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AKA MAGAZINE AÑO 2 - ISSUE 3 MARZO 2010 http://aka.com.uy

AKA MAGAZINE AÑO 2 - ISSUE 3 MARZO 2010

Estamos de vuelta tras un breve descanso, y esta vez les traemos un tercer número cargado de amor y felicidad!

Estamos muy entusiasmados de estar de vuelta, y nos tomamos nuestro tiempo para darle a los lectores de AKA Magazine una experiencia visual innovadora y fresca, donde la creatividad de talentosos artistas nacionales e invitados interna- cionales sale a flote en todo su esplendor. Esta vez venimos reloaded, y les traemos mejores notas y más entrevistas; nuevas páginas donde ilustración, diseño, fotografía, música, cine y artes plásticas, se unen para manifestar lo nuevo de las mentes creativas del Uruguay y el mundo.

En este número les presentamos la fotografía expresiva de María Berti, el diseño de autor de Menini-Nicola, el trazo humanista de Alfalfa, el in- genio audiovisual de Gonzalo Torrens, la propuesta contemporánea de Marte UpMarket, y el collage sensitivo de Pere Vilardebó -entre otros-.

Enjoy!

AKA_team

Dirección & diseño _ santiago alonso Edición & redacción_ santiago decarlini Edición & redacción_ lucía milans Diseño web _ kako.com.uy

Colaboraron_

joaquin tomé

santiago benvenuto

alejandro cruz

juan b

http://flickr.com/alfalfaylapiramidequemira alfalfa “Desde la infancia me apasiona la multiplicidad de las cosas: de las

alfalfa

“Desde la infancia me apasiona la multiplicidad de las cosas:

de las razas, las formas, los seres, los idiomas, las culturas, las religiones, las cosmogonías. Aun así, siempre concebí esa multiplicidad como un todo, como una unidad, como una unión en la diversidad.”

“A partir de esa fascinación por lo múltiple y lo mitológico; por lo religioso y lo idiomático, y en un afán por la unifi- cación, guiado por un pensamiento mágico-mitológico, fui -poco a poco- forjando la identidad de mi estética. En ella convergen muchos mundos, formas de animales fusionados en una imaginería única y propia, formas arqui- tectónicas de todas las culturas, simbología e iconografía diversa, tipografía y caligrafía. Esto sucede en un contexto integrador y sincrético, en donde la variedad de las cosas

se combinan y tienden a deshacer las fronteras, a unificar la apariencia de todo lo existente, sin dejar de destacar lo individual. Es un concierto global de formas e ideas.

La incursión en el hinduismo y su visión del mundo, así como la experimentación de técnicas de yoga y la obser- vación de la iconografía hindú -con el poder de sus dioses de múltiples brazos y ojos poderosos, cabezas de animales y poderes ancestrales- dejaron su huella en mi trabajo.”

de múltiples brazos y ojos poderosos, cabezas de animales y poderes ancestrales- dejaron su huella en
¿Cómo describirías la experiencia de transformar una edificación “virgen” -a modo de ejemplo, el trabajo

¿Cómo describirías la experiencia de transformar una edificación “virgen” -a modo de ejemplo, el trabajo realizado para “el viajero hostel” de Manantiales- en un mundo paralelo, constituido de múltiples personajes y especies?

Es una experiencia laboriosa pero infinitamente gratifi- cante, en donde hay dedicación y entrega. Es maravilloso, me asombra incluso a mí mismo.

¿Es un proceso creativo que va adquiriendo forma y sentido a medida que se va realizando, o son elementos que trasladás directo de tu imaginario hacia la superficie? Participan ambos procesos, no hay un método específico;

a veces, la pared habla, y sé exactamente lo que voy a pintar, el color que voy a utilizar. Sin embargo, hay otras veces en donde empiezo con un elemento y continúo improvisando sobre la marcha, sumando algo aquí o allá, en donde haga falta una mancha de color, una forma o una sombra. Nunca se sabe.

¿Qué es lo que te provoca a poblar paredes y edifi- caciones urbanas con personajes tan cargados de simbolismo?

El dejar salir algo que es necesario que salga. Me genera una sensación de mucho placer, es como decir las palabras correctas, dar en el clavo, hablar con un extraterrestre, leer

un libro sin abrirlo; parir sin dolor. Es el placer de dar sin esperar recibir nada a cambio, y luego, recibir mucho.

¿Cuál es la razón que te motiva a trasladar ese universo nutrido de colores y figuras a la cotidianeidad de la ciudad?

Lo que me motiva es, justamente, la cotidianeidad de la ciudad; una puerta a lo otro, detrás de la piedra. Me gusta ese carácter de lienzo enorme y público, de experiencia colectiva, de acontecimiento urbano, citadino, de orden social sumergido en la experiencia diaria. El pasar a la facultad o al laburo, el hacer mandados, ir a casa de amigos:

en definitiva, no ir al lugar en donde usualmente está el arte,

sino colocar el arte en el patio trasero, en el día a día.

¿Considerás el camino para lograr una expresión propia algo difícil, o forma parte de un proceso natural que debe atravesar el artista para constituirse como tal?

No lo considero difícil; es laborioso. Significa piedra sobre piedra, mucho sudor, pero, si te apasiona, te dedicás, entregás; persistís. Sarna con gusto no pica, y si sos tenaz, pasás por un proceso en el cual desechás, incorporás, transfigurás, digerís, hasta que finalmente empieza a salir del garabato y entrar en la línea: se articula un código inconfundiblemente personal. No todo artista busca esto, y no todo artista lo consigue.

No todo artista busca esto, y no todo artista lo consigue. “Lo que me motiva es,

“Lo que me motiva es, justamente, la cotidianeidad de la ciudad; una puerta a lo otro, detrás de la piedra. Me gusta ese carácter de lienzo enorme y público, de experiencia colectiva, de acontecimiento urbano, citadino, de orden social sumergido en la experiencia diaria.”

de experiencia colectiva, de acontecimiento urbano, citadino, de orden social sumergido en la experiencia diaria.”
de experiencia colectiva, de acontecimiento urbano, citadino, de orden social sumergido en la experiencia diaria.”

Intervención de Alfalfa para “El viajero hostel”, en Manantiales. Tan solo dos meses de trabajo fue el tiempo que necesitó, para transformar la fachada de este hostal en un verdadero mundo subacuático. Tal como lo describe él mismo, “descubrí que, el tamaño, ya no es un problema”.

en un verdadero mundo subacuático. Tal como lo describe él mismo, “descubrí que, el tamaño, ya

Intervención de Alfalfa para “El viajero hostel”, en Manantiales.

http://flickr.com/alfalfaylapiramidequemira Intervención de Alfalfa para “El viajero hostel”, en Manantiales.
http://flickr.com/alfalfaylapiramidequemira Intervención de Alfalfa para “El viajero hostel”, en Manantiales.

por Agustín Menini y Carlo Nicola

¿Donde está el diseño?

La respuesta a esta pregunta no es tan obvia como parece. El diseño no es exclusivo de una prenda, una marca o un logo; también se puede encontrar en un ojal, un tornillo, un cierre, un auto o una bici. Muchas veces el diseño nos rodea sin que nos demos cuenta.

DISEÑO INDUSTRIAL EN UN PAÍS SIN INDUSTRIA

Si uno mira la oferta laboral de nuestro país podrá ver la aparición de un nuevo actor: el diseñador industrial. La tendencia está precedida por el creciente protagonismo que ésta figura está teniendo en países cercanos como Argentina, Brasil, Chile y Colombia; teniendo un rol casi protagónico en países con industrias en constante crecimiento y prestigio internacional como Brasil.

Queda claro que para llevar adelante estos proyectos se necesita un profesional que genere objetos pensando en la realidad productiva de cada productor; pero paralelamente el mercado de productos con diseño de autor se mueve cada vez más rápido. Ésta aceleración en los procesos de cambio, la creciente competencia mundial y el poder de elección del consumidor, obliga a estar alerta y adelantarse a dichos cambios: El que no arriesga no gana; el que no proyecta se queda estático.

los atributos que se comienzan a escuchar y pedir. Es el nacimiento del “diseño de autor”.

Actualmente en Uruguay existen cuatro centros habilitados para formar diseñadores industriales: BIOS, Centro de Diseño Industrial (CDI), ORT y UDE. La decana de estas instituciones (CDI) está festejando sus 22 años, pero a pesar del tiempo -y el posterior empuje mediático de las instituciones privadas- aún no queda claro cuál es el rol que cumple el diseñador industrial.

Las mismas limitaciones productivas que hace un tiempo ponían a nuestro país en un lugar donde la única salida era la venta de servicios y disciplinas que no involucrasen manufactura, son las que están empezando a jugar a favor. Pequeñas producciones, productos numerados, manejo sustentable de los materiales, producciones eco-amigables, la creciente necesidad del consumidor de diferenciarse y encontrar un producto Único; todo esto es la punta de la madeja para los diseñadores en Uruguay.

Lo glocal (think globally, act locally) ya no es una tendencia

y comienza a pesar en la forma de actuar de cada empresa.

Objetos personalizables, únicos, sustentables, y adaptables

a la forma de vida y modo de ser de los consumidores son

Cada día es más importante estar atento a los nuevos hábitos de consumo; el mundo, la gente, y la forma en que ven, viven y consumen cambia rápida y constantemente. Frente a esta realidad es necesario tener una persona capaz de trazar estrategias exitosas, entender y adaptarse a los cambios; alguien capaz de entender y proponer soluciones para cada realidad, formado para crear productos de consumo sin importar cuales sean. Esa es la clave a la hora de generar productos exitosos; y es allí donde entra la figura del diseñador industrial.

sean. Esa es la clave a la hora de generar productos exitosos; y es allí donde

MENINI-NICOLA©

menini-nicola © -dirigido hace más de cinco años por Agustín Menini y Carlo Nicola- es un estudio de diseño industrial enfocado en el desarrollo de muebles para el hogar con detalles personalizables, y en la creación de productos únicos, sustentables, y adaptables al estilo de vida de sus consumidores.

