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H15TOR14 D4 4RT3 DA IDADE MODERNA A CONTEMPORÂNEA PRÉ-RENASCIMENTO Os sinais precursores do Renascimento são

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DA IDADE MODERNA A CONTEMPORÂNEA

PRÉ-RENASCIMENTO

Os sinais precursores do Renascimento são possíveis de achá-Ios mesmo antes do chamado Primeiro Renascimento do séc. XV, trata-se do Proto-renascimento ou pré- renascimento do século. Este compreende todo século XIV. A Europa acelera nesse século o processo de superação da economia agrária, artesanal e urbana da Idade Média, cujas correspondências nas artes estavam nos estilos românico e gótico, para ingressar na economia manufatureira, mercantilista e nacional da Idade Moderna, os correspondentes artísticos serão por sua vez, os estilos renascentistas.

Na Itália, a evolução da pintura pré- renascentista distingue-se por progressivo abandono do convencionalismo do mosaico bizantino, que se havia tornado a influência dominadora entre os pintores.

O RENASCIMENTO DA ARTE

A arte clássica renasceu graças a

descobertas revolucionárias, como a anatomia e a perspectiva; a influência se estende da Itália a toda Europa.

Todos os caminhos partem de Florença. O Alto Renascimento em Roma e Veneza e

sua expansão para o norte, leste e oeste.

O RENASCIMENTO NA PENÍNSULA ITÁLICA

IDADE MODERNA: <1300 d.C.> da tomada de Constantinopla pelos Turcos até 1789, data da Revolução Francesa. Renascimento, Maneirismo Barroco, Rococó.

Ainda na Idade Média, existiram tentativas isoladas de retomada da cultura clássica. Nos mosteiros, eram estudados os princípios greco-romanos. Entretanto, é somente a partir de 1300 que começa a se efetivar a retomada dos valores clássicos, período denominado de Renascimento. O homem e a natureza foram valorizados em relação ao divino e ao sobrenatural (humanismo).

Artistas redescobrem a representação realista da figura humana, superam limitações técnicas. O Humanismo e o surgimento da figura dos mecenas

O berço de Renascimento foi a Itália, país que se encontrava em ascendência econômica, cultural e artística. Este período durou por cerca de dois séculos. Um fator que colaborou muito para o crescimento da produção artística foi o

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reaparecimento do comércio, surgindo a figura do mecenas (nobres comerciantes).

Os mecenas protegiam os artistas e aplicavam a sua riqueza na arte e no estudo, como uma forma de demonstrar poder.

PINTURA A pintura desta época se caracterizou por:

Emprego do claro-escuro (luz e

Emprego

do

claro-escuro

(luz

e

sombra);

Fidelidade e idealismo;  

Fidelidade e idealismo;

 
Uso da arquitetura como cenário;  

Uso da arquitetura como cenário;

 
do claro-escuro (luz e sombra); Fidelidade e idealismo;   Uso da arquitetura como cenário;  

Leon Battista Alberti, Filippo Brunelleschi, Palladio e Bramante.

Artistas:

Leon Battista Alberti (1404-1471)

É considerado o maior teórico do Renascimento, traduziu o Tratado de Vitruvio, documento do século I a.c. que explicava as ordens e regras clássicas. Alberti e Brunelleschi impulsionaram a evolução do movimento renascentista. Uma de suas obras mais importantes é o Templo Malatestiano, em Rimini, Itália.

Filippo Brunelleschi (1377-1446)

Os principais artistas foram:

Piero della Francesca, Sandro Boticelli, Filipo Lippi, Leonardo da Vinci, Michelangelo Buonarroti, Rafael Sanzio.

ESCULTURA A escultura no Renascimento teve como pontos principais:

Naturalismo; Realismo.
Naturalismo;

Naturalismo;

Realismo.

Realismo.

Brunelleschi foi um dos artistas mais completos desta época, era arquiteto, pintor e escultor. Uma obra prima sua é a Cúpula da Catedral de Florença, iniciada em 1420. Baseou-se em obras como o Panteão (de Roma) e outras cúpulas romanas para a sua construção. A cúpula tem 42 m de diâmetro e está a 142 m de altura do chão. Outras obras importantes são: Hospital dos Inocentes e Capela Pazzi em Florença.

Donato Bramante (1444-1515)

Os principais artistas foram: Donatello, Verrochio e Michelangelo.

ARQUITETURA

A

por:

arquitetura

do

período

notabilizou-se

Retomada das ordens clássicas; Obras baseadas em relações matemáticas;  
Retomada das ordens clássicas;

Retomada das ordens clássicas;

Obras baseadas em relações

Obras

baseadas

em

relações

matemáticas;

 
Retomada das ordens clássicas; Obras baseadas em relações matemáticas;  

Principais nomes:

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A obra-prima de Bramante é o Tempietto de São Pedro em Montorio, Roma. Esta construção apresenta planta circular e é uma representação perfeita dos seus estudos clássicos.

Andrea Di Pietro Della Gondola, Palladio

(1508-1580)

Palladio começou a sua carreira como operário de obras. Com a idade próxima aos quarenta anos, tornouse um dos grandes mestres da arquitetura na região do Vêneto, Itália. A sua grande contribuição foi saber reinterpretar o ideal clássico, modificando algumas regras para

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adaptar ao aspecto prático. Entre as suas obras arquitetônicas mais famosas estão:

La Rotonda e Basílica Paliadiana, em Vicenza e a Igreja de São Jorge Maior, em Veneza.

Masaccio (1401-1428)

Foi O primeiro pintor do século XV a conceber a pintura como imitação fiel da

realidade. Morreu jovem, aos 27 anos, mas deixou obras que retratam com fidelidade

e beleza as figuras humanas. Uma das

obras mais importantes é o afresco, da Igreja de Santa Maria Novella, em Florença, Santíssima Trindade.

Fra Angelico (1400-1455)

Fra Angelico seguiu a característica principal de Masaccio: muito realismo humano. Seus temas principais eram relacionados à religião.

SANDRO FILIPEPI, BOTTICELLI (1444-1510)

Nasceu em Florença, onde passou praticamente toda a sua vida e fez suas obras mais famosas. Botticelli usou como temas a antiguidade grega e o cristianismo, possibilitando a retratação do ideal de beleza. Suas obras demonstravam, através do desenho, um ritmo suave e gracioso. Colaborou na decoração da Capela Sistina no Vaticano, em 1481. Quando retornou a Florença, iniciou uma nova fase, trazendo para as suas obras os temas mitológicos. Estas obras se tornaram as mais conhecidas: A Primavera e Nascimento de Vênus.

LEONARDO DA VINCI (1452-1519)

Da Vinci foi um dos artistas mais completos

do Renascimento. Era desenhista, pintor,

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escultor e arquiteto. Realizou pesquisas em anatomia, botânica, mecânica, hidráulica, óptica e astronomia. Os seus estudos com relação à perspectiva e à proporção do corpo são fantásticos (exemplo: Homem Vitruviano). Aplicou de forma magnífica a técnica do claro-escuro (luz e sombra). Algumas de suas obras são: Monalisa ou Gioconda, A Virgem dos Rochedos, A Última Ceia, que está na parede da Igreja de Santa Maria delle Grazie, em Milão.

MICHELANGELO BUONARROTI (1475-

1564)

Michelangelo se destacou em diversas

áreas: escultura, arquitetura, pintura e poesia, tornando-se um dos grandes representantes do Renascimento. Sua maior paixão era pela escultura. Nela, conseguiu representar de maneira magnífica os ideais clássicos de beleza. As esculturas mais famosas são: David, que está no Museu da Academia em Florença e

a Pietá, dentro da Basílica de São Pedro no Vaticano. Realizou a pintura da Capela Sistina no Vaticano. Aceitou esta obra a contragosto depois de muita insistência do Papa. A pintura hoje é considerada uma de suas obras-primas. Na arquitetura, trabalhou na cúpula da Basílica de São Pedro e em projetos de palácios e obras civis.

RAFAEL SANZIO (1483-1520)

Nasceu em Urbino, mas passou sua vida entre Florença e Roma. É considerado o pintor renascentista que melhor expressou os ideais clássicos de beleza: harmonia e regularidade de formas e cores. Rafael não trabalhou com excessos de detalhes e decorativismo, elaborava suas obras de forma clara e simples. Apesar da fama como pintor, também foi exímio arquiteto,

o Papa Leão X o nomeou arquiteto papai

em 1514. Um exemplo da grandiosidade de

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sua arquitetura é a Vila Madama em Roma. Suas principais obras de pintura são: A Escola de Atenas, A Libertação de São Pedro, A Transfiguração.

