Учреждение образования

«Белорусский государственный университет культуры и искусств»

Кафедра белорусской и мировой художественной культуры

Современное продолжение «фоновой музыки» Эрика Сати

Выполнила
студентка 4 курса,
факультета К и СКД,
406 группы
Дамуть Е. Л.

Научный руководитель:
кандидат искусствоведения,
Измаилова Л. В.

Минск 2021
 Эрик Сати (1866-1925) – необычный и довольно самобытный
композитор, который своими экспериментами предвосхитил многие идеи
музыки ХХ века. Своего рода визитной карточкой этого композитора станут
и необычные названия произведений: «Сушеные эмбрионы»,
«Бюрократическая сонатина», «Прелюдия в виде коврика», «Приятная
безнадежность», «Эксцентричная красавица», «В лошадиной шкуре» и
другие. Он вдохновил на создание собственных стилей плеяду молодых
композиторов, которые получили название «Шестерка». Минимализм,
примитивизм, дадаизм в музыке, конструктивизм, неоклассицизм,
неоромантизм, постимпрессионизм, репетативная музыка – вот неполный
список направлений и концепций, которые видели или могли бы увидеть в
Сати своего пророка и предтечу. Своим главным детищем Сати
считал «меблировочную музыку» (фонофую музыку), которая станет
истоком и для «серьезного» минимализма, и для легких жанров, таких как
лаунж, easy listening и даже саундтрек и рекламный джингл.
Меблировочная музыка (фр. musique d’ameublement) может быть
определена как вид музыкального искусства, в основе которого лежит
произвольная, многократная повторяемость одной или нескольких звуковых
ячеек или тематических фраз. К мысли о фоновой музыке, создаваемой
индустриально-конвейерным способом, Сати пришел путем философских
рассуждений. Он переосмысляет скуку как нормальное и глубоко позитивное
(т. к. оно лишено сильных эмоциональных колебаний) явление повседневной
жизни. И поскольку современный человек всё больше времени проводит в
транспорте, на работе, в походах по магазинам, Сати придумывает образ
«музыкальных обоев», которые украшают место, но не привлекают к себе
излишнего внимания, не отвлекают от дел. Эта установка затем будет
реализована в стиле лаунж, который иногда еще называют «музыкой
гостиничных фойе». По сути, в этом жесте можно увидеть аналогию с одной
из важных идей модерна, а именно – с идеей о преодолении искусством
условных границ академии и музея.
В начале 20-ых лишь авангардисты и пионеры нового медиума – кино
(например, Рене Клер) – смогли оценить значение меблировочной музыки.
Однако в 20-30-е она быстро забылась на фоне еще более радикальных
экспериментов: Эдгар Варез использует в своих произведениях пожарные
сирены, Шёнберг изобретет додекафонию, а Мессиан будет имитировать
песни птиц в музыке. И лишь в 50-х усилиями Джона Кейджа к творчеству
Сати вновь возникнет сильный интерес среди композиторов. Не меньший
оригинал, чем Сати, Кейдж объявил, что задача художника – творчеством
превращать скуку в привлекательное время. Ведь даже за повторяемостью
одних и тех же фраз можно увидеть выражение композиторской
2
индивидуальности. В каком-то смысле Сати был не столько композитором,
сколько дизайнером звука – еще до того, как дизайн стал самостоятельной
областью.
Теоретики-музыковеды в своих статьях и монографиях, конечно, не
могли обойти вниманием факт присутствия минималистской музыки и в
кинематографе, однако эта область, как периферийная по отношению к
собственно музыковедческой тематике, не подвергалась исследователями
глубокому теоретическому анализу в аспекте влияния минимализма на
эстетику фильма. Минимализм — философско-эстетическая концепция,
нашедшая воплощение в различных художественных практиках, начиная с
1950–х годов (раньше всего в США под названием Minimal Art) . Сущность
музыкального минимализма — в выявлении самодостаточного смысла
простейших элементов акустического пространства (тишины, отдельного
звука, элементарных звуковых сочетаний). Минимализм отходит от
классического европейского понимания музыкальной формы как системы
функциональных звуковых связей, стремясь «очистить» музыкальное
мышление от искусственно привнесенной в него формальной логики.
Различают музыкальный минимализм экспериментальный или
концептуальный, связанный с исследованием психо-акустической природы
отдельного звука (представители: Джон Кейдж, Ла Монте Янг и др.) и
репетитивный (представители: Терри Райли, Стив Райх, Филип Гласс и др.).