A comienzos de 2009 -y con los ojos puestos en las nuevas

costumbres sociales y en las necesidades del consumidor- el estudio toma la decisión de autogestionar el ingreso de sus productos y servicios al mercado; y se postula en la incubadora de empresas Ingenio establecida en el LATU para llevar adelante dicho proyecto, siendo seleccionado en Abril del mismo año.

El estudio no sólo ofrece la contratación de sus servicios de

diseño, sino que también cuenta con una cartera de más de quince productos diseñados; muebles con calidez artesanal

y calificación de Diseño de Autor, competitivos en calidad, servicio y precio.

Los productos son fabricados con materiales sustentables, siguiendo procesos certificados, y adaptándose a los nuevos hábitos de consumo; trabajando en conjunto con talleres de escala productiva pequeña como diferencial competitivo.

La propuesta consiste en desarrollar diseños alineados a la austeridad estética que marcan las tendencias mundiales, donde cada mueble forma parte de un todo; dejando de lado el paradigma de objetos icónicos, y apuntando a generar ambientes y situaciones agradables al usuario. Materiales nobles y sustentables acompañan el sentimiento por preservar el medio, alineándose a los nuevos hábitos de consumo donde las escalas productivas puedan variar sin impactar en el modelo de negocio del productor.

Para este estudio, el diseño no se encuentra únicamente en lo estético, sino que también se halla en la producción, en el aprovechamiento del material, y en el ciclo de vida completo del mueble. Cada objeto es el fruto de una filosofía basada en el compromiso con el taller, el uso responsable de la materia prima, el manejo de procesos sustentables; siempre tomando en cuenta las características de sus consumidores.

DISEÑO Y TENDENCIAS

Siguiendo un estilo y una filosofía propia, el estudio

está alineado a dos macro-tendencias: Green Balance, caracterizada por una importante carga ética y social que busca la sustentabilidad desde una perspectiva holística; y Supersonal, que se vincula a la necesidad de personalizar las cosas que nos rodean, y al trabajo dedicado exclusivamente

a sus consumidores.

REFERENTES

A pesar de la efervescencia nacional en función al desarrollo de productos, los referentes profesionales de menini-nicola

se encuentran al otro lado del Atlántico: el alemán Stefan Diez, ejemplo de desarrollos sustentables y diseños simples;

y el inglés Matthew Hilton, cuyas series son limitadas y sus productos están enmarcados en el área del low tech con una calidad excepcional. El estudio turco Autoban –destacado el año pasado en el London Design Festival y en el Salón del Mueble de Milán- mezcla aspectos tradicionales de su país con la modernidad europea; evidenciando el buen manejo de los materiales y el buen gusto estético; concluyendo siempre en propuestas innovadoras y atractivas.

Finalmente, vale la pena destacar a la empresa De La Espalda, la cual se especializa en la fabricación de muebles de autor; el mascarón de proa para el –cada vez más– afianzado negocio de las editoras de diseño.

MIRÁNDONOS EL OMBLIGO

A pesar de la buena manufactura y materia prima existente

en nuestro país, aún no se cuenta con referentes definidos en

el diseño de muebles; se pueden ver ensayos constructivistas

impulsados por el taller Torres García y trabajos interesantes

de arquitectos e interioristas, pero pocas veces están encarados desde la perspectiva del diseñador industrial.

Tal vez para encontrar referentes dentro de Uruguay haya que caminar por remates, casas de amigos o parientes, ver soluciones más mundanas vinculadas a costumbres tan nuestras como el asado y tomar mate; o evocar soluciones aún más simples como una portera, un alambrado o un alero. En definitiva buscar en el pasado aplicaciones para el futuro; tal vez esa silla vieja al costado de un árbol sea la semilla para tu nuevo sillón.

+ menini-nicola cuenta con la participación en conferencias y exposiciones, así como la obtención de premios en diversos concursos internacionales (Salao Design, Encuentro Latinoamericano de Diseño Palermo).

la creciente competencia mundial y el poder de elección del consumidor, obliga a estar alerta y adelantarse a dichos cambios:

El que no arriesga no gana; el que no proyecta se queda estático.

http://staregina.com.uy sta regina Aunque profesionalmente se desempeña como diseñador gráfico; Juan Pablo Caraballo es

sta regina

Aunque profesionalmente se desempeña como diseñador gráfico; Juan Pablo Caraballo es -ante todo- un minuano más. Sus primeros contactos con el área visual remiten a su más tierna infancia, a una vocación casi aprehendida - a una búsqueda visual constante. Éste es el hombre detrás del concepto; el símbolo único de la infancia transformado en carta de presentación. Ésta es la historia del artista detrás de la Santa.

Hijo e’ Tigre

Mi padre tenía una vocación muy definida en el área de las ilustraciones; dibujaba en un diario de Minas, La Unión. En 1985 se asoció a un diario nuevo en Minas, y fue allí donde comencé a tener contacto con la parte de imprenta. Me gustaba dibujar, y siempre escuchaba ese típico comen- tario, ‘hijo e’ tigre’, aunque en ese entonces no con- sideraba que tenía talento virtuoso al respecto. Por el contrario, una cosa que me apasionaba bastante era la música, y en ese barco me metí en la ado- lescencia: aprendí a tocar, me compre mi viola y armé mi banda. Comenzamos tocar en Minas y nos fue bien a nivel local; sin embargo, llegó esa hora donde tenés que definir qué hacer con tu vida.

Había averiguado en la UTU de Salto por la carrera Dibujo Publicitario y me había parecido interesante; casualmente al año siguiente me enteré que la Universidad ORT había abierto la carrera de Diseño Gráfico, y me metí sin pensarlo.

Cuando terminé la carrera me volví a Minas, donde trabajé en el diario de mis padres, armando ediciones diarias, suplementos, etc. Por ese entonces corría el año ’97 y me faltaba realizar el proyecto final; cuando retorné a Montevideo para terminarlo, entré a trabajar en una agencia llamada Compas. Allí aprendí muchísimo, y me encantó el trabajo de las agencias.

¿Cómo sentiste el pasaje de hacer una actividad “hobby”, como lo era dibujar, a profesionalizarte en el diseño?

Me sentí en mi cancha, comencé a sedimentar mi camino.

Un factor fundamental en mi motivación fue el ganar el primer premio en un concurso de diseño al que me presenté en el año ’98. Lo casual y anecdótico de esto fue que un amigo me había ayudado, y como el premio era un vuelo a Bahía; cuando ganamos nos dieron dos pasajes para Santiago de Chile. Lo que nunca hubiese imaginado es que, cinco años más tarde, terminaría radicándome ahí.

Trabajé un año en Compas, y me presenté al concurso Young Creatives, de Lowe, obteniendo el premio de Oro. A su vez, me presenté a los premios Morosoli, y también gané. Estos acontecimientos me dieron confianza y dirección.

En el 2000 entré a trabajar en JWT Corporación Thompson, en donde se armó un lindo equipo desde el punto de vista humano. Lamentablemente, nadie

desde el punto de vista humano. Lamentablemente, nadie imaginó la crisis que se nos venía, y

imaginó la crisis que se nos venía, y el grupo comen-

zó a desarmarse; los que nos fuimos nos desperdiga-

mos para donde pudimos. Entré a trabajar en Pratt, un estudio de diseño en donde hacíamos identidad corporativa y packaging. Era un trabajo que me gus- taba mucho, pero los procesos eran muy lentos, y yo muy inquieto. No obstante, le encontré el lado bueno:

estábamos arriba de Dominó, un estudio fotográfico donde aprendí muchísimo de fotografía, tratamiento de imágenes, etc.

En el año 2003, luego de un viaje que me había inspira- do a sacar unas cuantas fotos, decidí inscribirme en Fotoclub.

Los viajes, la ciudad de Minas, tu niñez, son temas recurrentes en tus trabajos

Los viajes – tanto el de New York con mi ex banda, como

el de Europa con el grupo de egresados de la ORT–

fueron buenas experiencias, que sirvieron no sólo para

que tomara una gran cantidad de fotos, sino para abrir los ojos y preguntarme “¿qué pasa conmigo fuera de Uruguay?”. Ahí comencé la búsqueda: no fue nada fácil, por cierto, pero yo tenía una sed increíble.

Camino hacia la cordillera

En Febrero del 2004 me llamó un amigo que estaba en Chile, y me propuso irme a trabajar allá por una quin- cena. Luego de recibir el OK por parte de la agencia, me fui a laburar por dos semanas, recibiendo a finales de la segunda una oferta del dueño para quedarme fijo en el trabajo. Acepté, y la historia empezó a cambiar. Trabajé doce meses y me llamaron de otra agencia, Promoplan; me cambié y comencé a definirme mucho más profesionalmente.

Paralelamente a mi llegada a Chile, tuve una tremenda revisión de mi vida, por lo que - cuando viajaba a Uru- guay - buscaba elementos gráficos que conectaran emociones; revistas, un simple mantel con alguna textura. Los escaneaba o les sacaba fotos, y me traía todo el material crudo; luego comenzaba a jugar,

a buscar estéticas para poder finalmente comuni-

carme, decir cosas que sentía debía decir, por más abstractas que fueran.

estéticas para poder finalmente comuni- carme, decir cosas que sentía debía decir, por más abstractas que
“Lo que más me gusta de Sta Regina es que tiene una historia muy personal
“Lo que más me gusta de Sta Regina es que tiene una historia muy personal
y auténtica: desde las tierras de Polanco, Lavalleja, donde estaba la finca de
mis abuelos, generé algo que tomó una forma clara y definida.”

¿En qué momento se comienza a gestar Sta Regina?