Tiziano Vecellio, Ticiano (1490-1576)

Em 1515, Ticiano já era considerado um grande artista da escola veneziana. Era amado por intelectuais, colecionadores, como também, pela corte de Veneza. Em 1533, o Imperador Carlos V escolhe Ticiano como "primeiro pintor" da corte. Produziu obras singulares, com temas religiosos, mitológicos, de amor, e retratos, utilizando sempre cores muito vivas e desenhos que inspiravam movimento. Uma de suas célebres frases é: "Quem quer ser pintor deve conhecer três cores: o branco, o vermelho, o preto e tê-Ias na mão". Destaca-se na sua obra a Ascensão da Virgem, 151 6-1 8 e Amor Sacro e Amor Profano, 1514.

O RENASCIMENTO NA ALEMANHA E PAISES BAIXOS

A pintura da Alemanha brilhou no Renascimento. Apesar de a arte alemã manter-se vinculada ao passado gótico, vários de seus artistas foram capazes de fundir a herança medieval com a nova estética.

As idéias do Renascimento italiano se difundiram pela Europa, tendo suas principais correntes na Alemanha e Países Baixos. Os artistas que mais se destacaram nestas regiões foram:

Albrecht Dürer (1471-1528)

Renascimento na Alemanha. Em busca de aperfeiçoamento, partiu em viagem pela Europa (Viena, Basiléia, Veneza), onde melhorou sua técnica de perspectiva. É conhecido como primeiro artista alemão a conceber a arte como uma representação fiel da realidade. Suas obras são caracterizadas pela busca do perfeito desenho gráfico, desejando dar vida à beleza ideal e natural ao mesmo tempo.

Hans Holbein, O Jovem (1498-1543)

É o pintor conhecido na história da arte como retratista de pessoas e políticos famosos da Inglaterra e dos Países Baixos. Seus retratos demonstram um realismo tranqüilo. As obras mais famosas são:

Erasmo de Roterdã, 1523 e Os Embaixadores, 1533.

Hieronymus Bosch (1450-1516) A força da fantasia. Bosch criou um estilo próprio e muito diferente dos outros artistas. Costumava pintar com símbolos de astrologia, alquimia e magia. A forma mais característica de suas pinturas é o "tríptico" (seqüência de três quadros). Os mais famosos são: O Jardim das Delícias e As Tentações de Santo Antônio.

Pieter Bruegel, O Velho (1525-1569)

É considerado um dos maiores pintores flamengos do século XVI. Sua obra se diferencia do ideal de perfeição renascentista, pois retrata cenas reais de aldeias medievais. Tinha o costume de datar as obras, por este motivo é possível fazer uma cronologia precisa de sua produção artística. É exemplo de sua obra a seqüência de pinturas chamada Estações, de 1565.

Dürer terminou seu aprendizado ao 19 anos, em Nuremberg, centro cultural do

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MANEIRISMO

Alguns historiadores consideram o Maneirismo como uma transição entre os

estilos renascentista e barroco, enquanto outros o vêem como um estilo propriamente dito.

A palavra maneirismo, deriva da italiana

"maniera" que significa expressividade forçada.

O

Maneirismo teve inicio em 1520, quando

o

renascimento entrou em declínio; foi

uma época marcada por movimentos religiosos e em muitos países, pela consolidação do absolutismo. Este estilo era caracterizado pela deformação das figuras, o corpo humano com formas alongadas, a riqueza de detalhes, criação de figuras abstratas e efeitos visuais usando cores intensas. Uma das figuras mais representativas deste movimento foi EI Greco e Tintoretto.

PINTURA

Utilizando os mesmos elementos do Renascimento, mas com enfoque diferente, os maneiristas criaram uma arte de labirintos, espirais e proporções estranhas. Havia uma visível tendência à estilização exagerada.

do

Renascimento tomaram formas esguias e alongadas, rostos misteriosos e melancólicos surgiram entre as vestes, os

protagonistas dos quadros começaram a não aparecer no centro da figura e um número grande de figuras se comprimem em espaços reduzidos. Há então o aparecimento de planos paralelos completamente irreais.

Os

corpos

bem

torneados

Alguns dos pintores maneiristas que mais se destacaram foram:

Jacopo Robusti, Tintoretto (1518-1594)

Pintor veneziano, cujo apelido, Tintoretto, deriva-se da profissão de seu pai, um tintureiro. Passou quase toda a sua vida em Veneza, onde produziu uma grande quantidade de obras para a Igreja. Além dessas obras religiosas, também pintou cenas mitológicas e retratos. Foi um desenhista formidável que se destacou por empregar em suas telas vívidos exageros

de luz e movimento.

Domenikos Theotocopoulus, EI Greco

(1541-1614)

Por ter nascido na Grécia foi chamado de EI Greco (O Grego). Em 1570 mudou-se para Roma, mas foi em Toledo, na Espanha, que

se estabeleceu e desenvolveu seu estilo

próprio a partir de 1577. Suas obras se caracterizam pela predominância da verticalidade, as figuras são alongadas e geralmente pintadas em cores frias. Através de sua pintura expressou um intenso sentimento religioso.

As características iniciadas no Maneirismo tiveram total desenvolvimento no estilo Barroco, que estudaremos no próximo capítulo.

ESCULTURA

A escultura seguiu a mesma linha da

pintura maneirista, muitos detalhes, formas desproporcionais e um distanciamento da realidade. Com formas de proporções estranhas, respeitando, entretanto o equilíbrio e a graciosidade da obra. Suas esculturas apresentavam figuras

enlaçadas numa superposição de planos, dispostas umas sobre as outras, numa composição dinâmica. Um dos grandes escultores do maneirismo foi Giambologna.

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ARQUITETURA

O estilo maneirista teve um espírito

totalmente diferente das outras formas de expressão artística e arquitetônica, "exibindo labirintos, espirais e proporções estranhas, dando efeitos dramáticos e usando as cores de modo arbitrário. A arquitetura maneirista sobressaiu com as construções de igrejas de plano longitudinal, mais longas do que largas, com cúpulas descentralizadas e preocupada com a decoração e a distribuição da luminosidade no espaço.

Principais características:

Nas Igrejas:

A Reforma:

A Igreja Católica organizou um movimento

chamado de Contra-Reforma para

combater a Reforma. No século XVI, com o Concílio de Trento, o movimento católico começou a ganhar força. Surgiu a Companhia de Jesus, ordem religiosa que

tinha como objetivo (através dos jesuítas)

As naves escuras, iluminadas difundir a fé católica entre os povos não

As

naves

escuras,

iluminadas

difundir a fé católica entre os povos não

apenas de ângulos diferentes;

cristãos.

Os coros com escadas em espiral;

Os coros com escadas em espiral;

Assim, a Igreja Católica retoma sua força e novas igrejas são edificadas. Dentro destas igrejas

Assim, a Igreja Católica retoma sua força e novas igrejas são edificadas. Dentro destas igrejas surge a Arte Barroca, como meio de propagar o catolicismo e ampliar a sua influência.

Nos ricos palácios e casas de campo:

Uso de formas convexas que permitiam o contraste entre luz e sombra;a sua influência. Nos ricos palácios e casas de campo: A decoração de interiores exibindo um

A decoração de interiores exibindo um estilo refinado e ricamente adornado, com afrescos nas abóbadas.convexas que permitiam o contraste entre luz e sombra; ARTE BARROCA A grandiosidade da arte se

ARTE BARROCA

A grandiosidade da arte se aproxima do teatral, com efeitos de luzes, apelo emocional. Jogo de luz e sombra; Emoção x razão; Temas religiosos e mitológicos.

No século XVII, começa a se desenvolver na

Itália a Arte Barroca, como conseqüência do momento político social e principalmente religioso (Reforma Protestante).

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O Concílio de Trento, realizado de 1545 a

1563, teve como conseqüência uma grande

reformulação no Catolicismo, em resposta

à Reforma protestante, desencadeada por

Martinho Lutero (1483-1546). A disciplina e

a autoridade da vigorosamente,

estabelecendo-se a divisão da cristandade

entre

católicos e protestantes.

Nos

Estados protestantes, onde havia

condições favoráveis à liberdade de pensamento, a investigação científica iniciada no Renascimento pôde prosseguir.

Já nos Estados católicos, o movimento Contra-Reforma reprimiu as manifestações culturais ou artísticas que pudessem contrariar as determinações da Igreja. É quando a Companhia de Jesus, reconhecida pelo papa em 1540, passa a dominar quase inteiramente o ensino, exercendo um papel importante na difusão do pensamento católico aprovado no Concílio de Trento.

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É na construção e decoração das igrejas que nasce a arte Barroca.

Arquitetos, escultores e pintores foram convocados para transformar igrejas em verdadeiras exibições artísticas, cujo

esplendor tinha o propósito de converter

ao catolicismo todas as pessoas.