Репетитивность — техника создания статичной музыкальной
композиции с помощью многократного повторения простейших звуковых
сочетаний (паттернов). Репетитивность широко используется
композиторами-минималистами, однако она является лишь одной из
возможных техник создания минималистской композиции. Теоретические
основы музыки постепенных процессов разработаны в статьях Стива Райха
(«Музыка как постепенный процесс» — так называется одна из них). В этих
исследованиях он опирался преимущественно на собственную
композиторскую практику. В сочинениях конца 60-х — начала 70-х гг. Райх
пользуется оригинальной техникой «постепенного фазового сдвига»,
первоначально открытой им в области tape music (магнитофонной музыки),
когда ему случайно понравился эффект медленного расхождения двух
магнитофонов, воспроизводивших одну и ту же запись («Its gonna rain»,
1965).
Один из манифестов этой техники — пьеса «Piano Phase» для двух
роялей (или двух маримб, 1967). В качестве материала Райх выбирает
единственную короткую звуковую структуру (делая следующий шаг вслед
Райли, у которого было, как мы помним, 53 сегмента). Это паттерн (pattern —
модель, «выкройка»), состоящий из 12 шестнадцатых нот, играемых в очень
3
быстром темпе. Оба пианиста непрерывно повторяют паттерн в унисон,
затем второй начинает плавно и постепенно ускорять, в то время как первый
жестко держится в темпе. Возникает недолгий «разнобой», напряжение в
звучащей ткани, затем оба снова играют синхронно, но первый опередил
второго на одну шестнадцатую. Теперь они звучат уже не в унисон — при
постоянстве материала изменились вертикальные соотношения. Через
некоторое количество повторений второй снова ускоряет и обгоняет первого
еще на одну шестнадцатую, и так до тех пор, пока, пройдя по кругу все
возможные комбинации, они снова не совпадают в унисоне. Затем паттерн
видоизменяется и урезается до восьми шестнадцатых. Весь круг проходится
еще раз (соответственно, он уже короче). Наконец, паттерн сокращается до
четырех шестнадцатых, совершается третий, самый короткий, круг, после
чего оба пианиста одновременно останавливаются («выключаются»). Вся
пьеса «Рiano Phase», в которой в общей сложности использовано семь звуков
(модальная организация), длится около 20 минут. Жестко
структурированный постепенный процесс, осуществленный исключительно
репетитивными средстами, укладывается в геометрически безупречную,
безначально-бесконечную модель, которую в идеале можно представить в
виде множества кругов, уменьшающихся в диаметре и сходящихся к центру.
Здесь смоделирована структура преемственно связанных циклов, от
макрокосмических масштабов сужающихся до масштабов мельчайших
частиц. Самый большой круг непредставим, а самый маленький неразличим,
невидим. Три цикла «среднего диаметра», располагающихся на том уровне
мироздания, который воспринимаем человеческим слухом и соответствует
представлению о ритмах, воплощены в этом произведении Стива Райха. В
других композициях представлены иные варианты фазовых сдвигов. Райх
добивается единства структуры сочиненной и структуры слышимой,
идентичности слышания звукового и структурного (чего он не признает за
додекафонией, сериализмом, а также экспериментальной музыкой школы
Кейджа). Его систематический метод не приемлет скрытых конструкций, все
процессы слышны, поскольку проходят сквозь единый материал.
Одним из первых значительных опытов применения музыкального
минимализма в кинематографе можно считать документальный фильм
Годфри Реджио «Койанискаци» («Жизнь, выведенная из равновесия» в
приблизительном переводе с языка индейцев хопи, 1983). Надо заметить, что
режиссер сам нашел композитора — Филипа Гласса (1937) — для своей
дебютной картины (это важно, поскольку говорит о понимании режиссером
значения звука в картине, то есть мы видим сознательный выбор
аудиовизуальной концепции фильма). Интерпретация кинокритиками
режиссерского «месседжа», в основном, не выходит за рамки нравственно-
4
экологической проблематики — что верно, но не исчерпывающе. Если учесть
и услышать то, что техника композиции Гласса построена на так называемом
additive process («процесс прибавлений», основанный на постепенных,
иногда едва уловимых расширениях повторяемых паттернов путем
добавления к ним новых звуковых элементов, смены метроритма, регистра и
т. д.), то становится очевидной «изоморфность» визуального ряда звуковому.