Un día, buscando temas para hacer un poster, re- cordé el nombre del campo de mis abuelos donde pasé gran parte de mi niñez. Ese recuerdo me trajo miles de emociones, y me puse a hacer un logotipo mezclando la imagen del alfajor de la sierras de Mi- nas. Delineé algo y lo deje. Más tarde conocí a kako - quien hizo el sitio actual de Sta Regina - y nos co- pamos mutuamente. Decidimos trabajar juntos, y ahí todo fluyó; en cuestión de un año consolidamos la idea que dio forma a Sta Regina y enmarcó fotos, posters y book de agencia.

Lo que más me gusta de Sta Regina es que tiene una historia muy personal y auténtica: desde las tierras de Polanco, Lavalleja, donde estaba la finca de mis abue- los, generé algo que tomó una forma clara y definida.

Te permitió combinar aquellos temas que influían en tu obra en un símbolo único, y transformarlo en una carta de presentación.

Exacto, y es algo genuino, que es lo que más valor tiene para mí. A veces las cosas tienen que es- tar lejos para poder verlas claramente, y eso me sucedió a mí cuando me fui del Uruguay: me vi clarito a mí mismo.

¿Cuál ha sido la mayor satisfacción que te ha dado trabajar en el área del diseño?

El poder sentirme afortunado de hacer lo que amo y poder vivir de eso. Creo que esa es la fortuna: me pa- gan por hacer lo que me gusta y divierte. Mi motor es aspirar siempre a más, desde la autoexigencia; es lo que me mantiene vivo.

La Oveja Negra

Ditec Automóviles entró a la agencia en febrero de 2007 y pidió una campaña de lanzamiento para un auto nuevo; esto significaba un quiebre dentro del portafolio de Volvo, acostumbrado a modelos clásicos. Llegó una maravilla de auto, joven, suelto; pensamos ideas, y se me ocurrió la “oveja negra” de la familia. Lo distinto. La idea era perfecta para la ocasión, definía muy bien al producto y lo hacía joven dentro de los conservadores. La gráfica tuvo una línea muy clara y auténtica, lo que nos permitió ganar – el primer año - un Effie de Oro en categoría lanzamiento. Luego del primer año se le dio vida al personaje, y la campaña se sedimentó fuerte. Lo que me dejó contento fue que la gente adoptara al personaje, cosa que - en definitiva - es adoptar el mensaje que intentás comunicar. “Ahí va la oveja negra” – dicen - y eso es, para mí, un éxito.

Un lugar

New York.

dicen - y eso es, para mí, un éxito. Un lugar New York. Un referente Jackson

Un referente

Jackson Pollock y Picasso.

Un ideal

Aunque pueda sonar cursi, me gustaría mucho que este mundo respirara paz y armonía. Me gustaría que nos comportásemos como la naturaleza, en forma armónica.

Una tipografía

Gills Sans. Es la que más me gusta por una cosa simple en el tiempo. Es elegancia inglesa; amor a largo plazo.

Gills Sans. Es la que más me gusta por una cosa simple en el tiempo. Es
Gills Sans. Es la que más me gusta por una cosa simple en el tiempo. Es

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RELEASES

EDICIÓN 2009
EDICIÓN
2009

POR JUAN B.

Además de desenvolverse activamente en el ámbito de la producción musical y la ingeniería de sonido, Juan Branaá es el fundador del sello Esquizodelia Records, que desde el 2005 graba y produce discos de forma independiente.

desde el 2005 graba y produce discos de forma independiente. DON’T PUSH THE RED BUTTON HABLAN

DON’T PUSH THE RED BUTTON

discos de forma independiente. DON’T PUSH THE RED BUTTON HABLAN POR LA ESPALDA: MACUMBA Macumba trae
discos de forma independiente. DON’T PUSH THE RED BUTTON HABLAN POR LA ESPALDA: MACUMBA Macumba trae
discos de forma independiente. DON’T PUSH THE RED BUTTON HABLAN POR LA ESPALDA: MACUMBA Macumba trae
discos de forma independiente. DON’T PUSH THE RED BUTTON HABLAN POR LA ESPALDA: MACUMBA Macumba trae
discos de forma independiente. DON’T PUSH THE RED BUTTON HABLAN POR LA ESPALDA: MACUMBA Macumba trae
discos de forma independiente. DON’T PUSH THE RED BUTTON HABLAN POR LA ESPALDA: MACUMBA Macumba trae

HABLAN POR LA ESPALDA: MACUMBA

Macumba trae un sonido nuevo para la banda, donde puede escucharse claramente la influencia de diferentes géneros -principalmente Rock, Blues, y Candombe- como también la de varias bandas uruguayas de generaciones anteriores -Tótem, Días de Blues y Opus Alfa entre otras-. A pesar de todo, este disco no carece de identidad, uno sigue escuchando a HPLE; y eso es lo que hace que esta banda sea lo que es: su identidad. En Uruguay Macumba es editado por el sello Sondor, y en Argentina por el sello Estamos Felices.

SEÑOR PHARAON: SIGUIENDO EL RAYO

Guitarra, voz, armónica, y alguna percusión, no se necesita mucho más para hacer un disco de blues. Al menos no para el Pharaon, que con su álbum nos trae blues con mucha personalidad y sentimiento. El género se caracteriza por ser cuadrado, pero este disco tiene de todo; con todos los aspectos del blues muy bien explorados. Algunos temas son más cuadrados mientras que otros son más dinámicos; algunos son funky, mientras que otros son más del pantano; “Siguiendo El Rayo” nos trae todo eso en inglés y en español. El disco fue originalmente editado en forma virtual y gratuita por el sello Un En Un Oh, y luego editado en forma física por el sello Little Butterfly Records.

SANTÉ LES AMIS: SANTÉ LES AMIS

Éste es el primer E.P. que saca Santé Les Amis –rock electrónico con mucho swing- en el 2009; disco homónimo con sólo 3 temas y 2 remixes. Tiene muy buena producción y temas muy pegajosos, aunque muchos nos quedamos con ganas de más canciones. Considerando lo nueva que es, la banda está teniendo un crecimiento muy grande; captando tanto la atención de uruguayos como la de gente alrededor del globo. Los temas del EP fueron editados de forma independiente por la banda, y pueden ser descargados de forma gratuita desde su sitio web.

VERDE: MUNDO

Cuando uno escucha este disco no sólo escucha a Verde; sino también a su productor, Max Capote. El disco es una muy buena combinación; las canciones están muy bien logradas, y todos los instrumentos suenan como si se estuviesen siendo tocados al lado tuyo. Se escucha la influencia de los Beatles en las canciones (hasta hay un par de samples) aunque un poco más meloso. A pesar de que Verde suena en su mayoría occidental, se pueden escuchar influencias orientales en su música. El disco fue editado independientemente y puede ser descargado gratis desde el sitio web.

NAIROBI: WU WEI (CON MAD PROFESSOR)

Nairobi es una banda Argentina de DUB que está teniendo un crecimiento acelerado. La banda visitó Uruguay en el 2009 e hipnotizó a nuestra gente con sus ritmos. Editaron su primer disco –Wu Wei- con el sello argentino Estamos Felices; y cuenta con la participación de Lee Scratch Perry y Mad Professor, leyendas del Dub a nivel mundial. El disco también cuenta con otros invitados, como Zonora Point, Princesa y Cizif Et Puzz Mamma, volviéndose así una colaboración internacional. Wu Wei es estrictamente Dub, pero se puede escuchar el uso de nuevas tecnologías, con una producción del mejor nivel.

http://flickr.com/cat_butt cat_butt Momentos clave capturados en fotos espontáneas y expresivas, una llamativa estética

cat_butt

Momentos clave capturados en fotos espontáneas y expresivas, una llamativa estética visual, y un constante proceso de búsqueda y experimentación gráfica. Ésta es la fotografía de Pablo Xavier.

visual, y un constante proceso de búsqueda y experimentación gráfica. Ésta es la fotografía de Pablo
visual, y un constante proceso de búsqueda y experimentación gráfica. Ésta es la fotografía de Pablo
visual, y un constante proceso de búsqueda y experimentación gráfica. Ésta es la fotografía de Pablo

What’s wrong withyour face!?

Review of the Online Review of

Star Wars: Episode 1 by Joaquín Tomé.

What could possibly go wrong?

Qué asco Avatar, ¿no? Digo, te pudo haber encantado la película, pero el circo incontrolable de publicidades y noticias; la patética y desesperada elevación de James Cameron a estatus de Dios por una agonizante industria hollywoodense, y la invasión absoluta de marketing en tu cara puede arruinar por completo hasta la más posta de las postas de las películas.

Es desagradable; no sólo porque Avatar es una película tirando a mediocre; tampoco por haber generado una - esperemos corta y escasa - moda de gente horrible pintada de azul; y ni siquiera por tener que ver la cara de soberbio chupapija de James Cameron apretarse incómodamente contra la cara de su novia de 187 años como un par de empanadas frías de rosticería roñosa frotándose una con la otra al ganarse todos los premios. No, no es sólo eso (aunque todas son válidas razones).

Es más desagradable porque es una repetición tediosa:

todo esto - no sólo - ya sucedió antes, sino que sucede

cada verano en USA. Es el clásico plan de marketing y dis- tribución en el que se basa la industria independientemente de la calidad de las películas.

Cuesta creer que todo empezó con un tiburón. Así es, en 1975 Steven Spielberg y Sidney Sheinberg inventaron esta misma industria al estrenar la película “Jaws” simultáneamente en todo el país con una cargada campaña de marketing universal. Antes, las películas se estrenaban en un par de cines y se iban “moviendo”; en el verano del 75 todo el mundo podía ir a ver “Jaws” el mismo día, y ese proceso sigue siendo el pilar de la industria hasta el día de hoy. La diferencia es que los creativos de esa época - hoy en día - tienen 450 años, y el mercado (y el mundo) cambia todo el tiempo. Esto resultó en la espantosa calidad de los “blockbusters” de la última década. Las películas hacen miles y millones de dólares en un fin de semana con entradas, muñecos articulables y cajitas felices, pero son todas horribles; y 3 años después de su estreno ya todo el mundo se olvidó. “Jaws”, sin embargo, es una buena película, y supongo que no hubiesen hecho lo que hicieron con la distribución si no lo fuera.