Suas características gerais são:

Violentos contrastes de luz e

Violentos

contrastes

de

luz

e

sombra;

Violentos contrastes de luz e sombra; Busca de efeitos decorativos e visuais, através de curvas,
Busca de efeitos decorativos e visuais, através de curvas, contracurvas, colunas retorcidas; Entrelaçamento entre a

Busca de efeitos decorativos e visuais, através de curvas, contracurvas, colunas retorcidas; Entrelaçamento entre a arquitetura e escultura;

e visuais, através de curvas, contracurvas, colunas retorcidas; Entrelaçamento entre a arquitetura e escultura;

PINTURA A pintura barroca destacou-se por enfatizar novos métodos de composição. Usava figuras desproporcionais, contrastes acentuados de claro e escuro, composições em diagonal e efeitos de perspectiva de aparência propositadamente irreal.

Os desenhos eram intencionalmente assimétricos. Os artistas não se preocupavam em apresentar formas individuais perfeitas, mas em captar a idéia

de espaço e movimento.

A intenção

através dos sentidos e da emoção e não

apenas pelo raciocínio.

surpresas e maravilhando o seu

utilização de seus inúmeros recursos.

do

Barroco

era

atingir

Era

a

causar

deslumbramentos

público

com

a

e a terra, a pureza e o pecado, a alegria e a tristeza, Deus e o diabo.

A pintura barroca é caracterizada por:

Composição em diagonal;Deus e o diabo. A pintura barroca é caracterizada por: Figuras representadas de forma teatral; Jogo

Figuras representadas de forma teatral;barroca é caracterizada por: Composição em diagonal; Jogo de luz para dar intensidade dramática; Temas

Jogo de luz para dar intensidade dramática;em diagonal; Figuras representadas de forma teatral; Temas religiosos, mitológicos e do cotidiano; Emoção e

Temas religiosos, mitológicos e do cotidiano;forma teatral; Jogo de luz para dar intensidade dramática; Emoção e não razão. Uma característica marcante

Emoção e não razão.dramática; Temas religiosos, mitológicos e do cotidiano; Uma característica marcante da pintura barroca é o efeito

Uma característica marcante da pintura barroca é o efeito de ilusão buscado pelos artistas. Isso se manifesta claramente nas pinturas feitas é o efeito de ilusão buscado pelos artistas. Isso se manifesta claramente nas pinturas feitas em tetos e paredes de igrejas ou palácios.

Os artistas pintam cenas e elementos arquitetônicos (colunas, escadas, balcões, degraus) que dão uma incrível ilusão de movimento e ampliação de espaço, chegando, em alguns casos, a dar a impressão de que a pintura é a realidade e

a parede, de fato, não existe.

Outra característica da pintura barraca é a exploração do jogo de luz e sombra, como se pode observar, por exemplo, é a exploração do jogo de luz e sombra, como se pode observar, por exemplo, na obra do pintor italiano Caravaggio, que teve vários seguidores, dentro e fora da Itália.

Os

destacaram foram:

pintores

italianos

que

mais

se

Jacopo Robusti, Tintoretto (1519-1594) Ele apresentou duas características bem

definidas:

Este estilo traduz a tentativa em conciliar forças opostas como: o bem e o mal, o céu

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Existia um cartaz em seu atelier que dizia:

"Colorido de Ticiano e desenho de Michelangelo".

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Grande parte de sua obra retratava temas ligados à religião, mitologia ou retratos. Algumas de suas obras mais famosas são: A Última Ceia e O Milagre do Escravo.

Michelangelo Merisi, Caravaggio (1571-

1610)

onde se tornou pintor do rei Filipe IV. Dedicou-se na pintura de retratos para a realeza. Entretanto, também pintou cenas do cotidiano do povo. Da obra de Velázquez se destaca As Meninas, de 1656.

Os pintores barrocos dos Países Baixos que mais se destacaram foram Rubens e Rembrandt.

Caravaggio foi um dos pintores mais inovadores da época, suas obras possuem um realismo extremo. As pinturas tinham como tema: vida cotidiana, pastores, ciganos, vendedores e músicos, sempre com um fundo dramático inédito. Utilizou a luz para dirigir a atenção do espectador e dramatizar a cena. Existia um profundo sentido religioso imerso nas imagens do cotidiano e da realidade. Alguns exemplos de sua produção artística: Vocação de São Mateus, 1599, para a Igreja de São Luís dos Franceses; Sepultura de Cristo e Cabeça de Medusa, 1596-98.

Além da Itália, a Arte Barroca se difundiu por outros países como: Espanha e Países Baixos. Cada região desenvolveu um estilo próprio. Na pintura barroca espanhola se destacaram: EI Greco e Velázquez.

Domenikos Theotokopoulos, EI Greco

(1541-1614)

Quando se transferiu para Toledo, Espanha, recebeu o apelido de EI Greco. Sua pintura se caracteriza por um tom visionário e fantástico, com figuras alongadas no sentido vertical e cores fluorescentes. São exemplos de sua obra:

Espólio, 1577-79; A Ressurreição de Cristo, 1590; A Trindade.

Diego Velázquez (1599-1660)

Pieter Paul Rubens (1577-1640)

Rubens nasceu em Siegen, Alemanha. Foi para a Itália se especializar na pintura. Entre 1620 e 1640, foi um dos pintores mais requisitados na Europa. Possuía um estilo próprio, com uso de cores vibrantes, como: vermelho, amarelo e verde, usadas principalmente nas roupas dos personagens. Além disso, sua composição dava muita sugestão de movimento. Estas características que, conquistaram os espectadores podem ser observadas nos exemplos: Deposição da Cruz, 1612 e Erguimento da Cruz.

Rembrandt Van Rijn (1606-1669)

Rembrandt nasceu em Leiden, na Holanda, onde trabalhou em pinturas-miniatura com muita delicadeza e requinte. Quando se mudou para Amsterdã, sua fama cresceu. O auge da sua carreira aconteceu após seu casamento, quando começou a fazer pinturas monumentais. Sua obra se caracteriza pelo uso da luz para dar ênfase às cenas e pelas expressões dramáticas das figuras. São exemplos de sua obra: Lição de Anatomia, 1632, onde se percebe bem o uso da luz, dando ênfase ao corpo que está sendo estudado; Ronda Noturna, 1642.

Velázquez nasceu em Sevilha e desde cedo já produziu obras muito admiradas. Sua principal característica era a utilização de luz e sombra. Em 1623, foi para Madri,

ESCULTURA Na escultura barroca desapareceu o equilíbrio entre aspectos intelectuais e

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emocionais, dando-se lugar à exaltação dos sentimentos.

Predominam nela, as linhas curvas, e a cor dourada é muito utilizada.

Um dos artistas que mais se destacou na escultura barroca foi o italiano Bernini (1598 - 1680). Além de escultor, foi arquiteto e pintor. Destaca-se na sua obra O Baldaquino, da Basílica de São Pedro e Êxtase de Santa Tereza (1645-52). para a Capela Cornaro, da Igrreja Santa Maria della Vittoria, Roma.

Gian Lorenzo Bernini (1598-1680)

vestes

dourado.

(panejamento)

e

a

utilizaçâo

do

ARQUITETURA A arquitetura barroca se destaca, principalmente, nas Igrejas e Palácios. Segue o exemplo da pintura e da escultura, utilizando curvas e elementos decorativos para dar drama à obra. A praça de São Pedro, no Vaticano, feita por Bernini, é um exemplo muito claro do que pretendia a arquitetura barroca.

Principais arquitetos:

Bernini, Francesco Berromini, Giacomo della Porta e Pietro da Cortona.

Itália, em 1598. Era pintor, escultor, arquiteto e mestre do Barroco Monumental. Em Roma, construiu a colunata de São Pedro, (baldaquino) e inúmeros monumentos e fontes. Entre os monumentos destaca-se Êxtase de Santa Teresa e entre as fontes, Tristão e Quatro Rios. Também fez alguns bustos. Morreu em Roma, em 1680. Dedicou sua obra exclusivamente a projeção da Igreja Católica, na Itália. A principal característica de suas obras é o realismo, tendo-se a impressão de que estão vivas e que poderiam se movimentar. As esculturas em mármore procuraram destacar as expressões faciais e as características individuais, cabelos, músculos, lábios, enfim as características específicas destoam nestas obras que procuram glorificar a religiosidade. Multiplicavam-se anjos e arcanjos, santos e virgens, deuses pagãos e heróis místicos, agitando-se nas águas das fontes e surgindo de seus nichos nas fachadas, quando não sustentavam uma viga ou faziam parte dos altares. O Barroco escolhe a dramaticidade das expressões e o dinamismo dos movimentos como elementos básicos de seu espírito. Essas peculiaridades da escultura Barroca se concretizam através da predominância de linhas curvas, excesso de dobras nas

O ROCOCÓ:

O uso da arte como forma de demonstrar poder e sensualidade.

O Rococó nasceu na França, no século XVIII, quando o país passava a ser a nação mais poderosa em termos militares e culturais.

