1.3.

Педагогические условия и модели формирования музыкальной

культуры китайских студентов
бт
1.2. Музыкальная культура студентов китайских вузов: критерии
сформированности.
Образовательный процесс в ВУЗах Китая в настоящее время требует
внедрения в образовательный процесс инноваций, реформирования
технологий обучения. Такая задача требует мониторинга образовательного
процесса и его результатов с помощью диагностических методик.
Диагностические методики являются совокупностью познавательных
усилий, служащих принятию актуальных педагогических решений.
С точки зрения формирования музыкальной культуры целью
диагностики является уровень ее сформированности, показателями которых
являются следующие критерии:
1. Коммуникабельность – мотивация, заинтересованность и активность;
2. Межкультурная коммуникация – эмпатия и толерантность;
3. Взаимосвязь музыки с национальной культурой;
4. Взаимосвязь музыки и ритмопластики;
5. Восприятие музыкального произведения – осознание и понимание.
Коммуникабельность представляет собой умение человека вступать в
контакт с другими людьми и проявлять активность в данных действиях.
Коммуникабельность проявляется в сотрудничестве, обмене информацией,
умениями, знанием, опытом, ценностями, навыками между представителями
разных культур.
Мотивация представляет собой совокупность мотивов, которые
определяются поведение человека.
Заинтересованность представляет собой проявление познавательной
потребности человека, которая обеспечивает его мотивацию на осознание
целей деятельности, результатом чего становится накопление новых знаний и
расширение эстетического кругозора личности.
Активность представляет собой такое состояние человека, при котором он
стремится к творчеству и проявлению творческих способностей.
Межкультурная коммуникация рассматривается как связь и общение
между представителями различных культур, что предполагает как личные
контакты между людьми, так и опосредованные формы коммуникации. Она
призвана для того, чтобы в педагогическом процессе были созданы такие
условия, при которых студенты соотносят себя не только со своей
этнической общностью, но и с другими культурами, испытывая при этом
симпатию и стремление найти способы взаимодействия при коммуникации,
желание сотрудничества несмотря на различия.
Готовность студентов к диалогу раскрывается через эмпатию и
толерантность.
Толерантность представляет собой социально-психологическое качество
личности, которое означает терпимость, снисходительность к другому, даже
если он не оправдывает чьи-то ожидания; важное профессиональное качество
преподавателя.
Эмпатия означает умения поставить себя на место другого, способность
переживать за другого человека. Стоит отметить, что эмпатия привносит
баланс в межкультурные и межличностные отношения и эмоциональную
оценку собственных поступков.
Исследования о музыке породили различные убеждения, взгляды и
теории, которые исследуют ее природу и значение. Повторяющейся темой в
ранней литературе по этой теме является мнение о том, что особый
культурный контекст, который окружает особую музыкальную практику,
влияет на музыку, производимую в этих культурных границах. Более поздние
отчеты о том, как на изучение и преподавание музыки влияют социально-
культурные особенности, и наоборот, обсуждали, как продолжающееся
воздействие глобализации создает новые и инновационные музыкальные
практики во всем мире.
Неттл согласился с тем, что «посредством процесса культивирования
каждый социальный порядок развивает свои институты и артефакты для
увековечения себя, а существование музыки является одной из немногих
вещей, общих для всех культур», подчеркнув, что музыка, как общий
элемент для всех культур, может быть точкой контакта в определении
культурных и социальных основ любого общества.
Более ранние работы Харвуда также исследовали это понятие,
предполагая, что «музыка функционирует символически несколькими
способами». Они включают в себя ожидания исполнителей и аудитории,
стандарты суждения, соответствующие культуре, контекст, соответствующий
спектаклю, и способ восприятия слушателем мира в целом.
Такие условия вполне могут применяться к преподаванию музыки в
классе, поскольку оно связано с общепринятыми и культурно
обусловленными ожиданиями, стандартами, соответствующим контекстом и
оценками восприятия. Принимая это, важно признать культурное влияние и
уникальное взаимодействие между многими ролями, очевидными в процессе
создания музыки и обучения. Мерриам поддержал эту точку зрения, заявив,
что «музыка является продуктом человека и имеет структуру, но ее структура
не может существовать сама по себе в отрыве от поведения, которое ее
производит». Он считал, что для того, чтобы воспринимать музыку как
организованный звук, необходимо понимать поведение, вовлеченное в ее
производство, и значение, лежащее в основе этого поведения.
Есть также некоторые свидетельства того, что элементный подход может
оказать пагубное влияние на результаты учащихся. В частности, Уокер
утверждал, что «только концентрация на музыкальных элементах и техниках
исполнения без понимания того, что такое музыка, заставляла некоторых
студентов скучать и отчуждаться». Кроме того, элементная структура для
понимания музыки может скрывать другие важные явления. Смит утверждал,
что использование элементарного подхода «неизбежно лишает студентов
потенциально захватывающих и поучительных возможностей для обмена
музыкой межкультурно, а не просто с западной точки зрения ...». Пратт
предоставил расширенный список элементов, которые они назвали «сырьем»,
которые составляют такие идеи, как организация поля, пространство и
плотность. Они представляют более широкие представления о том, что такое
музыкальные элементы, и Пратт критиковал общее представление о других,
более общих аспектах музыки. Эллиот и Сильверман подчеркнули, что
важно признать, что предшествующие общие элементы, составляющие
музыку, являются «особенностями некоторой музыки, но они не являются
необходимыми характеристиками всей музыки».