“Pero entonces ¿cómo? ¿De dónde surgió la idea de que se puede hacer “la tiburón” con cualquier pedazo de mierda que llames película? ¿Quién fue el visionario innovador que lo inventó?”

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“Todo parece estar mal editado por gusto, tiene imágenes de backstage e información muy interesante, y el hecho de que una persona así de estúpida e ignorante explique lo mala que es esta película es la mayor crítica que se hace.”

En 1999, el Episodio 1 de la saga Star Wars se convirtió en mayor y absoluto fracaso cinematográfico y abrumante éxito financiero simultáneo EVER. La película es un feto abortado con SIDA tirado en un campito en Chernobyl, y no vale justi- ficarla con nada que no esté en la película; ni nostalgia, ni la edad, ni nada. Los reto a que pongan la película AHORA y la soporten entera. Imposible ¿no? Pues ahora hay una alterna- tiva.

A finales del año pasado apareció un video en Youtube que logra finalmente hacernos disfrutar de esa película indisfru- table, poquito más de 10 años después de ser estrenada. En realidad la idea suena muy poco atractiva: un video review amateur en youtube de 70 minutos de duración. Suena hasta como una tortura, pero es un video tan creativo y entretenido, que es como una película en sí misma; mucho mejor que la película en que se basa y todos sus subsecuent- es equivalentes.

Ver sólo una parte es casi imposible, ya que se desenvuelve tan bien que cuando te das cuenta vas por la septima parte. Todo gira en torno a un narrador muy peculiar; en vez de ser un gordo puto hablándole sin parar a una webcam sobre Jar-Jar Binks, el narrador nunca aparece en cámara. Esto no quiere decir que sea un narrador neutral, porque a medida que avanza se va revelando mas su personalidad:

a medida que avanza se va revelando mas su personalidad: cuando se olvida de tomar sus

cuando se olvida de tomar sus medicamentos se desenfoca por completo, tiene fantasías homicidas, y en un momento genial se distrae y va hasta el sótano a fundamentar una boludez que dijo.

Este momento es muchísimo más creativo que cualquier milisegundo de Episodio 1. Todo parece estar mal editado por gusto, tiene imágenes de backstage e información muy interesante, y el hecho de que una persona así de estúpida e ignorante explique lo mala que es esta película es la mayor crítica que se hace.

Y sí, todos los puntos que menciona son ciertos e inteligen- tes, pero es ver cómo este desajustado mental hace para seguir la película lo que hace que todo sea tan interesante.

Hecho de cualquier otra forma, sería sólo una insoportable- mente larga reseña de una película de hace 10 años que todos sabemos es horrible; al hacer esto pone en práctica todo lo que dice que falla en la película y lo que supuesta- mente la haría una película interesante.

Es todo muy astuto y realmente hace que – finalmente - todos esos dólares que gastamos en entradas y cajitas felices tengan sentido; y que la película sea finalmente divertida.

LINKS
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http://www.flickr.com/riotgrl maría berti se expresa a través de sus extremidades creativas de forma visceral. Con un

maría berti

se expresa a través de sus extremidades creativas de forma visceral. Con un estilo fotográfico gestual y espontáneo, busca siempre transmitir más que una situación: una emoción, un sentimiento; la expresión máxima de un entorno que se sucede constantemente.

Guiada por la intensidad del gesto; por lo visceral de lo humano y la naturaleza de lo animal, nos muestra un

abanico de diversidad visual, y un claro y marcado talento

a la hora de fotografiar.

Tras 25 años de un profundo sueño, la pasión por la fotografía despertó en la cabeza de una recién llegada. Quizás Barcelona tenga ese efecto en todos, pero fue el impacto visual y el contraste transatlántico lo que movió el click en María Berti, haciendo que la fotografía se convirtiera en un medio, un canal por donde contar

y liberar todo lo que le estaba pasando. A cinco años

del despertar fotográfico, María Berti nos cuenta de sus experiencias visuales, y el viaje que ha trazado desde entonces.

Una experiencia, una metáfora de su estado, de su extrema curiosidad y la imperante necesidad de agotar el tiempo y jugar con él; esta es la sangre del universo que escupe a través de La Mujer que Nunca Duerme.

“Por qué film?” La respuesta fue rotunda; una especie de suspiro electrónico vía email: “por su magia”. Al menos eso fue lo que enamoró a María Berti de la fotografía.

de suspiro electrónico vía email: “por su magia”. Al menos eso fue lo que enamoró a

Digital vs. Analógico. ¿Cómo te sentís respecto al avance de la tecnología digital y al creciente desuso de la fotografía de film?

Creo que la fotografía digital ha generado un efecto flash, siendo más accesible para todos en forma y costos. Esto explica su auge, y por consiguiente, el creciente desuso de lo analógico. De todas formas, los amantes del film, carrete o rollo, sabemos que, aunque el precio es muy alto -porque a veces se sufre no poder revelar por falta de dinero- la experiencia es diferente. No existe comparación cuando se habla de una preferencia puramente sensible. Me quedo con la película, el revelado, la magia del accidente, la sorpresa, lo espontáneo; aspectos que nunca conseguiría con lo digital.

¿Cuál es la relación que mantenés con tu cámara?

Es mi compañera. Mi cámara es muy guerrera porque soy bastante bestia e impulsiva. Me gusta que no se transforme en un peso, sino que sea parte de mí; como una extremidad más. Cuando se ha roto o la he perdido,

he sentido que realmente me faltaba algo -y eso que soy bastante desprendida con lo material-. Tanto el rotulador como la cámara son extremidades fantasmas: cuando las tengo, las incorporo como parte de mí; y una vez que no están, siento su falta.

¿Y la relación que mantenés entre la fotografía y el dibujo? ¿Tenés preferencia por alguna de las dos en particular?

Tanto la fotografía como el dibujo son dos de mis extremi- dades, como les llamo metafóricamente; mi lenguaje en imágenes. Son dos experiencias diferentes que a veces pueden mezclarse; disfruto mucho de ambas, aunque con la ilustración tengo una relación más visceral.

¿Cuál es el concepto detrás de “La Mujer Que Nunca Duerme”?

La Mujer Que Nunca Duerme es una metáfora de mi estado, mi extrema curiosidad; de mi necesidad de agotar el tiempo “real” y jugar con él. El insomnio se comporta en mí como una droga, el efecto es rico; mi nervio creativo

en mí como una droga, el efecto es rico; mi nervio creativo despierta cuando me tendría

despierta cuando me tendría que ir a dormir. Hice la prueba,

y cuando el sol empezaba a salir, prefería seguirlo con

los ojos abiertos antes que cerrarlos. El estado del sueño

despierto me inspira.

¿Por qué te fuiste a Barcelona? ¿Por qué esa ciudad?

El mundo es demasiado grande y yo soy muy curiosa como para quedarme en un solo lugar; Europa me llamaba. Barcelona era una de las ciudades más cosmopolitas donde podía comunicarme en mi idioma; un lugar lleno de gente

joven –cosa que en Montevideo falta- y con un movimiento artístico muy fuerte. Era la diversidad cultural, racial, visual

y estética más extrema; se respiraba en el aire, un zoológico

de intensidad. Y eso era todo lo que quería hace cinco años:

un chute de adrenalina.

¿Un referente fotográfico?

Lazló Moholy Nagy; sus fotografías experimentales me fascinaron. También tengo como artistas y referentes más cercanos a Martin Canova, Julia Saldain, Antonella Moltini, Emilie Hallard y Pablo Xavier.

como artistas y referentes más cercanos a Martin Canova, Julia Saldain, Antonella Moltini, Emilie Hallard y
“La Mujer Que Nunca Duerme es una metáfora de mi estado, mi extrema curiosidad; de
“La Mujer Que Nunca Duerme es una metáfora de mi estado, mi extrema curiosidad; de

“La Mujer Que Nunca Duerme es una metáfora de mi estado, mi extrema curiosidad; de mi necesidad de agotar el tiempo “real” y jugar con él.“

MVD Eugenia Gónzalez Agustina Rodríguez Mayra Jaimes Agustin Sabella Toll Gallery es una red de
MVD Eugenia Gónzalez Agustina Rodríguez Mayra Jaimes Agustin Sabella Toll Gallery es una red de

MVD

Eugenia Gónzalez Agustina Rodríguez Mayra Jaimes Agustin Sabella

Toll Gallery es una red de galerías de arte contemporáneo que utiliza contenedores del espacio público como soporte, creando un espacio expositivo no convencional. A través de esta red se busca generar intercambios de obras entre diferentes países y ciudades; lo que es facilitado por el pequeño tamaño de las galerías, que permiten enviar obras por correo, o trabajar fácilmente utilizando instructivos. El hecho de encontrarse situada en el espacio público genera una relación inusual con los espectadores, incentivando el cuestionamiento sobre las obras de arte allí expuestas y los dispositivos para su exhibición.

La primera sede de Toll MVD fue creada en Uruguay en agosto de 2008, ubicada en dos macetas de la calle San José 954 esquina Wilson Ferreira Aldunate; y funcionó hasta diciembre de 2009. Durante dicho año surgió la segunda sede, Toll FFM en Frankfurt Alemania, ubicada en una maceta de Fahrgasse von Nr.12.