В каждом кадре фильма — причем совершенно по-разному организованному
ритмически и композиционно — можно заметить характерное существование
динамики в статике: недвижимый миллионы лет каменный пейзаж земной
поверхности медленно освещается движением Солнца; на растянутом
полотне неба ветер постоянно меняет картину облаков; внутри суровых
скалистых пещер летают радостно щебечущие птицы. «Мертвенность» кадра
со стеклобетонной стеной небоскреба «оживляется» движением огромной
луны. Тот же принцип переносится и на показ социальной среды:
неподвижно смотрящие в камеру человеческие лица на самом деле
видоизменяются каждую долю секунды — и зритель может поймать себя на
том, что с интересом следит за малейшими изменениями их глаз, губ, волос.
Не менее важную роль играет музыка Гласса и в следующем фильме Реджио
— «Повакаци» («Жизнь в трансформации», 1988). Здесь взгляд режиссера
обращен полностью к человеку. Первые кадры фильма поначалу шокируют:
изможденные, с ног до головы покрытые мокрой грязью молодые мужчины
несут на плечах тяжелые мешки вверх и вниз по карьеру. Все это напоминает
исторические фильмы о строительстве египетских пирамид — в то время как
мы видим современный процесс добычи изумрудов в Колумбии. Первая
реакция зрителей «цивилизованного мира» — потрясение от того, что такое
может происходить в наши дни. Однако здесь начинает играть свою роль
музыка Гласса — а точнее, очевидный мажорный «африканский» характер
паттернов. Дальнейший переход к показу ежедневной физической
реальности людей в разных концах света парадоксальным образом переводит
разговор режиссера со зрителем — через посредство музыки — с бытового
уровня на бытийный. Вот проходят женщина и мальчик с огромными
корзинами белья на головах. А вот в других уголках мира люди несут на себе
дрова, хворост, сено, тростник. Своими руками люди ловят рыбу,
возделывают поля, купают коней, гребут веслами. И во всех этих людях —
спокойное принятие своей судьбы и необходимости ежедневного делания.
Жизнеутверждающие энергичные паттерны Гласса сообщают зрителю
надвидение представленной на экране суровой (для западного человека)
действительности. А если знать, что Филип Гласс занимался изучением
восточных философских систем, то уместно вспомнить выражение одного из
буддийских философов: «Чтобы достичь состояния Будды, не требуется
5
намеренных усилий. Единственный путь — исполнять обыденное: облегчать
свою утробу и выливать влагу, носить одежду и есть пищу, устав, ложиться
спать. Глупый человек посмеется над этим, но мудрый — поймет»16. В
игровой кинокартине, как правило, ставится более локальная (определенная
конкретным сюжетом) художественная задача. Режиссер (опять же, в
большинстве случаев) находится в ограниченном местом и временем сюжета
художественном пространстве. И здесь минималистская композиция,
примененная в качестве звукового оформления фильма, будет «остранять»
конкретное стилистическое исполнение и смысловое содержание кадра.
Ещё одним современным продолжением «фоновой музыки» Эрика
Сати является музыкальный стиль — эмбиент (англ. ambient – окружающий),
стиль электронной музыки, основанный на модуляциях звукового тембра.
Это такое атмосферное и ненавязчивое фоновые звучание. Эмбиент
буквально значит окружение, обволакивание, погружение. По легенде стиль
возник в 1970-х годах, благодаря творчеству Брайана Ино, который, попав в
больницу и пролежав прикованным к постели долгое время, стал
прислушиваться к звукам, доносящимся из окна его палаты, искать в них их
внутреннюю мелодику. Затем он начал записывать шумы окружающей среды
и составлять из них целые треки. Затем он выпустил все это в нескольких
дисках под общим названием Ambient.
Брайн Ино использовал для создания своей музыки окружающие
шумы и акустические инструменты. Эмбиент использует электронную
реверберацию и пространственную технологию звука, здесь важную роль
играет сама текстура звучания, а не написание текстов и музыки. Музыка
меняется медленно, имеет повторяющуюся природу, поэтому для
неискушенного слушателя может показаться одинаковой. Хотя содержание и
тембр композиций эмбиент-исполнителей имеет большие различия между
собой. Стиль эмбиент стал популярной, культовой музыкой в начале 90−х
голов, благодаря ambient-techno музыкантам the Orb и Aphex Twin.
Разумеется, сейчас нужно отличать эмбиент оригинальный и электронный.
