quiere cuestionar la pintura abstracta. Su obra tendrá un contenido
crítico y además poco a poco va a ir añadiendo nuevos materiales
como el plástico. En su poética utilizará de fondo una vivencia,
una vida, una historia...trabaja también sobre madera en series
llamadas Legno 1958 convirtiendo la propia materia en expresión.
Utiliza otros materiales como el hierro, la tierra, pinturas, arcillas.
Vuelve a estar presente la idea del consumo.

Jean Dubuffet. 1901-1987.

Tras un viaje al Sahara no empieza a dibujar cuerpos de mujer.
Trabaja con formas grutescas, después los pasará a la materia práctica.
El defiende el arte elaborado por personas sin formación académica y
dice que tiene un valor no apreciado. A todos ellos los engloba dentro
de una tendencia denominada Art Brut o Arte primitivo.
Hará también series que se acercan al expresionismo abstracto
americano pero sin el trasfondo propio de esta pintura. Pasamos de
una visualidad matérica a una abstracción de las formas visuales:
mantiene la figuración y la abstracción a partir del 74.

El otro gran padre será:

Michel Tapié. 1909-1987.
junto a Dubuffet, crearon un grupo dedicado a la búsqueda de artistas sin
formación.como su compañero, defiende a los artistas sin formación y se
fórmula la pregunta de ¿por qué se le considera artistas a los que pintan
de manera consciente de manera ingenua y por que no son artistas los que
pintar de igual modo por falta de formación académica?
Su manera de pintar será partiendo de una materia muy densa,
influenciada por la pintura primitivista y la técnica de los grafitis que
estaban apareciendo en París.
No hay nada de sublime en esta pintura, esto es otra de las grandes
diferencias con el expresionismo abstracto americano.

El grupo CoBrA. 1948-1951.

surge tras la segunda Guerra Mundial, frente a ese dolor, nos encontramos con un vitalismo. A
través de la ingenuidad nos acercamos al Art Brut es la cara positiva del informalismo europeo.
Algunos artistas como Pierre Alchinsky, Asger jorn, Karel Appel...retoman el expresionismo
vanguardista juegan con el elemento de lo primitivo, dicen que el arte debe ser expresión de los
valores de la sociedad y alcanzable a todos. Reciben ese nombre como reacción a lo anterior., se
consideran como esa fuerza del animal (cobra).
Tienen esa idea de transformar el arte y cambiar el mundo (vamos, unos hippies). Rompen con la
idea de la eterna cuestión: lo que es arte y lo que no.

El informalismo en España. 1946-1975.

La guerra civil supone una brecha en la tradición cultural y artística. La producción es academicista
debido a su público (burgueses). Esto genera que empiecen a aparecer grupos de artistas que abren
pequeñas galerías y poco a poco van a adquirir importancia estos pequeños grupos. Algunas de sus
características serán la gestualidad y cromática oscura llegando a ser un grito anti político.
Destacan artistas como Modesto Cuixart, Tàpies y se internacionaliza el arte español “moderno”
(informalistas).
Grupos más destacados: Dau al set en Barcelona. Su intención es “agitar” el arte español. Casi
todos ellos evolucionan hacia el informalismo. Tàpies en un principio tomó los fondos cósmicos de
Miró y evoluciona sobre una abstracción figurativa donde añade progresivamente símbolos y letras
(grafismos) siempre muy pastosa para que la pintura sea expresiva por si misma.
Durante los años 60 se van transformando y fusionando. Se considerará un experimentador de la
forma.
Otro grupo destacado:
La sociedad artística en la que irrrumpe el grupo El PASO fue definida en su manifiesto
fundacional, publicado en 1957. Sin adscribirse a ninguna tendencia artística definida y con la
ambición de sumar a su propuesta a escritores, cineastas, músicos y arquitectos, los artistas que
formaban El PASO comenzaban un capítulo nuevo en la historia del arte español: una vanguardia
libre nacía después de dos décadas de silencio creativo y lo hacía con una idea clara de
compromiso con su tiempo. Destacan Manuel Millares y Antonio Saura.
Neodadaismo. Finales de los 50 principios de las 60.

Surge como reacción al arte-vida-social del expresionismo abstracto, el cual había absorbido
plenamente al artista en una experiencia mística respecto a su obra de arte, y la carga emotiva de
ésta y su discurso teórico, resultaban tan ininteligibles que, se había creado un distanciamiento
del arte como arte-vida-social. Pues la sociedad quedaba alejada de un arte absorto en la
personalidad del artista y cuya profundidad y lirismo, no eran accesibles para una sociedad
común.