En Diciembre de 2009 el proyecto fue premiado por el Fondo Concursable para la Cultura del MEC, y se encuentra actualmente impulsando el desarrollo de Toll en cuatro departamentos del interior del país: Salto, Florida, Treinta y Tres y Durazno.

del país: Salto, Florida, Treinta y Tres y Durazno. “Pese a que si le interesase Toll
del país: Salto, Florida, Treinta y Tres y Durazno. “Pese a que si le interesase Toll
del país: Salto, Florida, Treinta y Tres y Durazno. “Pese a que si le interesase Toll
del país: Salto, Florida, Treinta y Tres y Durazno. “Pese a que si le interesase Toll
del país: Salto, Florida, Treinta y Tres y Durazno. “Pese a que si le interesase Toll
del país: Salto, Florida, Treinta y Tres y Durazno. “Pese a que si le interesase Toll

“Pese a que si le interesase Toll podría perfectamente competir por el título de la “Galería de Arte Más Pequeña del Mundo”, sus dimensiones son enormes. Ha logrado - en muy poco tiempo - ser una certera síntesis de la producción de arte actual de nuestro país, zafando elegantemente de ghettos, preconceptos y lugares comunes facilistas; todo con un presupuesto irrisorio, un optimismo envidiable, la utilización del boca a boca como medio de comunicación y la confianza en el transeúnte montevideano como único sistema de seguridad.

La restricción y aparente claustrofobia que sugiere esa área tan minúscula no es un freno limitante a la hora de realizar una curaduría entre sus doce paredes. La propuesta y la realización de la muestra que me ofrecieron curar fluyeron festivamente; todos se mostraron entusiastas y los problemas que aparecían fueron resueltos con una eficiencia insólita para un espacio cultural de nuestro medio. Puede ser que el tamaño ayude, aunque digan que nunca importa.”

Dani Umpi

ayude, aunque digan que nunca importa.” Dani Umpi “Toll está planteado como una acción urbana que
ayude, aunque digan que nunca importa.” Dani Umpi “Toll está planteado como una acción urbana que

“Toll está planteado como una acción urbana que cuestiona la curaduría y la producción artística. Transita en un borde entre dispositivos alternativos de exhibición que en sí mismo encierran metáforas diferentes; una forma de activismo cultural que cuestiona los sistemas productivos y canales existentes.

La realidad urbana contemporánea - desde su planteo en continuo movimiento - no le da lugar a lo permanente, y el arte en la calle busca la interacción con el espectador; todo arte es público, pero Toll dinamiza la discusión y la democratiza, dando cabida a la convivencia y la diversidad de propuestas.”

Fernando López

y la diversidad de propuestas.” Fernando López http://www.tollgallery.blogspot.com -

-

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http://www.flickr.com/-daniboy dani scharf Dani Scharf es licenciado en Diseño Gráfico, artista visual y creativo

dani scharf

Dani Scharf es licenciado en Diseño Gráfico, artista visual y creativo publicitario. Sus trabajos son prueba de la capacidad y versatilidad que posee para adaptar cualquier concepto, y transformarlo en un mensaje original y creativo.

En sus ilustraciones, posters y campañas, se puede apreciar -como elemento constante- el guiño pícaro de alguien que se apasionó con el diseño a temprana edad, y que desde entonces, no lo pudo abandonar. Fue un camino de ida que constituyó progresivamente su estilo artístico; marcado por la simpleza del mensaje, lo sutil y preciso del trazo, y el híbrido entre ilustración y tipografía, por mencionar apenas algunas características. Varias de sus obras han participado en exposiciones, recibiendo también premiaciones en distintos concursos y festivales.

Un hombre de familia

En el año 2005, Dani y cuatro amigos más dan vida a Bendita Familia, un equipo de creativos con una filosofía bien constituida de trabajo; en donde las ganas de em- barcarse en proyectos que representen un desafío, y la

convicción en brindar un acercamiento distinto a la comu- nicación, definen sus rasgos representativos.

Estrategia y creatividad son las herramientas utilizadas por este grupo multidisciplinario para lograr con éxito los propósitos que se trazan. Eso sí, sin perder el ritual de una familia tradicional: trabajo en equipo, respeto mutuo, confianza y compromiso. Bendita Familia ha realizado un número importante de trabajos, entre los cuales se encuen- tran campañas para la revista Pimba! y los Premios Graffiti.

Creatividad

“Me encanta ver la creatividad empleada en lo que sea; es interesante poder apreciarla en diferentes ámbitos. Hasta aplicada en lo más ínfimo, la creatividad es capaz de hacer una gran diferencia; es positiva, aporta.”

ámbitos. Hasta aplicada en lo más ínfimo, la creatividad es capaz de hacer una gran diferencia;

Diseño

“Pienso que, para realizar algo nuevo, se debe mirar lo hecho anteriormente en la historia, de lo que hay mucho y bueno. Tanto la búsqueda como la evolución, son interesantes. El pasar por diferentes etapas es un proceso natural

en los artistas, es la forma de lograr un

criterio propio y poder aplicarlo a la obra;

hasta los más grandes lo han hecho. Me gusta la mezcla de orden paradigmático y caos gráfico a la que está llegando el diseño.

En

lo personal, disfruto mucho de cada etapa;

es

mi partido conceptual. Siento pasión por el

diseño, es mi sinécdoque.”

Adobe vs lápiz y papel

¿En qué medida consideras que las nuevas tecnologías han aportado al ámbito del diseño?

“La democratización que conllevó la evolución tecnológica me parece espectacular; permite

observar un interesantísimo anarquismo visual mundial. Está bueno valerse de las nuevas herramientas para potencializarse, generar procesos más rápidos. Sin embargo, utiliza- das inconscientemente, se pueden volver un arma de doble filo: saber usar un programa

es

tan solo uno de los muchos ingredientes

de

la torta. La vertiginosa ola tecnológica no

debería provocar la pérdida de ciertas cosas; soy de los que también estamos felices con nuestro lápiz y libreta; es más: lo recomiendo.”

Buenas costumbres

“Soy un agradecido de poder trabajar de lo que me gusta. Espero poder seguir dis-

frutando del diseño, intentando sumar, desde

mi

perspectiva, en los diversos proyectos que

se

presenten. El plan es continuar experi-

mentando, aprendiendo, haciendo, viendo; y

sin duda alguna -como decimos en la familia-

respetando siempre las buenas costumbres. “

haciendo, viendo; y sin duda alguna -como decimos en la familia- respetando siempre las buenas costumbres.
haciendo, viendo; y sin duda alguna -como decimos en la familia- respetando siempre las buenas costumbres.
haciendo, viendo; y sin duda alguna -como decimos en la familia- respetando siempre las buenas costumbres.
haciendo, viendo; y sin duda alguna -como decimos en la familia- respetando siempre las buenas costumbres.

DEL MONTE CON AMOR

Monterama es el resultado final del proyecto llevado a cabo por Fran!, cuyo propósito consiste en brindar un sitio en donde exhibir los trabajos de diferentes artistas e ilustradores locales. De esta manera Monterama se convierte así es un conglomerado de artistas uruguayos que comparten, conjuntamente, un mismo fin: difundir y promover sus respectivos trabajos.

Monterama simplemente nace de una costumbre que com- parto con algunos amigos: cada vez que nos llega una invi- tación, las bases de un concurso, o incluso una propuesta laboral; contestamos pasando una lista de links de otros ilustradores, diseñadores o artistas de acá, que puedan es- tar interesados o servir para la propuesta. De hecho, cuando me invitaron para el primer número de AKA, recuerdo haber mandado esa lista, y me contestaron que otras personas ya la habían enviado.

Es una forma de cambiar ese vicio de “guardarse los piques” que pasa mucho; como acá nunca pasa nada, cuando tenés un pique, no lo compartís; te lo guardas como un tesoro. Yo solía tener un sentimiento parecido, pero, por suerte, me crucé con mucha gente que me abrió la cancha y se esforzó en enseñarme y mostrarme las cosas de otra manera. ¡Cuando uno pasa los piques, te llegan más!

También quería generar una manera más fácil y rápida de mostrarle a personas del extranjero e incluso locales, que hay otro montón de gente haciendo cosas interesantes y con mucha fuerza. En el randómico mundo de internet, alguien puede casualmente dar conmigo, y quiero asegurarme de que descubra también a todo el resto; de ese pequeño gesto, nació la idea de armar la página.

Como extra, agregaría un fin un poco más ambicioso. En un país en el cual las ventanas para mostrar lo que se hace son mínimas, donde ya casi no nos quedan publicaciones físicas, ni eventos relacionados, ni muchas exposiciones o centros educativos que promuevan este ámbito; es difícil sentir

una identidad local. Es difícil poder ver todo lo que se está haciendo, y en ese contexto, sentirse parte del engranaje, sentirse parte de un movimiento. Resumiendo: nada como empezar por compartir en serio, para hacernos más fuertes y sentir que todo esto es nuestro.

Si tuviera que describir lo que “es” Monterama, diría que es una lista de links de gente que admiro por su trabajo, más específicamente enfocada al arte y la ilustración. Tan sólo eso: una lista personal de gente cuyo trabajo me gusta, y quiero tener una manera de poder mostrarlo.

Lo que “será”, es más incierto

de movimiento y los lugares de encuentro, que algo mínimo como una lista de links, puede provocar reuniones, charlas, talleres, quien sabe que más; lo que tengo claro, como ele-

mento fundamental, es el encuentro. Cuando veo todos esos

trabajos juntos, también estoy viendo el mío propio, porque toda esa gente que me rodea es parte de lo que yo hago,

y son puntos altos de influencia y reflexión en mi propio

trabajo; contar con eso ya es mucho más que andar mirando como desesperado todo lo que se hace afuera. Paso mucho tiempo mirando todo lo que se está haciendo en el mundo, pero tengo la necesidad de profundizar en nuestros propios códigos, símbolos, tópicos, etc: cuanto más podamos ver para adentro, creo que mejor nos va a ir afuera.

es raro. Es tanta la falta

Las actualizaciones de Monterama funcionan en base a más gente que voy encontrando, y que me gusta lo que hace; sé que es un criterio muy subjetivo, pero -de hecho- el proyecto lo es, por tanto no puedo verlo de otra manera. Todo el mundo está invitado a acercarse: tengo unos cuantos links más para agregar en breve. No trato de cumplir con ningún criterio más allá de mí gusto personal, si alguien se siente molesto con eso sería genial que proponga su propia lista.