Электронный эмбиент — это мягкая, тягучая музыка, в которой нет ярко
выраженного бита. Это спокойная музыка, в которой в качестве фона
используются шумовые лупы, а главная мелодия играет ненавязчиво и как
правило бывает очень длинной. В эмбиент часто используются обрывки
фраз, кусочки звука из старых фильмов, хайтековские звуки и самое главное
очень много реверберации и эхо. Эмбиент состоит из элементов различных
стилей — джаза, нью-эйджа, электронной музыки, рока, рэгги, современной
академической музыки, этнической музыки и даже нойза. Сейчас очень
распространен электронный эмбиент — такая смесь тихой музыки без
определённого ритма и отдалённых голосов.
6
 В настоящее время можно встретить очень мало композиций в стиле
эмбиент в чистом виде. Элементы этого музыкального направления
присутствуют сейчас почти во всех стилях от хауса до хип-хопа, так что этот
стиль протек во все остальные и уходить обратно в забвение, из которого его
вытащил Ино, не собирается. Наиболее известными Ambient-музыкантами
считаются: Pete Namlook, Aphex Twin, Seefeel, The Future Sound of London,
The Orb, Delerium. В СССР в стиле эмбиент работал Михаил Чекалин. На
пике популярности этот стиль оказался в начале 1990-х.
Стиль «лаунж» вырос из непонятного эксперимента над музыкой в
самостоятельный жанр с огромным количеством ответвлений. Лаунж (англ.
lounge – холл, гостиная) – музыкальный стиль, первая волна популярности
которого в кафе и ресторанах Америки пришлась на 50-60-е годы, после чего
стиль получил второе рождение и повсеместное распространение в 90-е годы.
Формирование стиля продолжается и в наши дни.
Современный человек постоянно сталкивается с музыкой, создающей
атмосферу вокруг – в кофейне, ресторане, магазинах и холлах гостиниц.
Играя фоном, она не раздражает и не забирает ваше внимание, а может
вообще никак не влиять на вас. Это главная характеристика лаунж-музыки,
которую также называют по функциям фоновой или прикладной. Она
помогает расслабиться, создать нужный фон вокруг. При этом она
существует на стыке огромного количества различных музыкальных течений
— джаз, поп, танцевальная музыка, соул, фанк объединяются и
перемешиваются в различных дозах. Из-за разнообразия поджанров и
культурных влияний, возникших с распространением лаунжа, это очень
неоднородный жанр. Общей чертой музыкальных композиций в стиле лаунж
является легкость и спокойствие. Характерными для этого стиля являются
глубина и легкость, обволакивающий комфорт, релаксация и отсутствие
зацикленности. Эта музыка незаметна, но являясь полноценным фоном, она
оказывает положительное влияние на настроение. Лаунж–это не только
расслабление, но и оптимизация настроения – успокаивает взбудораженную
нервную систему, дает позитивный и романтический заряд, навевает
приятные воспоминания из жизни, создает настроение предвкушения
праздника. Музыка в стиле лаунж – выигрышный вариант для того, чтобы
дать посетителям возможность общения под ненавязчивую легкую музыку.
Этот стиль можно назвать комфортным с легкой ноткой роскоши. В общих
чертах для него характерны: медленный темп, повторяемость
композиционных элементов, влияние джаза и импровизация в исполнении.
Истоки лаунжа лежат в начале XX века, в творчестве французского
композитора Эрика Сати. В конце XIX – начале XX вв. искусство обретало

7
фоновую и структурирующую функции, скорее создавало атмосферу, чем
привлекало на себя внимание. Сати первым двигался в эту сторону в музыке. 
Вторая волна интереса к лаунжу возникла в конце 1980-х – начале
1990-х. В британских клубах, захваченных рейвами, появлялись первые
chillout-комнаты, где можно было остыть после танцев под эйсид-хаус.