O estilo foi uma reação e uma continuidade do Barroco.

O nome Rococó vem da palavra francesa rocaille, que significa pequenas pedras artificiais, em particular em forma de concha, usadas nas grutas e nos jardins italianos do século XV e logo após nos dos franceses.

O estilo ganha força quando, em 1715, Luís XV foi coroado rei. A corte se muda de Versalhes para Paris e os ricos banqueiros e comerciantes parisienses usam a arte como forma de demonstrar poder. O Rococó se estabeleceu como estilo na França até 1780, período do governo de Luís XV e Luís XVI, nomes que também podem ser utilizados para se referir ao estilo.

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O Rococó não é intelectualmente rigoroso, pois nasce dos desejos e prazeres imediatos

da realeza. Buscava trazer prazer à vida de

uma sociedade ociosa e fútil que estava sob o domínio de um governo autoritário.

As

Rococó são:

principais

características

da

arte

Uso de formas curvas; Excesso de ornamentos, como conchas, flores, anjos e laços; Uso de
Uso de formas curvas;

Uso de formas curvas;

Excesso de ornamentos, como conchas, flores, anjos e laços;

Excesso de ornamentos, como conchas, flores, anjos e laços;

Uso de cores suaves e de tom pastel (verde claro e cor-de-rosa);

Uso de cores suaves e de tom pastel (verde claro e cor-de-rosa);

de ornamentos, como conchas, flores, anjos e laços; Uso de cores suaves e de tom pastel
de ornamentos, como conchas, flores, anjos e laços; Uso de cores suaves e de tom pastel

ARQUITETURA

O estilo Rococó aparece, principalmente,

na decoração de interiores, com ambientes que se caracterizam por:

Ambientes de forma oval;  

Ambientes de forma oval;

 
Paredes e tetos decorados e

Paredes

e

tetos

decorados

e

pintados

com

cores

claras

e

suaves;

e pintados com cores claras e suaves; As fachadas contrastavam com a decoração do interior, pois
As fachadas contrastavam com a decoração do interior, pois eram simples e sem exageros.

As fachadas contrastavam com a decoração do interior, pois eram simples e sem exageros.

São exemplos da arquitetura Rococó:

Igreja de Vierzehnheiligen, Alemanha, arquiteto Johann Balthasar, 1743-72;

Petit Trianon, Paris, arquiteto Jacques- Ange Gabriel 1762-68;

Palácio de Versalhes, na França.

PINTURA Na pintura, as principais mudanças em relação ao barroco são:

as principais mudanças em relação ao barroco são: 10 Predomina o uso de cores claras e

10

as principais mudanças em relação ao barroco são: 10 Predomina o uso de cores claras e

Predomina o uso de cores claras e tons pastéis.

Os pintores que mais se destacaram no Rococó foram:

Jean-Antonie Watteau e Jean Honoré Fragonard.

ESCULTURA

A escultura do Rococó é caracterizada por

linhas suaves e graciosas. A maioria dos exemplos de escultura são as retatações de personagens importantes, como Voltaire, de Antoine Houdon, (1781).

Uma característica importante do rococó é

a valorização dos objetos de decoração,

como móveis, vasos cerâmicos, estatuetas

e utensílios domésticos. A produção de

porcelanas foi o ramo que mais se destacou. A partir de 1756, a Manufatura Real de Porcelana Sévres passou a produzir porcelanas finas em grande escala.

Principais artistas:

Jean-Antoine Watteau (1684-1721) Watteau nasceu em Flandres e aos vinte anos foi para Paris, onde estudou e se afirmou como mestre da pintura rococó francesa. Os temas adotados em sua obra são cenas de amor, bailes e fatos da vida da aristocracia. A partir da obra Embarque para Cítera (mítica ilha do amor), de 1717, ganhou fama e aceitação da Academia de Paris. Apesar dos temas descomprome- tidos, pode-se notar nostalgia e tédio em suas pinturas. Pintor de espírito poético na linha do fantástico e onírico, foi aproveitado pelos decoradores das festas nos palácios de Paris. Estudou os colorismos de Rubens e dos italianos Ticiano e Veronese. Realizou seus melhores trabalhos na ultima década de sua vida, que foi curta, e com estilo próprio. Pintou com linhas delicadas, ainda que vibrantes e nervosas, ao estilo gracioso do rococó. A tela contém uma atmosfera envolvente, integrando os personagens na composição do todo. Neste sentido é

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apreciável Reunião no Parque (Louvre). Obras: "Julgamento de Páris" (Louvre), "Júpiter e Antíope"(Louvre), "Parque de St. Cloud" (Prado), "Casamento Campestre" (Prado), "Festa Veneziana" (Edimburgo), "O Embarque para Citera" (Louvre).

Jean-Honoré Fragonard (1732-1806) conseguiu expressar, de maneira muito sutil, a sensualidade. Ele trouxe de volta à pintura as cores brilhantes e o nervosismo da pincelada. Uma de suas obras mais famosas é O Balanço, de 1766. Estudou com Chardin e Boucher em Paris, com estadia em Roma de 1756 a 1761, praticando a pintura com perfeito conhecimento dos grandes coloristas. Com um erotismo suave e delicioso pintou para a clientela da burguesia e nobreza da capital francesa. São apreciáveis: Beijo furtivo (Leningrado), Mulher retirando a camisa (Louvre), As banhistas (Louvre) Rinaldo nos jardins de Armida (Col. Particular, Paris). Pintou também quadros para a sala de jantar de Luís XV em Versailles e para o palácio de Madame Pompadour. O virtuosismo com que Fragonard maneja os tons da cor e as sombras coloridas, as silhuetas e os fundos, prenuncia os modernistas.

SÉCULO XIX. O NASCIMENTO DOS “ISMOS”

IDADE CONTEMPORÂNEA: <1789> Início da Revolução Francesa até os dias de hoje. Neoclassicismo, Romantismo e Realismo, Art Nouveau, Impressionismo, Pós- impressionismo, Expressionismo, Fauvismo, Cubismo, Abstracionismo, Futurismo, Dadaísmo, Surreslismo, Op-art,

Arte Conceitual e Digital

Pop-art

A frança mantém a liderança da arte duzentos anos seguintes, enquanto os estilos vêm e vão.

Podemos dizer que o estilo é o modo pessoal que cada um de nós tem para realizar ou exercitar alguma coisa.

Os artistas, baseados em idéias, pen- samentos, maneiras de ver os fatos e de sentir o que está em sua volta, criam seu estilo para pintar, para esculpir, para fotografar, cantar ou até para representar.

Estes são apenas alguns dos muitos estilos que existem. Vamos conhecer um pouco de cada um deles.

NEOCLASSICISMO

Tendência predominante na pintura, escultura e arquitetura européias do final do século XVIII até meados do século XIX. Empregava os ideais mais simples dos gregos e da Antiga Roma.

No final do século XVIII e início do XIX surge uma nova tendência estética, o Neoclassicismo. É uma reação ao Barroco e ao Rococó e uma retomada dos padrões clássicos greco-romanos.

Os artistas são influenciados pelo Renascimento e por ideais iluministas (que tinha como princípio a razão, o senso moral e o equilíbrio em oposição à emoção). Substituem as linhas curvas e diagonais por linhas horizontais e verticais de traços firmes e equilibrados.

Os

Neoclassicismo foram:

fatos

que

firmes e equilibrados. Os Neoclassicismo foram: fatos que influenciaram o Mais o que é um estilo?

influenciaram

o

Mais o que é um estilo?

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Revolução Francesa em 1789;

Revolução Francesa em 1789;

Início do Império de Napoleão;

Início do Império de Napoleão;

Revolução Francesa em 1789; Início do Império de Napoleão;

Para os neoclássicos, uma obra de arte só estaria dentro de um ideal de beleza se imitasse os ideais greco-romanos.

Assim, surgiu dentro das Academias de Belas Artes, o aprendizado de técnicas e convenções da Arte Clássica. Isto durou até surgirem os questionamentos da Arte Moderna.

PINTURA

O pintor que mais se destacou foi o francês

Jacques Louis David. Ele se formou na

Academia de Belas Artes de Paris e foi para

a Itália estudar nas escavações de Pompéia

e Herculano. Quando voltou para Paris, tornou-se pintor oficial do Império de Napoleão. O seu quadro A Morte de Sócrates, de 1787 é a afirmação do novo estilo na Europa.

ARQUITETURA

A arquitetura neoclássica tem como

modelo os templos greco-romanos e os edifícios renascentistas.

Caracterizada por fachadas sóbrias, com colunas dóricas ou jônicas sustentando um frontão. Como se pode observar na obra

do arquiteto Jacques Germain Souflot, o

Panteão Nacional de Paris (1757-1792) originalmente era a Igreja de Santa

Genoveva.

ESCULTURA Na escultura a inspiração também veio das obras greco-romanas.