A futuro, sería muy bueno que la página creciera, incluyendo

–acá viene la parte de “guiño, guiño”- un programador que se copara con el proyecto, así como poder agregar más categorías; hay mucha gente haciendo cosas en el monte:

diseño de moda, diseño industrial, fotografía, música. Sería lindo verlas, todas juntas, reunidas en Monterama.

http://www.flickr.com/gorriondepapel gorrión de papel Una mirada inquisitiva; una constante búsqueda estética: he aquí

gorrión de papel

Una mirada inquisitiva; una constante búsqueda estética: he aquí la catarsis creativa de Pere Vilardebó.

¿Dónde crees que se encuentra el arte, en el proceso de creación o en el resultado final?

Es una pregunta que me he hecho muchas veces. Como creador me gusta encontrarle el sentido más agudo en el instante o en el proceso de creación; por la intensidad y el diálogo vital que uno establece con la pieza en la que está trabajando. La lectura posterior sería más parecida -en una primera instancia- a la experiencia de los espectadores.

¿Crees que el arte tenga una función social?

Es evidente que el arte tiene la capacidad de despertar consciencia; estimular el ser crítico con el entorno, poner de manifiesto injusticias, y ser molesto con aquellos que no hacen nada para evitar, arreglar o solucionar problemáticas. La pieza de arte tiene ese lenguaje amplio y universal, capaz de traspasar fronteras y culturas; y eso debe de aprovecharse en pro de una comunicación pedagógica capaz de cultivar

las mentes de aquellos que jamás se preguntaron tal cosa o desconocían tal problemática.

¿Qué relación estableces entre el contenido expresivo y la carga estética de una obra?

Le dedico una atención especial a la compatibilidad entre la forma gráfica o estética, y el apartado expresivo en todas mis piezas. En algunas aparecen tipografías que ponen de manifiesto o expresan literalmente -o a través de la metáfora- un concepto concreto; cuando esto es así intento escoger una tipografía o un trazo caligráfico que apoye o subraye el concepto, siendo la parte gráfica una reafirmación de la misma idea.

¿Le das mayor importancia a alguno de los dos?

Probablemente, en mis collages, la gente perciba con mayor fuerza la parte estética, ya que está muy cuidada.

artista invitadoartista/invitadoespaña

A pesar de los innumerables accidentes -aparentemente

¿Cómo definirías tu obra?

incontrolados- todo está estudiado para una finalidad concreta; presto especial atención a la armonía y los pesos, las diagonales y la composición de la pieza. No obstante

Es

resultado, sino toda la fase de experimentación que sucede

una pregunta difícil, ya que para mí no es sólo el

el

concepto es como un telón de fondo -una capa más en

durante el transcurso de trabajo. Creo que se trata de una

la

pieza- que dota a la obra de una profundidad de campo

obra compleja, que debe ser apreciada desde lejos y a la

que proyecta a cada pieza en una dimensión más sensitiva

vez desde cerca; el espectador debe dejarse llevar por los

o reflexiva.

pequeños detalles. Los detalles son los que -poco a poco-

¿Dejas lugar a los accidentes o prefieres controlar todo el proceso?

muestran la complejidad de sentimiento, la del mismo personaje retratado o -sin ir más lejos- la del propio artista mientras la desarrolla.

Los accidentes son bien visibles en mis piezas, le dan ese carácter libre y fresco a la expresividad global de la pieza;

no obstante prefiero no dejar ninguna nota disonante dentro

del trabajo. Así la reconducción del azar también se da cita

en más de una ocasión, con la intención de subrayar los elementos adecuados.

¿Por qué crear? ¿Cuál es el motivo de tu obra?

Creo que la respuesta está en todo aquello que pasa por

mi mente. De alguna forma me veo empujado a darle una

forma real a todas esas cosas que imagino por un instante; pasar la frontera del proceso mental al desarrollo material.

esas cosas que imagino por un instante; pasar la frontera del proceso mental al desarrollo material.
artista invitado
artista invitado
“intento que la parte gráfica sea una reafirmación de la idea misma”
“intento que la parte gráfica sea una reafirmación de la idea misma”
“intento que la parte gráfica sea una
reafirmación de la idea misma”

EL AUDIO- VISUAL NO SE QUEDA CORTO.

Por Alejandro Cruz

En los últimos diez años la producción audiovisual uruguaya ha crecido exponencialmente por varios factores. Las escuelas de cine y los nuevos institutos audiovisuales se han profesionalizado en sus cursos y propuestas; nuevas políticas culturales y fondos para el desarrollo han estimulado una creciente producción cinematográfica y una mayor accesibilidad a las nuevas tecnologías digitales, ha incitado a que una gran cantidad de personas de diferentes disciplinas caminen por el mundo audiovisual. Cada vez se generan productos audiovisuales más profesionales e interesantes, tanto en digital como en cine 35 y 16 mm.

Gonzalo Torrens es uno de esos realizadores que están trabajando muy bien, y su corto “Heavenly Covenant” –filmado en 16 mm– es una clara muestra de ello. Realizado como un ejercicio curricular de la ECU, Gonzalo me cuenta que nunca había trabajado en ese formato y que lo hizo con un sobrante de 6 minutos de una lata de 16 mm. Tuvo varios accidentes, como no cargar bien la película en el chasis entre otros propios de la falta de experiencia. Sin embargo, cuidando al máximo la foto para no desperdiciar película; el corto Heavenly Covenant es –paradójicamente– más largo que lo filmado, gracias a que en postproducción se loopearon varias tomas. El corto tiene una fotografía muy cuidada, una estética de video archivo desde lo mínimo; y mucho vigor narrativo, sostenido por la impecable locución en off de un perfecto gentleman inglés que juega con la grandilocuencia a la que apuesta el guión. Con este proyecto Gonzalo demuestra que la falta de recursos, o inclusive la inexperiencia, no

son necesariamente limitantes para lograr una realización de calidad.

Durante el transcurso de la charla, que pivotea en intensidades y tópicos, Gonzalo admite no haber visto mucho cine y, al mismo tiempo, que lo que sí ha visto lo marcó profundamente. Se explaya particularmente en el trabajo de los hermanos Cohen y Alex de la Iglesia. Afirma que, para él, el corto no es, necesariamente, un proceso de entrenamiento en la carrera hacia el largometraje.

de entrenamiento en la carrera hacia el largometraje. Gonzalo es inquieto, gesticula bastante y habla rápido.

Gonzalo es inquieto, gesticula bastante y habla rápido. Me imagino que esa hiperactividad es la que lo ha llevado a no quedarse inactivo y –como si me estuviera leyendo la mente– empieza a contarme sobre su nuevo proyecto que bordea el mediometraje, esta vez en digital.

“Guitarrela” -que ya va por la mitad de su realización- está protagonizada por César Troncoso y se trata de un

está protagonizada por César Troncoso y se trata de un experimento en clave road movie, sobre

experimento en clave road movie, sobre una comunidad de cowboys rockabillis a la uruguaya que habita el bar de un pueblo del interior. Al mejor estilo de la leyenda de Robert Johnson y su famoso Crossroad, el protagonista hace un pacto con el demonio para poder tocar bien cada noche.

Esta vez, Gonzalo apuesta a un producto más ambicioso, más meditado y no tan visceral como su anterior trabajo. Se

más meditado y no tan visceral como su anterior trabajo. Se a la vez reconoce que

a la vez reconoce que –a pesar de estar en vías de– aún

le falta para ser un realizador. Quizás en algún momento

sí le importe el mercado.

La pasión de Gonzalo por contar historias se percibe de lejos; luego de haber visto “Heavenly Covenant” y el tráiler de “Guitarrela”, me emociona la posibilidad de ver su proyecto terminado. Como espectador me genera gran expectativa.

“Hay diferencias, es un tema cultural: no se le puede quitar al cine lo que es del cine” responde cuando le pregunto sobre el formato audiovisual. “Cada formato tiene un límite, cuando quiero generar una profundidad de campo con una cámara digital y no la logro, siento que se empiezan a coartar las libertades creativas. Ahí es cuando las diferencias pueden ser más cuestionables. De todas formas, no me parece que el formato analógico

El corto tiene una fotografía muy cuidada, una estética de video archivo desde lo mínimo; y mucho vigor narrativo, sostenido por la impecable locución en off de un perfecto gentleman inglés que juega con la grandilocuencia a la que apuesta el guión.

está interiorizando sobre los pormenores de la producción y –buscando recursos para poder terminarla– se ha acogido

a los fondos de incentivo cultural que adjudica el MEC.

No obstante la peripecia de la financiación está lejos de culminar. “Si querés hacer algo grande tenés que pagarlo, y si tenés que estar tres años ahorrando para un proyecto, hacelo” –reflexiona– “yo ahorré un año para Guitarrela, pero no sé si haber hecho ese sacrificio está tan bueno cuando existen canales de financiación”.

A la hora de escribir y realizar un proyecto, Gonzalo no

toma demasiado en cuenta el llamado “mercado”, aunque

sea fundamental para hacer más o menos valiosa una película; lo que más me importa es que la película en sí sea de verdad –que le crea– y que tenga una construcción con su propio universo y su propio recurso narrativo”

Su pensamiento acerca del cine es muy interesante: “una vez que la terminaste, la película ya no es más tuya, pasa

a formar parte de otro universo; un universo que tiene

más que ver con el espectador, y con lo que el espectador construye de la película”. Y no es el primer realizador o artista que ha llegado a esa conclusión. Sin lugar a dudas, su universo audiovisual no se queda corto.

lugar a dudas, su universo audiovisual no se queda corto. Heavenly Covenant (2007) Guión y Dirección:

Heavenly Covenant (2007) Guión y Dirección: Gonzalo Torrens VER @ Videoteca AKA.

Guitarrela (2010) Guión y Dirección: Gonzalo Torrens VER Trailer @ Videoteca AKA.