Популярными стали сборники лёгкой музыки, написанной в 60-х. В этот
период традиционный лаунж переплёлся с электронной музыкой. Это был
двусторонний процесс – диджеи оценили звучание лаунжа, а в электронику
всё чаще приходили джазовые исполнители. Так сформировались сразу
несколько жанров электронной музыки: эмбиент, даунтемпо, чилаут,
чилхаус. Лаунж распространялся по различным городам и вечеринкам, где
приобретал новые формы: основы звука сохранялись, но добавлялись
местные инструменты и даже культурные коды. Так на Ибице, европейской
столице тусовок, возник балеарский хаус, или балеарик. Его отличие от
традиционного лаунжа — использование фанка, соула, латинской и
африканской музыки в различных долях. Стиль сформировался на Ибице в
конце 1980-х, откуда британский диджей Пол Окенфолд (Paul Oakenfold)
привёз его в Великобританию, а в 1994 году испанец Хосе Падилья (Jose
Padilla) записал сборник Café del Mar («Кафе у моря») — один из знаковых
сборников лаунжа. Другой подобный сборник 1990-х, Buddha bar, включает в
себя композиции в стиле азиатский лаунж, где культурные коды
прослеживаются особенно чётко. Его звучание не только успокаивает, но и
гипнотизирует, традиционный лаунж здесь связан со звуками живой природы
и азиатскими музыкальными инструментами.     Современный лаунж
эволюционирует не только в музыкальном, но и в смысловом направлении:
некоторые исполнители осознанно предлагают слушателю ложное
успокоение, задают конфликт расслабляющей музыки и напрягающей мозг
лирики. Продюсер и автор музыки группы Quiet Friend Ник Занка (Nick
Zanca) даже трактует это как антифашистский протест: «Большая часть
истории этого жанра заимствована из разнородных наследий. Важно
прислушиваться к тому, как художники объединяют эти влияния сегодня
перед лицом правительств, которые так явно угрожают
мультикультурализму»     Тем не менее лаунж в первую очередь остаётся
фоновой музыкой, помогающей расслабиться или создать комфортную
обстановку вокруг. Жанр терял популярность и становился немодным, но в
современном мире, скорость и сложность которого растёт с каждым годом,
такая музыка может только развиваться и привлекать новых, ищущих
комфорта слушателей.  
Easy Listening - не просто определенный стиль в музыке, а особое
отношение к ней слушателей. Easy Listening — музыка, которая легко
8
воспринимается и не требует особого вникания в ритм и мелодию. История
этого стиля начинается с 50-х годов, когда знаменитый музыкант Генри
Манчини написал саундтрэк к первым сериям мультфильма "Розовая
пантера" и многим фильмам 50-60-х годов. Крупнейшие звукозаписывающие
компании буквально заваливают Easy Listening музыкантов предложениями о
выпусках их альбомов. Кроме этого различные компании занимаются ещё и
переизданием классики в стиле Easy Listening. Сейчас эту музыку мы можем
услышать в саунд трэках к различным фильмам таким как "От заката до
рассвета", "Криминальное чтиво", "Четыре комнаты", "Поколение Х", и т. п.
Родиной Easy Listening музыки можно считать Америку и Англию. Различия
между английским и американским Easy Listening так же велики, как и
различия между этими странами. В Англии музыканты применяют
музыкальные идеи, популярные в 60-70-х: оркестровые обработки, органы с
фанковым звучанием, электрогитары, рожки. В Америке же ориентируются
на 50-е годы: cаунд трэки к шпионским фильмам, синтетический рок-н-ролл,
свинг биг-бенда. Предназначение этой музыки может показаться
тривиальным - домашнее прослушивание и легкие воскресные прогулки на
автомобиле. Теперь эта музыка со вниманием слушается многими
новомодными меломанами и музыкальными критиками, но это отнюдь не
означает то, что Easy Listening нельзя слушать и дома и в кругу друзей.
Ещё в Советском союзе были прекрасные песни в стиле Easy Listening
например: Гелена Великанова, Майа Кристалинская. Песня "Черный кот"
была просто хитом. Сейчас в некоторых клубах эта музыка используется не
только в чилл-аутах, и в барах, но и на основных танцполах как основное
направление. Сейчас в России над Easy Listening музыкой активно работает
Олег Костров. В 97-м году он выпустил альбом Весны на улице в Карла
Юхана, написанный именно в стиле в Easy Listening стиле. Easy Listening как
никакой другой стиль относится к альтернативной музыке.
Easy Listening - музыка не только для молодёжи, но и для родителей.
Музыка одновременно для эстетов и для людей, не обременённых багажом
музыкальных познаний. Музыка для людей со здоровым чувством юмора и,
наконец, не только музыка. Открыв какую-либо официальную музыкальную
энциклопедию, можно узнать, что Easy Listening - это музыка лёгкого
прослушивания, и типичными представителями этого направления являются
Клифф Ричард, Пол Саймон, и т.д.
Музыка Easy Listening оформилась как вполне четкое течение в конце
50-ых годов. Это была оркестровая музыка, точнее, оркестрово-хоровая.