A vantagem da escultura em relação à

pintura é que os escultores tinham os modelos clássicos em pedra para imitar. O maior representante da escultura Neoclássica é o italiano Antonio Canova

(1757-1822).

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No final do século XVIII, ocorreram mudanças sociais políticas (Revolução Francesa e Revolução Industrial), que tornaram a arte mais complexa. Diversos movimentos artísticos se desenvolveram, seguindo diferentes tendências e concepções. Foram eles: Romantismo, Realismo Impressionismo e Pós- Impressionismo.

Principais artistas Jacques-Louis David (1748 - 1825)

Pintor francês, principal expoente da reação neo-clássica contra o estilo Rococó. Nasceu em Paris, em 30 de agosto de 1748

e morreu em Bruxelas, em 29 de Dezembro

de 1825 e foi educado por dois tios maternos. Ao término dia seus estudos, foi trabalhar no estúdio do pintor histórico Joseph Marie Vien, o mais célebre pintor e professor de sua época. Em 1766, David entrou para a Academia Real de Pintura e Escultura, na França, mas seus estudos não

correram como esperado, o que o levou a tentar o suicídio. Mas, em 1774, finalmente ganha o Prêmio de Roma, uma bolsa que não só lhe possibilitava uma estadia na Itália, como também lhe assegurava futuras encomendas de trabalhos. Voltou para Paris em 1780 e, em 1782, casou-se com Marguerite Pécoul, filha do empreiteiro e superintendente das obras no Palácio do Louvre. Dai em diante, sua vida dá uma reviravolta. Dois anos depois,

é eleito para a Academia Real e no mesmo ano volta a Roma para pintar.

Participa do salão de Paris em 1785, onde sua obra é considerada um manifesto em defesa de uma renovação artística. Suas obras geralmente expressam um vibrante realismo, mas algumas delas exprimem fortes emoções.

Obras: “A morte de Marat”, “Bonaparte Atravessando os Alpes”

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Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-

1867)

Pintor francês formado no atelier de Jacques-Louis David. Seguiu em 1806 para Roma, ali permanecendo 18 anos, sempre pintando sob a influência de Rafael. Destacou-se no desenho, que é aliás peculiar ao neoclassicismo, de que foi o maior representante neste particular. Apesar de ser um neoclássico, a espontaneidade do desenho delicado e sensual de Ingres, o colocam muito próximo do romantismo. Sua obra abrange, além de composições mitológicas e literárias, nus, retratos e paisagens, mas a crítica moderna vê nos retratos e nus o seu trabalho mais admirável. Ingres soube registrar a fisionomia da classe burguesa do seu tempo, principalmente no gosto pelo poder e na sua confiança na individualidade. Por outro lado, revela um inegável apuro técnico na pintura do nu. Criou para a rainha Carolina, de Nápoles, uma obra prima: Grande odalisca deitada (1814). Outras obras:

Rogério salvando Angélica (Louvre, 1819), O banho turco (Louvre), A fonte (Louvre), A pequena banhista (Louvre), Venus Anadyomene (Chantilly), além de inúmeros retratos.

ROMANTISMO

O estilo romântico começou na década de 1830 e coexistiu, lado a lado, com o neoclassicismo até cerca de 1900.

Características principais:

até cerca de 1900. Características principais: os sentimentos, a imaginação, a O romantismo valorizava

os

sentimentos, a imaginação, a

O

romantismo

valorizava

natureza e o nacionalismo.

Favorecia a espontaneidade e defendia a liberdade do indivíduo.a O romantismo valorizava natureza e o nacionalismo. Os pintores românticos usavam efeitos de luz audaciosos

Os pintores românticos usavam efeitos de luz audaciosos e sombras profundas para revelar os traços pessoais dos temas.a espontaneidade e defendia a liberdade do indivíduo. PINTURA Sua pintura exprimia a Imaginação e as

PINTURA Sua pintura exprimia a Imaginação e as emoções dos artistas, que substituíram as cores límpidas e brilhantes e as composições harmoniosas do neoclassicismo por cenas de atividade violenta, dramatizadas por pinceladas vigorosas, cores ricas e sombras profundas.

Teve mais importância na França e, em 1830, já havia tomado o lugar do Neoclassicismo e se tornado o principal estilo de pintura francesa.

ao

Neoclassicismo que acontece em 1820 e

1850.

O

Romantismo

foi

uma

reação

Características gerais:

Liberdade de expressão dos

Liberdade

de

expressão

dos

artistas;

Valorização do sentimento e da

Valorização

do

sentimento

e

da

imaginação;

Valorização do sentimento e da imaginação; Nacionalismo;   Realismo; Valorização da cor;
Nacionalismo;  

Nacionalismo;

 
Realismo;

Realismo;

Valorização da cor;  

Valorização da cor;

 
do sentimento e da imaginação; Nacionalismo;   Realismo; Valorização da cor;  
do sentimento e da imaginação; Nacionalismo;   Realismo; Valorização da cor;  
do sentimento e da imaginação; Nacionalismo;   Realismo; Valorização da cor;  

Destacam-se no Romantismo os pintores Goya, Delacroix e Turner.

Francisco Goya Y Lucientes (1746 1828)

Goya começou sua carreira como pintor da corte espanhola. Logo começou a pintar temas com cenas históricas, do povo e horrores da guerra. Suas obras mais famosas são: O Fuzilamento de 2 de Maio

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de 1808 e O Fuzilamento de 3 de Maio de

1808, de 1814 15. Nestas obras percebe-

se claramente a composição em diagonal e os contrastes de claro-escuro que direcionam a atenção do observador.

Eugene Delacroix (1798 1860)

Delacroix foi o pintor romântico francês mais importante. Usou a pintura como manifesto e protesto político-social. Uma de suas obras mais famosas é A Liberdade Guiando o Povo, de 1830, onde utiliza a imagem fantasiosa de uma mulher seminua guiando o povo.

temas da vida cotidiana, de grupos sociais menos favorecidos.

O Realismo surgiu da arte francesa, com o declínio dos estilos neoclássico e romântico. Seus primeiros sinais aparecem em pinturas que mostravam a delicadeza da natureza, como as obras de Camile Corat. Entre as décadas de 1830 e 1840, quatro artistas franceses se instalaram na pequena cidade de Barbizon e formaram um grupo, que ficou conhecido como a Escola de Barbizon.

Eram eles Charles Saubigny, Jules Dupret, Jean François Millet e Thedore Rousseau.

Joseph Mallord William Turner (1775-

1851)

O inglês Turner foi um dos representantes

da pintura de paisagem romântica, tinha como tema principal a natureza. Pintou de forma representativa com os tons de amarelo e laranja. Uma de suas obras mais importantes é: Chuva, Vapor e Velocidade.

REALISMO

Entre 1850 e 1900 surgiu uma nova tendência estética chamada Realismo, depois da Revolução Francesa, manifestando uma reação contra o Idealismo romântico. Os artistas realistas começaram a criar a partir de sua experiência e baseando-se na observação do mundo que os rodeava.

Caracteriza-se por abordar a realidade e temas sociais, representando algumas vezes cenas exageradas, para enfatizar problemas sociais da época. Não produziu um estilo arquitetônico próprio; sua escultura, de pouca expressão, era critica e social, mas se destacou na pintura com

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Seus quadros eram simples, com pastagens, florestas e cabanas que contrastavam com os estilos anteriores. O primeiro grande pintor da pintura realista foi Gustave Coubert, que surgiu em meados do século XIX. Pintava com tanta precisão que muitas de suas obras foram consideradas corno protesto social. Suas pinturas ajudaram a mudar o mundo das artes.

Inspirados nos trabalhos de Rembrandt e outros mestres alemães, os realistas achavam que deveriam retratar o que viam ao seu redor.

Principais

características

do

Realismo

foram:

Principais características do Realismo foram: Trazia para a arte a objetividade da ciência; Não usava temas
Trazia para a arte a objetividade da ciência;

Trazia para a arte a objetividade da ciência;

Não usava temas mitológicos, bíblicos, históricos e literários;

Não usava temas mitológicos, bíblicos, históricos e literários;

temas mitológicos, bíblicos, históricos e literários; Pintura que denunciava as injustiças e desigualdades
Pintura que denunciava as injustiças e desigualdades sociais;

Pintura que denunciava as injustiças e desigualdades sociais;

temas mitológicos, bíblicos, históricos e literários; Pintura que denunciava as injustiças e desigualdades sociais;

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PINTURA

As pessoas das classes menos favorecidas - o povo, em resumo - tornaram-se assunto freqüente da pintura realista. Os artistas incorporavam a rudeza, a fealdade, a vulgaridade dos tipos que pintavam, elevando esses tipos à categoria de heróis. Heróis que nada têm a ver com os idealizados heróis da pintura romântica.

realismo de Manet não tinha intenções sociais, inclusive refletia um certo ar aristocrático. Ele pertencia a uma rica família da burguesia parisiense. Seua quadros representavam uma ruptura com

a academicismo provocando grandes

escândalos na época. Sua obra mais

conhecida é Almoço na Relva, de 1863 é

um exemplo disso.