Torrens VER @ Videoteca AKA. Guitarrela (2010) Guión y Dirección: Gonzalo Torrens VER Trailer @ Videoteca

juan manuel ruetalo

hacer > pensar

cooptrol

Cooptrol es el proyecto musical de Hernán González; quien se pre- senta en vivo y edita sus álbumes de música electrónica desde el año 2000. En esta interesante entrevista nos habla del “MeatSpace”, la inspiración, los fenómenos ondulatorios y la música.

Futuro

En la actualidad, “Futuro” es un concepto en desuso. La inmediatez es, hoy, el valor fundamental; ya no se piensa en el futuro como prometedor de desarrollo, sino que el término ha cobrado un matiz oscuro y apocalíptico. Las amenazas que nos acechan como individuos, como seres sociales y como especie en general se ubican en “el día después de mañana”. De esa forma, vamos viviendo un presente perenne,

un tiempo al cual pertenece todo lo bueno que nos sucede; si algo bueno se gesta, es algo que pasó “ahora”, y no algo que nos dio el porvenir. La previsión es un valor que ya ni siquiera es patrimonio de los países más desarrollados, lo cual tiene un lado positivo; hemos aprendido a ser eficientes en la im- provisación, y que hemos perdido -en gran medida- el miedo a lo desconocido.

Crear

Soy una persona determinista y creo poco en el

libre albedrío, es decir, creo que nuestros actos

y decisiones son meros aderezos en la gestación

de consecuencias. Por ello pienso que el creador es responsable de su creación en un pequeño porcentaje; el denso entramado de eventos previos -de los cuales apenas somos capaces de ser conscientes- es lo que genera productos acciden- tales que consideramos creaciones. Veo al creador

como un “médium” que canaliza azarosamente una cantidad de variables que derivan en un resultado,

es por eso que desconfío de aquel que se vanagloria

y apodera de “sus” creaciones. Pienso que el

verdadero artista es capaz de percibir esta verdad,

y es allí cuando siente ese ambiguo desprecio

por su propia obra y la sensación de que la misma nunca está del todo terminada. Crear no es algo que hacemos, es algo que nos pasa.

Computadora

Considero a la computadora como un “exo-cerebro”, una copia imperfecta de nuestra forma de razonar la realidad cuya función es la de asistir a nuestro aparato natural de razonamiento. Pienso que la consciencia global consecuente a la existencia de Internet de la que tanto se ha hablado existe desde siempre; hoy la vemos reflejada en el espejo del navegador. La computadora es, esen- cialmente, un autómata que concentra en un solo

mecanismo todos los automatismos artificiales

creados por el hombre. La decisión cotidiana entre automatizar una acción a través de la computadora

y hacerla mediante las herramientas mentales y

físicas proveídas por la naturaleza es personal. Esta automatización de tareas -como se ha confirmado en estos años- no está exenta a la contaminación

de la naturaleza voluble e inestable de nuestra condición humana.

Inspiración

En mi experiencia personal encuentro que la inspiración es cíclica, y que está intrínsecamente

relacionada con el biorritmo intelectual, emocional,

y físico. El biorritmo es la combinación de estos

tres factores en sus coincidencias en la línea de tiempo, a su vez es estructurado en frecuencias cortas y largas –sumadas- cuyo total es nuestra vida. Dicho eso, la inspiración puede venir en un

pequeño momento del día, donde quizás se combina nuestro estado emocional con el intelectual en

forma determinada y tenemos una pequeña idea;

y de la misma forma podemos tener un período

de inspiración de meses –un auge intelectual y emocional- donde producimos mucho. En definitiva, la inspiración aparece al mismo tiempo en períodos muy cortos –una idea súbita- o en períodos largos de tiempo –un estado de creatividad prolongado- y lo único que atenta seriamente contra la inspiración

es cuando el nivel de nuestro biorritmo físico está bajo. Creo que ahí es cuando se complica.

http://empk.net/

diego bellorín

Background

Siempre estuve influenciado por mi familia; mi madre es

escultora y mi padre es pintor. Recuerdo que cuando tenía

9 años me la pasaba jugando y tocando la batería con

unas latas de pintura en el taller de mi papá. Siempre

tuve ese contacto con el arte y el diseño; en esa época mi padre diseñaba carteles y era director del centro gráfico de

la universidad de Maracaibo, Venezuela. En mi casa había

un taller de serigrafía, material de fotografía y un taller de

cerámica; era imposible no dejarse influenciar. Comencé estudiando diseño en la EDG Maracaibo, y durante unos

3 años tuve la oportunidad de viajar a París y estudiar diseño en el Instituto Superior de Artes Aplicadas.

medios que pueda –Internet, ilustraciones, fotografías, etc-; y luego armo una lista con las principales ideas, y borro de ella todo lo que no me funcione, hasta llegar a la idea final.

EMPK

“EMPK” fue el seudónimo que utilizaba en la escuela para la entrega de proyectos; después comencé a firmar así los trabajos que realizaba como freelance. Hoy, EMPK ATELIER es un pequeño estudio colectivo; somos mi esposa y yo junto a invitados ocasionales.

Tendencias

En mi opinión, las nuevas tendencias y corrientes artísticas son –básicamente- las viejas tendencias volviendo y renaciendo; despertando un poco más de interés. Creo que hay una utilización excesiva de software, tecnologías y métodos nuevos; todo eso nos está alejando de la base, de lo formal y de lo esencial en el diseño.

Proceso creativo

A la hora de formar una idea y construir un proyecto gráfico, intento entrar en una fase de investigación luego de hacer

el briefing con el cliente. En esa fase intento recuperar un

máximo de información posible en todos los

artista invitado / venezuela

solar

.mr - Miguel Recalde - Bajo .fr - Fabrizio Rossi - Guitarra y voz .ju - Joaquin Uribe - Guitarra y voz .mc - Matias Chouhy - Bateria

Una búsqueda personal y una mirada introspectiva; un collage de géneros e influencias, y una ruptura constante de la estructura y del proceso. Más que una banda, es una catarsis musical; un experimento sonoro que refleja la simbiosis musical de 4 miembros, 4 amigos, 4 seres humanos influenciados por todo, y por ellos mismos. Este es el universo musical de Solar.

Solar es una banda en constante movimiento y cambio, no obstante mantiene una identidad definida: Solar es Solar. A pesar de tener una ciclotimia de estilos, la banda mantiene un público muy fiel y definido; frente a la carga conceptual de sus temas, todos somos hijos de la misma búsqueda personal. Formada en el 2005, la banda ha cambiado de formación y de estilos, pero se mantiene siendo fiel a sí misma, donde los integrantes le dan un carácter y un sentido a la banda, más allá del instrumento que estén tocando.

¿Cuál es la función de cada uno en la banda?

.mr - Siempre va mutando según quien tenga la voz porque, cuando estamos probando algo, todos tenemos la voz. Es la única manera de lograr que todos estemos contentos con el laburo, y lograr armonía; esa horizontalidad. .fr - No sólo proponer, sino también dejarte influenciar.

¿Ven algún cambio significativo del primer al segundo disco?

.ju - ‘Mañana multiple’ es bien “primer disco” de una banda. Si bien no somos una banda de género, somos una banda que escucha pila de música, y en el primer disco se nota eso; que teníamos todo muy fresco. No habíamos destilado mucho las influencias: había temas medio Pink Floyd, medio Led Zeppelin, medio Sonic Youth; creo que en el segundo disco (‘Solar ha muerto’) pudimos depurar mucho mejor nuestro estilo; y también depurarlo en un proceso que hicimos grupal- mente, que era como “vaciar”. El primer disco tiene mucho de tiempos cortados, riffs más contundentes, todo dura menos de medio minuto y se va sucediendo continuamente. El segundo

disco se distiende pila: las canciones ya son canciones, no teníamos necesidad de ir corriendo atrás del tema, apurán- dolo y cambiándolo; abandonamos ese miedo que teníamos de hacer temas muy largos, que aburriesen. Antes queríamos hacer algo diferente y nos olvidábamos de la esencia de la canción, que es la linealidad. La canción es algo sintético, y es lo que nos interesa laburar; somos una banda de canciones. Pasa por una cuestión de identidad: en el primer disco, una banda explora todo, y ya en el segundo se va definiendo. .fr - Y tenemos la prueba de que nunca termina esa etapa:

nos aburrimos de lo que hacemos, en un sentido macro del tiempo. Por ejemplo, si bien el segundo disco es nuevo -lo sacamos hace poco y las canciones tienen menos de dos años- ya ahora se plantean temas distintos en las composi- ciones.

La banda rompe con la estructura para lograr un resultado. Todos los medios son aceptados siempre y cuando el track suene bien: “partir de un riff que alguien tiró hace dos años en un ensayo y retomarlo; transformar y modelar la música en algo que nos guste a todos”.

.mc - A la hora de decir “yo hago ésto”, estás limitando un montón de cosas. Lo nuestro no es una búsqueda musical, es una búsqueda personal a través de la música.

Es complicado intentar definir el género de Solar, ya que casi existencialmente se oponen a lo que significa una banda de género. Son un collage de influencias, un salvaje viaje de ex- ploración al corazón del No-Género, libre de las ataduras que impone una etiqueta musical. Más que fieles a un género, son fieles a sí mismos, y creo que es eso lo que los hace únicos.

Pueden bajarse ambos discos de Solar desde su website. También pueden bajar el EP de MUX, banda paralela que Fabrizio Rossi y Miguel Recalde tienen junto a Juan Castro, Javier Cuadros y Santiago Marrero desde http://www.vacaciones.mux.org.uy

ENTREVISTA A GUSTAVO TABARES

marte

upmarket

Marte UpMarket podría definirse como una galería de arte contemporáneo; pero a medida que uno profundiza en esta descripción, se percata de que implica mucho más que un simple espacio expositivo: es un área de encuentro, intercambio, aprendizaje y difusión, tanto de artistas nacionales como extranjeros. Es una plataforma que funciona como constructora de canales de comunicación entre artistas y promotora de la producción artística de los mismos.