Музыка, предназначенная конкретно для того, чтобы создавать людям
хорошее настроение. Она что-то взяла от бродвейских мюзиклов, что-то от
джаза, что-то от музыки серф и музыки рок-н-ролл. Еще одной важной ее
9
составляющей была т.н. экзотическая музыка: гавайские гитары,
всевозможные маримбы и всякие такие джунгливые тропические звуки,
которые вызывали у американского обывателя (а именно на него эта музыка
была сфокусирована) ощущения того, что он находится в раю, что кругом
ходят чернокожие девушки в набедренных повязках и т.д. Тогда же эта
музыка получила еще одно очень характерное название — "музыка
холостяцкой берлоги". Подразумевалось, что именно эту музыку холостяки
заводят в своих пентхаузах для того, чтобы развлекать там девушек: танцы,
коктейли и все такое прочее. И "коктейль", кстати, было следующее название
этой музыки. Также ее называли coctail Launge music - музыка коктейльных
веранд - поскольку она хороша под коктейль, под какие-то легкие
разговорчики, ненапряженный флирт и тонкие галантные танцы. Таким
образом, эта музыка расцвела в конце 50-х годов, самыми видными
представителями экзотического направления были Лэс Бакстер и Мартин
Бэнни, а серьезного оркестрового — Скивель.
Логичным продолжением «фоновой музыки» Эрика Сати является
музыка к фильму, представляющая собой ряд композиций, написанных
специально для музыкального сопровождения фильма. Данные композиции
являются частью саундтрека. Обычно они пишутся одним или несколькими
композиторами под руководством режиссёра и/или продюсера. Далее
композиции исполняются оркестром, группой, инструментальными
солистами, хором или певцами. Запись и последующее сведение этих
исполнений производится звукорежиссёром.
Оригинальная Звуковая Дорожка (англ. Original Sound Track,
сокращенно OST) — термин, появившийся в начале 1950-х, и обозначающий
вид музыкального альбома. Изначально задуманные кинокомпаниями как
рекламная уловка для новых фильмов, саундтреки назывались «музыка из
оригинального саундтрека кинокартины». Позже выражение сократилось до
«саундтрек к фильму». Если быть точными, то эти записи, как правило,
были сделаны из музыкальной дорожки, так как представляли музыку без
диалогов или звуковых эффектов.
На сегодняшний день существует множество композиторов, пишущих
такую музыку. Среди них: Говард Шор, Джон Уильямс, Алан Сильвестри,
Габриэль Яред, Ханс Циммер, Джеймс Ньютон Ховард, Эннио Морриконе,
Эдуард Артемьев, Джеймс Хорнер, Владимир Косма, Клинт Мэнселл.
В 1908 году Камиль Сен-Санс впервые написал музыку специально для
фильма «Убийство герцога Гиза», а первый мюзикл, к которому был
официально выпущен саундтрек, был биографией композитора «Бот Шоу»
Джерома Керна, «Пока плывут облака». Только восемь произведений из
фильма попало на альбом. Чтобы уместить песни на стороны пластинок,
10
музыка была отредактирована. Это было сделано до появления магнитных
лент, поэтому звукорежиссёру пришлось копировать отрывки с дисков,
копировать эти отрывки с одного диска на другой, добавляя переходы и
затухания, пока не будет сделано последнее сведение. В MGM Records
назвали эти альбомы «альбомами оригинального состава». Они также ввели
фразу «записано прямо со звуковой дорожки». С годами термин «саундтрек»
стал повсеместно употребляем к каждой записи из фильма, неважно,
являлась ли эта запись взятой из фильма, или перезаписанной в студии.
Первым композитором, музыка из саундтрека которого обрела
массовую популярность, стал Генри Манчини, получивший «Эмми» и две
«Грэмми» за музыку к сериалу «Питер Ганн». Саундтрек Стайнера к фильму
«Унесённые ветром» записывался много раз, но затем фильм был
перевыпущен в 1967 году, и MGM Records в конце концов выпустила альбом,
записанный прямо со звуковой дорожки. Один из самых продаваемых
саундтреков к фильмам был саундтрек Джона Уильямса к фильму «Звёздные
войны». Большинство саундтреков к фильмам издаются после того, как
фильмы заканчивают свои показы в кинотеатрах.