ARQUITETURA

Na arquitetura, as modificações são de

maior impacto. Devido à Revolução

Industrial, o interesse por grandes palácios

Características da pintura:

e

igrejas é deixado de lado para dar lugar à

Representação da realidade com a mesma objetividade com que um construção de indústrias, hospitais, armazéns,

Representação da realidade com a mesma objetividade com que um

construção de indústrias, hospitais, armazéns, apartamentos urbanos, escolas

cientista estuda um fenômeno da natureza, ou seja, o pintor buscava

e

estações ferroviárias.

representar o mundo de maneira

O

público passa a ser a classe operária e a

documental;

classe burguesa. Os materiais utilizados na

"melhorar"

artisticamente a natureza, pois a beleza

está na realidade tal

Revelação

e

mais

Ao

artista

não

dos

cabe

qual

ela

é;

aspectos

característicos e expressivos da realidade.

nova arquitetura são inovadores: concreto

e

ferro.

Temas da pintura:

Politização: a arte passa a ser um meio para denunciar uma ordem social que consideram injustas; a arte manifesta um protesto em favor dos oprimidos.

Gustave Courbet (1819-1877)

Courbet foi o primeiro pintor francês a colocar o realismo social em obras. Seus temas eram: vida cotidiana do povo, trabalhadores no seu ofício e os pobres. Demonstra bem o seu estilo a obra Moça Peneirando Trigo, de 1854-55.

ESCULTURA

A característica principal da escultura

Realista é a retratação da realidade. Os

personagens são representados como eles realmente são sem se importar com a idade ou defeitos.

O

escultor Realista que mais se destacou

foi

Auguste Rodin (1840-1917).

São exemplos de sua obra Os Burgueses de

Callais, de 1895; O Pensador e João Batista

Pregando

IMPRESSIONISMO

Edouard Manet (1832 1883) O precursor do impressionismo. Manet é considerado um precursor do impressionismo devido aos efeitos de luminosidade que dava em suas obras. O

Artistas franceses pintam cartazes para registrar efeitos combinantes da luz e causam revolução na arte!

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Movimento das artes plásticas que se desenvolveu na pintura entre 1870 e 1880, na França, no fim do século, e influencia a música. É o marco da arte moderna porque

é o início do caminho rumo à abstração.

Embora mantenha temas do realismo, não se propõe a fazer denúncia social. Retrata paisagens urbanas e suburbanas, como o naturalismo. A diferença está na abordagem estética: os impressionistas parecem apreender o instante em que a ação está acontecendo, criando novas maneiras de captar a luz e as cores. Nessa tendência a mostrar situações naturais há influência da fotografia, nascida em 1827.

Claude Monet (1840-1926)

Monet é considerado o pai do impressionismo. Preocupava- se em demonstrar a diferença de tonalidade que

a reflexão da luz causava nos objetos, seres humanos e natureza. Percebe-se este estudo claramente na seqüência de quadros que fez da Catedral de Rouen em diferentes horas do dia.

Pierre-Auguste Renoir (1841-1919)

O

Impressionismo foi um movimento que

Renoir ganhou fama ainda em vida. Os temas de sua obra eram relacionados às

e

festas). Foi retratista, principalmente, de

influenciou de forma marcante a arte do século XX.

cenas parisienses (personagens, situações

mulheres e crianças. São exemplos de sua

O

conceito básico do movimento era

obra: Rosa e Azul e Baile no Moulen de la

representar o efeito diverso que a luz causa nos objetos, natureza e arquitetura

Galette, de 1876.

de

acordo com a sua reflexão. O precursor

Edgar Degas (1834-1917)

do

Impressionismo foi o francês Claude

Monet.

Destacaram-se ainda os pintores: Renoir, Degas, Pissaro, Sisleye Morisot.

As

impressionista são:

principais

características

da

pintura

Figuras sem contornos definidos; Sombras luminosas e coloridas (não escuras); Contrastes de luz e sombra
Figuras sem contornos definidos;

Figuras sem contornos definidos;

Sombras luminosas e coloridas (não escuras);

Sombras luminosas e coloridas (não escuras);

Contrastes de luz e sombra obtidos através das cores complementares;

Contrastes de luz e sombra obtidos através das cores complementares;

Sombras luminosas e coloridas (não escuras); Contrastes de luz e sombra obtidos através das cores complementares;
Sombras luminosas e coloridas (não escuras); Contrastes de luz e sombra obtidos através das cores complementares;

"Aquilo a que atendo nas minhas pinturas é a luz, o orvalho, a brisa, a florescência, a frescura". Constable.

Degas se diferencia dos outros impressionistas pela sua preferência em pintar lugares fechados com luz artificial (e não ao ar livre como era de hábito). Dava atenção às expressões, gestos e emoções das figuras humanas, sobretudo as femininas. São exemplos de sua obra: A Bailarina no Estúdio Fotográfico, de 1875 e

A Aula de Dança.

PÓS-IMPRESSIONISMO OU PRÉ-MODERNISMO

A partir de 1886, surge um movimento artístico na pintura, chamado Pós- Impressionismo. Foi organizado por artistas que consideravam o Impressionismo muito superficial porque não dava muita importância aos sentimentos, política e sociedade.

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Alguns historiadores determinam para esses pintores o movimento "Pós Impressionista".

PORQUE OS GÊNIOS DA ARTE NÃO SÃO RECONHECIDOS EM SEU TEMPO?

Principais artistas:

Paul Cézanne (1839-1906)

Cézanne esteve ligado ao Impressionismo no início de sua carreira. Aos poucos, desenvolveu uma técnica própria que o afastou do movimento. Ele retratou a natureza através de formas geométricas. O tronco de uma árvore, por exemplo, para ele era um cilindro. Trabalhou muito com o tema da natureza morta. São exemplos de sua obra: Madame Cézanne de Noite, de 1891; Pêssegos e Pêras, de 1890-94.

Georges Seurat (1859-1891)

simplicidade de formas e cores vibrantes. Decepcionado com a sociedade européia

se mudou para o Taiti, onde produziu suas obras mais famosas.

Vicent Van Gogh (1853-1890)

O holandês Van Gogh teve uma vida

solitária, em meio aos conflitos de alegria e

tristeza, amor e ódio. Pintou de maneira apaixonante, usando a cor como elemento principal de sua pintura, disse: "Pintarei com vermelho e com o verde as terríveis paixões humanas".

MOVIMENTOS DE VANGUARDA EUROPÉIA

EXPRESSIONISMO

Seurat deu origem a uma nova técnica, chamada Pontilhismo, que consistia em dar pinceladas em forma de pontos. Éexemplo de sua obra Tarde de Domingo na Ilha de Grande-Jatte, de 1884-86.

Henri Toulouse-Lautrc (1864-1901)

O Expressionismo surgiu na Alemanha

entre 1904 e 1905. Buscava colocar nas pinturas a expressão das emoções e angústias humanas. O pintor que mais se destacou foi o alemão Edvard Munch

(1863-1944). Obra em destaque "O grito"

Lautrec tinha características muito particulares: analisava e potencializava os instrumentos de linha e gráfico e simplificava as expressões. Seus principais temas foram cenas em cabarés e bares franceses.

Paul Gauguin (1848-1903)

Primeiramente, Gauguin participou de exposições Impressionistas, mas logo o seu estilo o afastou do movimento. Pintou obras significativas com grande

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FAUVISMO

Pintores franceses pervertem as cores para expressar reação subjetiva e não aparência do objeto.

O nome Fauvismo vem da palavra francesa "fauves" em português, (feras), expressão que o crítico Louis Vauxcelles usou para denominar as obras artísticas do Salão de Outono de Paris, em 1905.

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O movimento tem como características principais: emprego de cores puras e simplificação da forma das figuras. Os artistas que se destacaram foram: André Derain (880-1954), Maurice de Vlaminck (1876-1958), Henri Matisse (1869-1954).

CUBISMO

Picasso e Braque eliminam a perspectiva renascentista, quebram a forma para mostrar os aspectos simultâneos do objeto.

Historicamente o Cubismo originou-se das obras de Cézanne, para ele a pintura deveria tratar as formas da natureza como se fossem cones, esferas e cilindros. Os objetos são representados com todas as suas partes num mesmo plano, como se eles estivessem abertos e apresentasse todos os seus lados no plano frontal em relação ao espectador sem o compromisso da fidelidade com a aparência real das coisas, o abandono da ilusão da perspectiva, tão perseguidos pelos pintores renascentistas.