Cinco años de trabajo intenso, bajo la dirección de Mercedes Bustelo y Gustavo Tabares, han consolidado a Marte UpMarket como una galería referente; un sitio en donde artistas y espectadores encuentran una aproximación distinta, fresca e innovadora al arte moderno.

BACKGROUND “Mi interés por el arte se despertó a fines de los ’80. En ese

entonces trabajaba en una imprenta, en donde tenía la posi- bilidad de ver impresiones de afiches, catálogos de artistas, etc. Yo tenía ciertas inquietudes, y empecé a ir a exposiciones,

a familiarizarme con el ámbito artístico.

En aquella época, no había ningún tipo de formación artística

a nivel académico en Uruguay, entonces, cuando me empezó

a interesar realmente el arte -más allá de que había realizado

algunos trabajos esporádicos- comencé a ir a distintas biblio- tecas. Allí tenía acceso a diversas publicaciones de arte inter- nacional, revistas imposibles de conseguir acá. Podría decir que, en ese momento, mi formación comenzó a encaminarse.

Más tarde, fui a Bellas Artes, pero me aburrí enseguida; a los dos meses me fui. Sin embargo, las ganas de querer estudiar arte continuaban estando. Comencé a estudiar en el taller de Hugo Longa, y ahí se abrió un mundo muy salado, enorme para mí: el arte se transformó en una cosa más concreta, y terminé dedicándome de lleno a eso. Al poco tiempo, gané algunos premios. Fue una buena experiencia, ya que los con- cursos eran una manera de hacerte conocer en el medio.”

MARTEUPMARKET “Yo quería dedicarme al arte, y no solamente a mi obra; sino a otras cosas que también me permitieran obtener una ganan- cia. Fue así como me metí a hacer montajes de exposiciones.

Más tarde tuve la oportunidad de hacer una curaduría para una muestra, y ahí, medio sin querer, empecé a realizar cura- durías profesionalmente. Asimismo, me adentré en la docen- cia; comencé a dar clases -tenía dos o tres alumnos- y fue sumamente positivo. El tener alumnos te obliga a estudiar más, profundizar tus propios conocimientos. Paulatinamente, todo esto fue creciendo, y terminé dedicándome a varias ac- tividades relacionadas con el arte.

Luego, con Mercedes, se nos ocurrió la idea de crear un lugar en donde concentrar todas estas actividades. Yo ya tenía un taller en Ciudad Vieja, pero queríamos un espacio más grande, en donde se pudieran realizar exposiciones de nuestros artis- tas, así como trabajar con artistas extranjeros. Así fue como abrimos Marte UpMarket.”

En una nota periodística, se habla de Marte UpMarket como una galería fomenta el arte experimental, aleja- do de aquello que se consideraría más convencional. ¿Hay una especie de “establishment” en el arte? ¿Cuál es el rasgo distintivo de Marte UpMarket, respecto a otras galerías?

“En Montevideo, no hay ninguna galería de arte contemporá- neo. Hoy por hoy, somos la única con esas características. Las otras galerías tienen artistas muy buenos, pero su perfil es bastante amplio; nosotros nos dedicamos al arte contemporá-

neo. Las obras de los artistas que exponen aquí apuntan a la reflexión, a generar algo crítico, o, si son decorativas – que también las hay- apuntan a algo más actual, contemporáneo, urbano. Nuestros artistas ofrecen otro perfil, otra cosa.”

En ese sentido, ¿Marte UpMarket brinda un espacio para esos otros artistas que quedan “al margen” de lo convencional?

“Sí, claro. Uruguay tiene un mercado artístico muy chico y bastante conservador. Últimamente están apareciendo coleccionistas nuevos, gente joven que puede empezar a coleccionar, que ha viajado y ha podido ver obras diversas. Cuando esas personas vienen a la galería, pueden observar que ese tipo de obras también existen en nuestro país.”

¿Consideras que las nuevas tecnologías de la infor- mación han influido en el campo artístico nacional e internacional, ampliando las fronteras en cuanto al in- tercambio y la difusión de la producción artística?

“Todo es diferente: la comunicación es diferente y por tanto, la difusión de tu obra también lo es. Tu obra es accesible, fácil- mente, para cualquier persona en el mundo; cosa que antes era imposible, a menos que expusieras en el exterior o que viniera alguien del extranjero a verla. El proceso de difusión era difícil y lento. Gracias a las innovaciones en materia de comunicación,

extranjero a verla. El proceso de difusión era difícil y lento. Gracias a las innovaciones en

se puede ver mucha más oferta artística, así como los procesos se han acelerado. Como todo, también hay obras de calidad dudable; claramente se pueden distinguir -en esa oferta masi- va- elementos que se repiten, por lo tanto, tenés que ver quién realmente hizo eso, quién es el verdadero creador.”

“HACER ARTE” EN URUGUAY

“Un acontecimiento que está sucediendo acá actualmente es que -en la educación- el arte está un poco más presente. Aho- ra se están implementando los bachilleratos artísticos. Me gustaría saber de qué manera se puede aportar a esos planes de estudio, desde nuestro lugar; como artistas. Sin embargo, esto trae a colación otra duda, y es si el país tiene un mercado como para abarcar esta nueva ola de artistas.”

¿Cómo describirías el área artística en Uruguay?

“La calidad es buena. Hay muy buenos artistas, en un lugar que tiene todo en contra. Muchas de las dificultades que tuve al adentrarme en esta área ya no están más. Creo también que todo depende de cómo la luche cada uno, y las posibili- dades que se tengan.

Somos un país pequeño, en donde todo está centralizado en Montevideo, y –asimismo- esta ciudad también es pequeña. Las opciones, por tanto, son un poco limitadas: podés laburar acá, y producir para el exterior -que puede estar muy bueno- o podés irte. De todas formas, vale destacar que el producto artístico que se logra acá es súper bueno; está al nivel de cualquier producto en el mundo.”

¿En cuanto a calidad también?

“En lo que refiere a la calidad, está bárbaro. Por ahí, no hace- mos súper producciones; ¿para qué voy a hacer una escultura de 15 metros si la ciudad no la quiere?”

¿Crees que en esa clase de proyectos artísticos de- bería existir un apoyo por parte del Estado, para fo- mentarlos?

“Sí, debería haber mucho más dinero disponible para la cultu- ra. Por suerte, hay más fondos que antes, debemos reconocer eso también. Se están abriendo espacios nuevos: existen los fondos concursables, los fondos de incentivos; son un montón de iniciativas que antes no estaban, que son buenas y sig- nifican el comienzo de algo. Sin embargo, falta muchísimo. Algunos países tienen una fuerte inversión en cultura, y no porque sean más ricos que nosotros.

en cultura, y no porque sean más ricos que nosotros. Muchas veces no se trata de

Muchas veces no se trata de que se necesiten millones y millones, sino de que haya una buena política, un decir “va- mos a hacer esto”. Se realizan pocos envíos de obras nacio- nales al exterior. Esto es sumamente importante, ya que los envíos significan que Uruguay está teniendo presencia en el mundo. Yo creo que el arte y la cultura son dos de las riquezas más importantes que tiene el país, y, lamentablemente están casi sin explotar. Realmente somos capaces de exportar cul- tura a todo nivel, no solo de las artes visuales -que es lo que a mí me interesa, y en donde yo me muevo- , sino también en la música, en el teatro. Hay que exponer en otros museos, salir al exterior.”

MARTE UPMARKET COMO PLATAFORMA DE INTER- CAMBIO CULTURAL Y ARTÍSTICO

En ese sentido, ¿cómo coopera la galería a la causa de promover nuestra cultura?

“Aquí realizamos diferentes actividades, en una escala bastante pequeña, pero importante para nosotros. Hemos hecho bastantes intercambios con gente del exterior, sobre

todo con artistas de Argentina, Brasil, Paraguay y España. También han expuesto artistas alemanes.

Estamos abiertos a que artistas extranjeros expongan acá, así como realizar intercambios. Es una experiencia excelente, ya que los artistas vienen para acá, pero luego, nuestros artistas los visi- tan allá. Esa es la parte que más nos gusta: el conocer un montón de gente, lugares, generar amistades y relacionarnos con las per- sonas; en definitiva, fomentar la cuestión humana del asunto. No existe una relación fría con los artistas de intercambio; se quedan a dormir en nuestras casas, comparten con nosotros.”

PLANETA EN EXPANSIÓN

¿En qué etapa se encuentra la galería actualmente?

“Marte está mutando. Queremos crecer, ampliar el espacio. Es- tamos tratando de constituir un colectivo de artistas; también estamos en proceso de formación de una cooperativa. Otro de los proyectos para un futuro cercano tiene por objetivo fortalecer la parte educativa; generar una escuela, dejar de ser un taller, y transformarnos en un centro educativo, un espacio cultural.

Actualmente, estamos meditando -con Mercedes- la idea de publicar un libro; una especie de memoria en la cual quede reg- istrado el trabajo de los más de 200 artistas que han expuesto en nuestra galería durante estos cinco años. Para nosotros es muy importante esta iniciativa, ya que es una manera de que no se pierda el esfuerzo realizado hasta ahora. La publicación tiene eso:

lo hace perdurar en el tiempo.”

“En Montevideo no hay ninguna galería de arte contemporáneo; hoy por hoy somos la única con esas características”

“En Montevideo no hay ninguna galería de arte contemporáneo; hoy por hoy somos la única con
“En Montevideo no hay ninguna galería de arte contemporáneo; hoy por hoy somos la única con
“En Montevideo no hay ninguna galería de arte contemporáneo; hoy por hoy somos la única con
“En Montevideo no hay ninguna galería de arte contemporáneo; hoy por hoy somos la única con
PROX. ISSUE 4 MAYO 2010 HTTP://AKA.COM.UY

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