Очень часто песни и мелодии доходили до слушателя и приобретали
популярность через саундтреки к популярным фильмам. Сочинением
саундтреков не брезговали и «серьёзные» композиторы: например, Сергей
Прокофьев писал музыку к историческим эпосам Сергея Эйзенштейна. В 30-
е — 40-е особой известностью пользовались песни и оркестровая музыка
Исаака Дунаевского, который писал в основном для фильмов Григория
Александрова. Он работал в самых разных жанрах: от помпезных маршей до
модного джаза. В «эпоху застоя» появилось новое поколение
кинокомпозиторов: Владимир Дашкевич («Шерлок Холмс»), Микаэл
Таривердиев («Семнадцать мгновений весны», «Ирония судьбы, или С
лёгким паром!»), Алексей Рыбников («Юнона и Авось»), сын Исаака Максим
Дунаевский(«Ах, водевиль, водевиль», «Мэри Поппинс, до свидания!», «
Д'Артаньян и три мушкетера», «Гардемарины, вперед!»), Александр Зацепин
(«Бриллиантовая рука», «Кавказская пленница», «Иван Васильевич меняет
профессию» и других фильмов) и другие.
В 1956 году в советском кино появляется музыка композитора Эдуарда
Колмановского. В 1972 году в фильме «Большая перемена» прозвучал
романс «Чёрное и белое» в исполнении Светланы Крючковой.
Начиная с 70-х в советских саундтреках все чаще встречается ранняя
электронная музыка. Пионером советской электроники был кинокомпозитор
Эдуард Артемьев, известный в первую очередь по научно-фантастическим
фильмам Андрея Тарковского. Его композиции в жанре амбиент появились
раньше, чем сам этот термин был введён Брайаном Ино в 1978 году.
11
 Отдельную категорию составляли песни из фильмов и мультфильмов
для детей. Они писались на легкие, запоминающиеся мелодии, обычно на
заранее сочиненные тексты, поэтому роль поэта-песенника здесь была особо
высокой. Известные композиторы, писавшие для детей — Геннадий Гладков
(«Бременские музыканты», «По следам бременских музыкантов», Как
Львёнок и Черепаха пели песню), Алексей Рыбников («Приключения
Буратино», Про Красную Шапочку), Евгений Крылатов (Приключения
Электроника, Гостья из будущего, Чародеи), Григорий Гладков
("Пластилиновая ворона, Кубик совместно с Юрием Чернавским). Наиболее
заметные поэты-песенники — Юрий Энтин и Михаил Пляцковский.
Музыка в кино призвана творить атмосферу. Каждому жанру свой
стиль. Многие молодежные группы становились популярными благодаря
своим композициям, написанным в качестве саундрека к популярным
фильмам. Многие ужастики и триллеры еще больше «растягивают» наши
нервы напряженной, порою режущей уши музыкой. Барабанная дробь часто
предсказывает появления приведения или маньяка из-за стены. Крутая рок-
музыка в конце боевика как бы намекает, что враги повержены, а главный
персонаж — герой. А вот ласково-медленные мотивы мелодрам заставляют
слезные железы работать еще интенсивнее. Часто именно музыка становится
главным плюсом картины. И актеры не очень, и сценарий так себе, и такое
чувство, что режиссёр только колледж закончил, а фильм нравится. Часто и
ранее неизвестные коллективы и певцы становились известными, после
работы в известной картине.
У каждого всемирно известного режиссера свои предпочтения в
музыке. Услышав только заглавную песню можно догадаться, чьих рук это
творение. Взять только таких режиссеров как Тарантино и Кустурица.
Саундтреки к их фильмам уникальные. Многие создатели фильмов для
нагнетания обстановки используют диссонанс картинки и звука. Например,
Стенли Кубрик в своей картине «Заводной апельсин» использовал музыку
Моцарта. Классика еще резче смогла показать всю жестокость, о которой
повествуется в фильме.
Джингл — музыкальный или вокальный продакшн-элемент
оформления радио или телеэфира. Джингл представляет собой короткую
законченную музыкальную фразу с вокальной пропевкой. Бо́льшая часть
джинглов носит идентификационный характер, то есть позиционирует
станцию в эфирном пространстве. Пример текстового контента джингла: «Вы
слушаете X на частоте Y» или «Радио T на волне K». Хронометраж
варьируется от 3 до 30 секунд. Вокальная пропевка — чаще всего
многоголосье, с названием радиостанции и/или её частоты, наименования

12
программы на радио или телевидении. В случае рекламного характера
джингл может содержать название бренда и слоган.
Создание джинглов — это сложный и кропотливый процесс,
требующий высокой квалификации работников. Над созданием джинглов
трудятся композитор, аранжировщик, звукорежиссер, а также дикторы и
вокалисты. В некоторых случаях музыкальная основа джингла создается с
помощью музыкальных библиотек.