1911. Esses artistas trabalharam com poucas cores, o mais importante era definir um tema e apresentá-Ia de todos os lados simultaneamente, chegando a uma fragmentação tão grande dos seres, que tornou Impossível o reconhecimento de qualquer figura nas pinturas cubistas.

o reconhecimento de qualquer figura nas pinturas cubistas. Cubismo sintético - essa tendência procurou tornar as

Cubismo sintético - essa tendência procurou tornar as figuras novamente reconhecíveis, reagindo à excessiva fragmentação dos objetos e à destruição de sua estrutura, mas, apesar de uma certa recuperação da imagem real dos objetos, não significou o retorno a um tratamento realista do tema, a característica de representar os objetos numa visão total foi mantida, como no quadro Casas do Estaque, de Braque.

O Cubismo sintético

Principais representantes:

Pablo Picasso (1881-1973) trabalhou três fases: rosa, azul e negra. Obras: "Guernica", "Lês Demoíselles d' Avignon"

Georges Braque (1882-1963) Obra: Mulher na Guitarra".

Fernand Léger (1881-1955) Apresenta um desenho sintético e geometrizado. Obra: "Elementos Mecânicos".

O

tendências:

Cubismo

evoluiu

em

duas

grandes

O tendências: Cubismo evoluiu em duas grandes Cubismo analítico - desenvolvida por Picasso e Braque,

Cubismo analítico - desenvolvida por Picasso e Braque, entre 1908 e

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Essa inovação pode ser explicada pela intenção do artista de criar novos efeitos plásticos e de ultrapassar os limites das sensações visuais que a pintura sugere, despertando também no observador as sensações táteis.

FUTURISMO

A dinâmica do mundo nas primeiras décadas do século XX afetou a noção de distancia e de tempo e é no selo da nova tecnologia que brota o movimento chamado Futurismo, que atingiu as artes, a literatura, a arquitetura e ainda a tipografia, iniciado em 1909 pelo escritor italiano Filippo Tomaso Marinetli.

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Procurava a expressão artística da

representadas,

conforme

o

modernidade, ao apresentar a dinâmica da

modernismo.

forma e do pensamento do novo século. Defendia o rompimento com o passado

Artistas em destaque:

artístico e evocava o glorioso mundo moderno da velocidade, da violência e da guerra.

Umberto Boccioni. Obra: Formas únicas de Continuidade; Giacomo Balla. Obra: Velocidade Abstrata O Carro Passou.

Umberto Boccioni e outros, pensavam que a Itália estava aprisionada pela reminiscência de suas glórias passadas e

que devia dar um passo rumo ao futuro. Os

futuristas se esforçavam ao máximo em negar o passado. Entusiastas do manifesto redigido por Marinetti, louvando a juventude, as máquinas, o movimento, a energia e a velocidade, atacavam as técnicas clássicas na pintura e, de outra parte, aquilo que chamavam de modernismo superficial.

Para os futuristas a palavra chave era o dinamismo, considerado uma força universal e que deveria estar presente em todas as artes, reunindo ao mesmo tempo os elementos som, luz e movimento.

A expressão plástica que mais os

caracteriza é a simultaneidade, ou seja, a multiplicidade de imagens reunidas em uma só obra. Naquele momento, a transgressão das regras alterava a visão da

natureza. De fato, os futuristas expressam a violência e representam a dinâmica do teatro da nova vida e, para tanto, distorcem a imagem do espectador, reproduzindo no quadro, imagens seqüenciadas como numa fita de cinema.

Características gerais:

Uso de elementos geométricos; Esquemas sucessivos de representação do objeto pictórico, como exposição fotográfica
Uso de elementos geométricos; Esquemas sucessivos de representação do objeto pictórico, como exposição fotográfica
Uso de elementos geométricos;

Uso de elementos geométricos;

Esquemas sucessivos de representação do objeto pictórico, como exposição fotográfica múltipla;

Esquemas sucessivos de representação do objeto pictórico, como exposição fotográfica múltipla;

Movimentos animados pela

Movimentos

animados

pela

fragmentação

das

figuras

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ARTE ABSTRATA

Entende-se por arte abstrata toda manifestação das artes plástica, seja na pintura ou na escultura, na qual se desistiu da representação natural ou ilustrativa da realidade, para dar vazão a composições independentes dela.

O Abstracionismo é caracterizado por:

Não representa objetos reais; Narra figurativamente uma cena histórica, literária, religiosa ou mitológica.
Não representa objetos reais;

Não representa objetos reais;

Narra figurativamente uma cena histórica, literária, religiosa ou mitológica.

Narra figurativamente uma cena histórica, literária, religiosa ou mitológica.

É dividido em duas tendências:

Abstracionismoreligiosa ou mitológica. É dividido em duas tendências: Informal (representado por Wassily Kandinsky (1866-1944) e;

Informal

(representado por Wassily

Kandinsky (1866-1944) e;

AbstracionismoGeométrico

Geométrico

(representado

por

Kasimir

Malevitch

1878-1935

e

Piet

Mondrian (1872-1944).

Wassily Kandinsky (1866-1944) Pintor russo, antes do abstracionismo participou de vários movimentos artísticos como impressionismo, atravessou uma curta fase fauve e expressionismo. Escreveu livros, como em 1911, sobre o espiritual na arte, em que procurou apontar correspondências simbólicas entre os impulsos interiores e a linguagem das formas e cores, e em 1926, do ponto e da

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linha até a superfície, explicação mais técnica da construção e inventividade da sua arte. Dezenas de suas obras foram confiscadas pelos nazistas e várias delas expostas na mostra de "arte degenerada”.

Piet Mondrian (1872-1974) Pintor holandês, desenvolveu uma nova fase da arte abstrata: o neo-plasticísmo. Depois de haver participado da arte cubista, continua simplificando suas formas até conseguir um resultado, baseado nas proporções matemáticas ideais, entre as relações formais de um espaço estudado. O artista utiliza, como elemento de base, uma superfície plano, retangular e as três cores primárias: vermelho, azul e amarelo - com um pouco de preto e branco. Essas superfícies coloridas são distribuídas e justapostas buscando uma arte pura. Ele procura, pesquisa e consegue um equilíbrio da composição perfeito, despojado de lado excesso da cor, da linha ou da forma. Em 1940 Mondrian foi para Nova York, onde realizou a última fase de sua obra:

desapareceram as barras negras e o quadro ficou dividido em múltiplos retângulos de cores vivas. E a série dos quadros boogie-woogie. A arte do néo- plasticísmo de Mondrian vai ter uma influência considerável na arquitetura e no desenho gráfico do século XX.

DADAÍSMO

Revoltados com a participação de seus países na Primeira Guerra Mundial (1914- 1918), artistas e intelectuais se exilaram em Zurique, Suíça. O poeta romeno Tristan Tzara abriu um dicionário e escolheu ao acaso a palavra "dada" (na linguagem infantil francesa significa cavalo), dando nome ao movimento. Os artistas pretendiam demonstrar através deste nome sem sentido que a arte também estava vazia de significado diante dos acontecimentos mundiais. As idéias

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dadaístas foram divulgadas por artistas como: Marcel Duchamp (1887-1968); Francis Picabia (1879-1953); Man Ray (1890-1977); Max Ernst (1891-1976); Jean

Arp (1887-1966); Raoul Hausmann (1886-

1971).

Principais características:

Fotomontagens oníricas;Raoul Hausmann (1886- 1971). Principais características: Incorporação diversos; de materiais Elementos mecânicos;

1971). Principais características: Fotomontagens oníricas; Incorporação diversos; de materiais Elementos mecânicos;

Incorporação

diversos;

de

materiais

Elementos mecânicos;oníricas; Incorporação diversos; de materiais Inscrições humorísticas Expressões ridículas e

Inscrições humorísticasIncorporação diversos; de materiais Elementos mecânicos; Expressões ridículas e burlescas; EXPRESSIONISMO ABSTRATO

Expressões ridículas e burlescas;materiais Elementos mecânicos; Inscrições humorísticas EXPRESSIONISMO ABSTRATO O Expressionismo Abstrato foi um

EXPRESSIONISMO

ABSTRATO

O Expressionismo Abstrato foi um

movimento que floresceu em Nova York a partir de 1940 e acabou exercendo forte

influência sobre a Europa nas décadas de

50 e 60 desse século.

Foi o primeiro movimento que seguiu o caminho inverso do tradicional: em vez de seguir da Europa para a América, foi da América para a Europa. O termo é utilizado pela primeira vez nas artes plásticas em 1919 para descrever as obras de Wassily Kandlnski (1866-1944), russo radicado na Alemanha, responsável por levar o expressionismo para a abstração, com suas formas não- figurativas. Depois, o expressionismo abstrato é associado a toda pintura abstrata baseada em formas não- geométricas produzida nos EUA nos anos

40 e 50, sob influência do surrealismo, do

fim da II Guerra Mundial e da Guerra Fria. Os principais nomes são o holandês Willem

De Kooning (1904¬1997) e o norte-

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americano Jackson Pollock (1912-1956),

que valorizam

a

expressão da

individualidade

e

da

subjetividade

do

pintor.