Восприятие музыкального произведения включает в себя проверку умений
студентов понимать характер музыкального произведения, особенности
музыкального ряда и его национальные особенности. Такой подход требует
творческого отношения к музыкальному материалу. Деятельность студентов
должна быть направлена на усвоение содержания музыкального
произведения и формирования представления о самом произведении, а также
о его авторе и исполнителе.
Образ в музыкальном искусстве почти всегда наполнен определенным
эмоциональным содержанием, которое отражает эмоциональную реакцию
человека, так как вне эмоций музыки нет, равно как и музыкального
мышления.
Таким образом, указанные критерии и показатели предоставляют
возможность определить степень сформированности музыкальной культуры
студентов, которые оцениваются по трем уровням:
1. Высокий уровень. Высокий уровень сформированности музыкальной
культуры предполагает осознание, уважение и приятие культурных
достижений разных народов, что способствует межкультурному
общению. У студентов проявляется большой интерес к музыкальному
искусству, вовлеченность в творческий процесс и способность к
музыкальной деятельности.
2. Средний уровень сформированности музыкальной культуры
характеризуется осознанием многообразия культур, но при этом
студенты не проявляют должного участия в их восприятии. У
 студентов со средним уровнем музыкальной культуры наблюдается
позитивное отношение к музыкальной деятельности, устойчивая
потребность в диалоге культур, частично выраженная способность к
творческой музыкальной деятельности, эпизодическое стремление к
музыкально-исполнительской деятельности, потребность в общении с
музыкальным искусством, осознание значимости творческой
деятельности, владение знаниями по всем разделам профессионального
музыкального образования, высокая активность, интерес к
деятельности, а не только к ее результатам.
3. Низкий уровень предполагает общее представление о многообразии
национальных культур, но при этом обнаруживается полное безразли-
чие по отношению к другим культурам и к иным народам, учащийся не
считает для себя важным восприятие музыкальной культуры как нормы
профессионально-личностного становления, не стремится к
культуротворчеству.
В общем, музыку можно рассматривать как звуковое оформление, которое
усиливает атмосферу события, или ее можно использовать для повышения
музыкальной культуры. Другая важная роль музыки заключается в
сопровождении спортивных упражнений, которые включают в себя элементы
хореографии, такие как художественная гимнастика, синхронное плавание,
фигурное катание, боевые искусства и так далее. Акробатические навыки или
определенные движения, без сомнения, вносят основной выигрышный
фактор, но корреляция между хореографией и музыкой косвенно влияет на
весь процесс обучения. Несмотря на это, музыкальный подход к
ритмопластике во многом зависит от учителя и ученика и понимание
музыкальных элементов становится главной задачей.
Среди различных видов спорта, возможно, художественная гимнастика имеет
наиболее тесную связь с музыкой, которую мы можем проследить обратно к
пластике, разработанным швейцарским композитором и музыкальным
педагогом Эмилем Жак-Далькрозом в конце 19-го века. Эвритмия по методу
Далькроза, подчеркнутая движением, в котором ритм и движение тела
являются основой музыкальной выразительности и музыкальной педагогики.
Наблюдать за сеансом Далькроза — это одно. Обычно можно увидеть группу
людей в большом пространстве, босыми ногами, двигающимися под музыку,
либо импровизацией на фортепиано учителя или записи, либо иногда другим
инструментом, таким как барабан. Участники будут отвечать на свои
собственные условия или в соответствии с инструкцией от учителя /
практикующего. Они будут общаться невербально, поскольку они вступают в
контакт с другими через зрение, прикосновение или с помощью какого-либо
предмета, такого как мяч, клюшка, обруч, веревка или эластичный шнур, все
время синхронизируя свои движения, дозируя свою энергию и используя
пространство и ритм музыки. Время от времени будет пение или другие
формы вокализации, спонтанные или иные; в других случаях участники
могут участвовать в творческой групповой работе, чтобы разработать
последовательности движений в ответ на часть репертуара. Можно
почувствовать глубокую связь между движителями и музыкой, даже желание
присоединиться.
Однако испытать сеанс Далькроз — это совсем другое. Сенсомоторная
система будет постепенно оживляться с помощью подготовительных
упражнений, а студент будет использовать зрение, слух, осязание и голос, а
также вестибулярную систему, кинестезию, пространственное осознание и
чувство собственного ощущения себя и своего тела. Движение человека -
сосредоточение на одной части тела или целом - в некоторой степени будет
увлечено музыкой.
Ритмопластика Далькроза — это практика с долгой историей и широким
географическим охватом. В то время как Жак-Далькроз использовал слово
«метод», его ритмопластика не является «методичным» в том смысле, что
учителям и ученикам приходится двигаться в определенной
последовательности действий, отраженной в учебниках.
Однако в настоящее время происходит концептуализация, это факт, что
практика была адаптирована для различных целей на протяжении всей своей
истории, процесс, который продолжается и сегодня. Жак-Далькроз говорил о
пяти составляющих ритмопластики: «музыка, движение, театр, искусство в
образовании и терапия». Эта междисциплинарность является результатом
происхождения ритмопластики в контекстах, где эксперименты в целостной
педагогике и исполнительских искусствах были глубоко переплетены, а их
результаты использовались в различных сферах, начиная от спорта и
заканчивая педагогикой.