Джингловый пакет (от англ. jingle package) - эфирный пакет
радиостанции, представляющий собой совокупность джинглов и других
продакшн-элементов, оформленных в соответствии с музыкальным
форматом радиостанции и ее позиционированием на рынке. Обычно в состав
джинглового пакета входят вокальные джинглы, голосовые свиперы,
заставки к утреннему и вечернему шоу, отбивки для рубрик, подложки для
новостных блоков.
По длительности джинглы делятся на: длинные, средние и короткие.
Длинный джингл, или рамп (от англ. ramp — уклон), является переходным по
текстуре и настроению. Состоит из музыкального отрезка, вокализа,
вокальной пачки и звуковых эффектов. Также может присутствовать голос
диктора. Длительность — до 30 секунд. Средний (основной) джингл состоит
из музыкального отрезка, вокала и звуковых эффектов. Также может
присутствовать голос диктора. Длительность — до 15 секунд. Короткий
джингл, или шотган (от англ. shotgun — дробовик), базируется на вокальной
пачке и звуковых эффектах. Длительность — от 1 до 3 секунд. Транзишн
(англ. transition — переход) — джингл предназначенный для смены темпа и
настроения при переходе от одной песни к другой. Характеризуется схемами:
fast-to-slow, slow-to-fast, mid-to-slow, fast-to-mid и т. д.
Исполняемые в ритмичной манере рекламные слова, запоминающиеся
звуки, мелодия (чаще всего - положенные на музыку слова), периодически
повторяющиеся в коммерческой рекламе. Джингл призван привлекать
внимание слушателей, и является идентификатором рекламных сообщений
определенной компании. От рекламного девиза - слогана, джингл отличается,
прежде всего, наличием в нем музыкальной составляющей. Если слоган
можно произнести с разной интонацией и от этого его смысл не изменится ,
то джингл в произвольном произношении утратит практически всю свою
индивидуальность. В русском языке распространилось несколько ошибочное
толкование джингла — рекламный ролик на радио.
Как правило, джинглы являются неотъемлемой частью музыкального
оформления и могут преобразовываться в зависимости от поставленной
задачи и характера рекламной компании.

13
 Применение джинглов в составе аудио или видеороликов придаст
рекламному сообщению более яркий образ и создаст необходимое
настроение, благодаря этому ролик выделяется среди других и его легко
запомнить. Ко всему прочему, джингл для рекламы может быть эффективно
использован в составе музыкального оформления выставок, презентаций, а
также в видеоматериалах компании. Не секрет, что аудиореклама должна
быть максимально эффективной и легко запоминаться, оставляя о себе
хорошее впечатление. Чем рекламное сообщение ярче и выразительнее, тем
лучше оно запоминается и эффективнее работает, благодаря этому, большее
количество слушателей начинает воспринимать сообщение.
Современное продолжение «фоновой музыки» Эрика Сати воплотилось во
множестве музыкальных направлений, которые продолжают свое
существования в настоящее время, а также развиваются и дополняются ешё
более разнообразными стилевыми вариациями в современной музыкальном
искусстве.

14
 Список использованных источников:
1. Атмосферная и ненавязчивая: как звучит музыка в стиле эмбиент и кто ее
исполняет [Электронный ресурс]. – Режим доступа: https://www.m24.ru. –
Дата доступа: 14.01.2021.
2. Аудиореклама: специфика, особенности разработки и производства
[Электронный ресурс]. – Режим доступа: http://internet-advance.ru. – Дата
доступа: 14.01.2021.
3. Влияние звука на эстетику кинематографа [Электронный ресурс]. – Режим
доступа: https://megalektsii.ru. – Дата доступа: 14.01.2021. 4. История музыки
в стиле лаунж [Электронный ресурс]. – Режим доступа: http://mediam.by. –
Дата доступа: 14.01.2021.
5. Лаунж: история музыки, которая расслабляет [Электронный ресурс]. –
Режим доступа: https://artifex.ru. – Дата доступа: 14.01.2021.
6. Музыкальный минимализм в кинематографе: метаморфозы времени и
самоявление звука / Ю.В. Михеева // Вестник ВГИК. – 2013. – № 17. – С. 43–
51.
7. Эксцентричный пророк скуки. Фонометрография Эрика Сати
[Электронный ресурс]. – Режим доступа: http://concepture.club. – Дата
доступа: 14.01.2021.

15