As principais características do Expressionismo Abstrato eram a revolta contra a pintura tradicional, a liberdade e a espontaneidade. Quanto à espontaneidade, em especial, as (Action Paintings de Pollock) - outro nome pelo qual é conhecido o Expressionismo Abstrato, ou seja, um método de pintura que privilegiava a rapidez da execução, a espontaneidade "eruptiva" e condenava a premeditação - são bastante bem sucedidas. Esse método foi introduzido nos Estados Unidos principalmente pela presença de franceses surrealistas refugiados de guerra, em especial, André Masson que, apesar de surrealista, possuia divergências com o estilo de Breton.

Principal artista:

Jackson Pollock foi um dos artistas americanos mais influenciados por Masson, como atestam obras como "Esforço para Dormir". O artista, entretanto, consegue imprimir sua própria leitura e estilo à herança surrealista francesa, como atesta "A Loba" (The She- Wolf). Ele também descarta as imagens fantásticas do grupo europeu, priorizando as abstrações. "Retrato e um Sonho", de 1953, é outra obra representativa do artista. Morto em acidente em 1956, Pollock é considerado um dos principais nomes da pintura norte-americana. Um dos aspectos mais curiosos ligados à sua personalidade era a maneira como realizava suas obras: estendia a tela no chão, utilizando-se de varas, facas, colheres de pedreiros, gotejamento de líquido e até areia, com a finalidade de tornar-se parte integrante de sua obra e fazer com que "a vida" da pintura "viesse à tona" (dai o conceito de Actíon Painting).

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O termo expressionismo abstrato, entretanto, acabou ainda sendo aplicado à obra de artistas como Willem de Kooning (nascido na Holanda) e Mark Rothko (nascido na Rússia). Nem o primeiro possui uma obra considerada totalmente abstrata, nem o segundo uma obra considerada expressionista (é menos agitada que a de seus colegas americanos, sendo chamada de cofor fiefd painting e não de action painting). O Tachismo, ou a marca deixada pelo pincel, baseada na caligrafia oriental (em especial a chinesa), também teve grande influência sobre o Expressionismo Abstrato.

SURREALISMO

O Surrealismo surgiu na França, em 1924,

com o poeta e escritor André Breton (1896- 1966). Tinha como princípio básico a criação artística através de manifestações do subconsciente e dos absurdos ilógicos. Como, por exemplo, imagens de sonhos e alucinações. O pintor surrealista mais famoso foi o espanhol Salvador Dali (1904-

1989)

Principal artista:

Salvador Dali (1904 - 1989)

É sem dúvida o mais conhecido artista,

com suas obras A Persistência da Memória. Ele criou o conceito de "paranóia crítica" para referir-se à atitude de quem recusa a

lógica que rege a vida comum das pessoas. Segundo o próprio pintor, é preciso "contribuir para o total descrédito da realidade". Obra: "Mae West" entre outras.

No final dos anos 50, depois da série de ISMOS surgida na primeira metade do século, a idéia de uma arte que copie a realidade está completamente falida. Para uns, o jogo de formas e cores é suficiente por si só; para outros, uma obra de arte

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deve expressar idéias; outros ainda

consideram essa expressividade fruto do diálogo da arte com a realidade.

A partir dos anos 60 a arte não deve mais

se distinguir da realidade e sim ser parte

dela, abolindo portanto todos os suportes -

a parte física das obras. São artistas que

dispensam a tela, o papel, a escultura e buscam novas formas de expressão.

POP ART

O termo Pop Art deriva da expressão

"popular art" - arte popular que se subentende como arte de consumo em série. A Pop Art cresceu nos anos 60. Os artistas tinham a preocupação de se aproximar do cotidiano das pessoas e trazer para a obra de arte a futilidade do consumismo e da manipulação da mídia.

Principais artistas:

Robert Rauschenberg (1925 - ) Depois das séries de superfícies brancas ou pretas reforçadas com jornal amassado do início da década de 1950, Rauschenberg criou as pinturas "combinadas", com garrafas de Coca-Cola. embalagens de produtos industrializados e pássaros empalhados. Por volta de 1962, adotou a técnica de impressão em silk-screen para aplicar Imagens fotográficas a grandes extensões da tela e unificava a composição por meio de grossas pinceladas de tinta. Esses trabalhos tiveram como temas episódios da história americana moderna e

da cultura popular.

Roy Lichtensteln (1923-1997) Seu interesse pelas histórias em quadrinhos como tema artístico começou provavelmente com urna pintura do camundongo Mickey, que realizou em 1960 para os filhos. Em seus quadros a óleo e tinta acrílica, ampliou as características das histórias em quadrinhos

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e dos anúncios comerciais, e reproduziu a mão, com fidelidade, os procedimentos gráficos. Empregou, por exemplo, uma técnica pontilhista para simular os pontos

reticulados das historietas. Cores brilhantes, planas e limitadas, delineadas por um traço negro, contribuíam para o intenso impacto visual. Com essas obras, o artista pretendia oferecer uma reflexão sobre a linguagem e as formas artísticas. Seus quadros, desvinculados do contexto

de uma história, aparecem como imagens

frias, intelectuais. Símbolos ambíguos do mundo moderno. O resultado é a combinação de arte comercial e abstração.

Andy Warhol (1927-1987) Ele foi figura mais conhecida e mais controvertida do pop arte. Warhol mostrou sua concepção da produção mecânica da imagem em substituição ao trabalho manual numa série de retratos de ídolos da música popular e do cinema, como Elvis Presley e Marily'n Monroe. Warhol entendia as personalidades públicas como figuras impessoais e vazias, apesar da ascensão social e da celebridade. Da mesma forma, e usando sobretudo a técnica de serigrafia, destacou a impessoalidade do objeto produzido em massa para o consumo, como garrafas de Coca-Cola, as latas de sopa Campbell, automóveis, crucifixos e dinheiro.

OP ART

é

expressão inglesa "optical-art" - arte óptica. Seu precursor foi Victor Vasarely

O termo

a abreviação da

Op-Art

(1908-1997).

A Op-Art é feita com figuras geométricas (nas cores preto, branco ou coloridas) que dão a impressão de movimento.

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Sugerem ao espectador uma visão diferente dependendo do ângulo de visão.

Principais artistas:

Alexander Calder (1898-1976) Criou os móbiles associando os retângulos coloridos das telas de Mondrian à idéia do movimento. Os seus primeiros trabalhos eram movidos manualmente pelo observador. Mas, depois de 1932, ele verificou que se mantivesse as formas suspensas, elas se movimentariam pela simples ação das correntes de ar. Embora, os móbiles pareçam simples, sua montagem é muito complexa, pois exige um sistema de peso e contrapeso muito bem estudado para que o movimento tenha ritmo e sua duração se prolongue.

Victor Vassarely - criou a plástica cinética que se funda em pesquisas e experiências dos fenômenos de percepção ótica. As suas composições se constituem de diferentes figuras geométricas, em preto e branco ou coloridas. São engenhosamente combinadas, de modo que através de constantes excitações ou acomodações retinianas provocam sensações de velocidade e sugestões de dinamismo, que se modificam desde que o contemplador mude de posição. O geometrismo da composição, ao qual não são estranhos efeitos luminosos, mesmo quando em preto e branco, parece obedecer a duas finalidades. Sugerir facilidades de racionalização para a produção mecânica ou para a multiplicidade como diz o artista; por outro lado, solicitar ou exigir a participação ativa do contemplador para que a composição se realize completamente como "obra aberta".

ARQUITETURA

MODERNA

Estados Unidos e, depois, em metrópoles do mundo todo.

do

concreto armado, os arquitetos puderam projetar edifícios com formas arrojadas.

Mais

tarde,

com

o

desenvolvimento

Sua maior vantagem está na alta resistência, resultante da combinação de dois materiais: o concreto - mistura de cimento, água, areia e pedra - e o ferro. Um dos marcos do início da era dos arranha-céus pode ser situado entre os anos de 1929 e 1932, com a construção do edifício PSFS, de Willian Lescaze (1896 1969) e George Howe (1886 1955), Na Filadelfia. Destinado a escritórios, possuía 38 andares.

O arranha-céu mais famoso, entretanto, é

o Empire State Building, construído entre 1930 e 1931. Um verdadeiro palco do cinema.

Foram os arranha-céus projetados anos mais tarde por Mies van der Rohe (1886 1969), porém que deram a esse tipo de construção um aspecto totalmente novo, semelhante ao de muitos edifícios da atualidade.

Na primeira metade do século XX as obras arquitetônicas mais inovadoras foram, sem dúvida, os arranha-céus, a princípio nos

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