Стили и первые школы в

дизайне

Подготовила студентка
курса 1ГД-4. Кондратьева
Элеонора
Стили в дизайне
Модерн

Модерн — художественное
направление в архитектуре,
декоративно-прикладном и
изобразительном  искусстве, Яркие представители модерна:
распространённое в последнем ▹ Уильям Моррис
десятилетии XIX — начале XX ▹Земплер
века (до начала Первой ▹Джон Рескин
мировой войны). Основная ▹Микаэль Тоннет
художественная идея, ▹Рене Макинтош
доминировавшая в этот период ▹Эмиля Галле
—поиск гармонии искусства и ▹Антонио Гауди
жизни в промышленную эпоху. ▹ Анри ван де Вельде
Стиль модерн начинается с ▹Эжен Валлин
RED HOUSE ( принцип: от
замысла, к мелким деталям).
 Уже предыстория модерна предопределила
ведущую роль Англии на раннем этапе развития
Основные течения искусства стиля. Истоки стиля можно увидеть в творчестве
модерна : Уильяма Морриса.

Но главную роль в этом процессе сыграли

▹флореальное, или АР-НУВО художественные журналы.
▹неоромантическое (национально-
романтическое)
Так, в 1882 г. была организована художественная
▹ неопластицизм, или органическая студия “Гильдия века” художниками А. Макмардо,
архитектура С. Имейджем, У. Крейном при участии Ф. Уэбба и
Н. Шоу. 3
▹рациональное, или геометрическое
▹Неоклассицизм “Гильдия” издавала свой журнал “Конёк”.
Кроме того, в “Гильдии” выполнялись проекты
оформления интерьеров, изготавливались мебель,
ткани, обои, светильники.
Все эти течения объединяло общее
мировоззрение, отличающееся, с одной стороны,
растерянностью, духовной усталостью, кризисом Макмардо был редактором и главным
идеалов, а с другой стороны, – поисками художником журнала
“большого стиля”
 Новая фигура появляется в 80-х гг. –
Чарльз Рене Макинтош (1868-1928 гг.).

Во время учебы в Глазго в Школе искусств

он встретился с Гербертом Макнейром и
двумя сестрами – Маргарет и Фрэнсис
Макдональд, позже основавших Глазго-
школу. Они выработали свой неповторимый
стиль, основанный на жестких прямых
линиях и строгих прямоугольных формах,
значительно отличавшийся от АР-НУВО, –
рационалистическое, или геометрическое 4
течение модерна

В 1897-1909 гг. Макинтош возводит

здание художественного училища в 
Глазго –  массивный, резко очерченный
объем, врезанный в холм. В здании
Макинтош применил свой способ
проектирования “изнутри наружу”, при
котором рисунок фасада отражает
функциональное назначение внутренних
помещений.
 5

 Задние художественного училища в  Глазго .Год постройки 1897-1909. Возведено по проекту Макинтоша .
 6

Чарльз Ренни Макинтош, Хилл-хаус (1902 – 1904).

 7

Стул Argyle, 1903–1905, дизайнер

Чарльз Ренни Макинтош (1868–
1928), изготовитель Cassina.
 8

Интерьеры архива Ницше в Веймаре, автор проекта — Анри ван де Вельде.

 9

Стул в стиле ар-нуво, спроектированный

Анри ван де Вельде (1863–1957), Брюсель,
1898, Бельгия, XIX век.
 10

Коридор первого этажа с параболическими

арками, школа при монастыре Святой Терезы
в Барселоне. Архитектор Антонио Гауди.
 Германский Веркбунд
В Германии были созданы первые бюро
дизайнерского типа в крупнейших
промышленных фирмах и межведомственные
производственные союзы, объединившие
художников, промышленников и экономистов.

В 1906 году в Дрездене прошла III Немецкая

выставка художественных ремёсел, которая
убедительно показала, что на смену
экспрессивному югендистилю приходит более
11
строгий художественный язык, в котором
главное значение придаётся конструктивным и
функциональным качествам изделий

Наиболее известными и значительными

деятелями Веркбунда являлись:
Анри Ван де Вельде, Питер Беренс, Вальтер
Гропиус, Бруно Таут, Людвиг Мис ван дер Роэ.

Членами Веркбунда были Эль Лисицкий и

Александр Родченко.
 12

Адольф Лоос, Дом Жозефины Бейкер. 1927

 13

Г. Мутезиус. Столовая в доме Фреденберга, 1912

.
 14

Кресла дизайна Адольфа Лооса 1930.

 15

Питер Беренс. Афиша выставки Веркбунда в

Кельне 1914.
 16

Витрина магазина «Тропон», фотография из ежегодника Веркбунда

.
 Питер Беренс 1868-1940 гг.
Крупнейший немецкий архитектор и
дизайнер, один из основоположников
современного дизайна.
В 1907 г. Беренс принял предложение
стать советником концерна «AEG» и
впервые в истории провёл его полный
«ребрендинг», спроектировав в
едином стиле не только заводские и
офисные здания, но и точки розничной
продажи, офисную мебель,
рекламные щиты, продукцию (фены, 17
вентиляторы), упаковку и проч.

Один из учредителей Немецкого
Веркбунта, объединения архитекторов,
ставящих целью реорганизацию
строительства и художественных
ремёсел на современной промышленной
основе. Отстаивал
принципы функционализма, а также
использование современных
материалов — стекла и стали.
 18

П.Беренс. Германское посольство в Петербурге, 1911

 19

П. Беренс. Турбинная фабрика фирмы "АЭ1" в Берлине. 1909.
 20

Дизайн чайников Петера Беренса

 21

Рекламные плакаты чайников Петера Беренса

Группа "Де Стейл"

Де Стейл- художественное движение , которое

объединило идеализм и функционализм, эстетический
аскетизм и универсальный подход к искусству,
архитектуре и дизайну.
Одним из важных факторов появления Де Стейл стала
Первая мировая война и изоляция Голландии, которая
сохранила нейтралитет и оказалась отрезана от мира
на несколько лет

Представители группы «Де Стейл»:

▹ Тео Ван Дусбург
▹Пит Мондриан.
▹ Геррит Ритвельд.
▹Вильмош Хусар
▹Геррит Ритвельд

Обложка журнала "Де Стейл"

История появления группы
В октябре 1917 года в нидерландском Лейдене тоже произошла
своего рода революция: художник и архитектор Тео ван Дусбург
выпустил первый номер журнала De Stijl. Это была платформа,
где транслировались идеи одноименной художественной группы.
О многом говорило само название: De Stijl переводится просто как
«Стиль» — сложно придумать что-то более лаконичное; второе же
значение слова — «опора, подпорка» — намекало на некую
незыблемую основу конструкции, столярные соединения деталей.
Вместе с ван Дусбургом костяк группы составляли художник Пит
Мондриан, которого болезнь отца вынудила вернуться
из Франции, а война надолго задержала дома, и архитектор
Геррит Томас Ритвельд, присоединившийся к движению в 1918-м
Они провозглашали революционную, бескомпромиссную эстетику,
которую Мондриан назвал «неопластицизмом»: визуальная
чистота, простейшие формы и прямые углы, вертикальные и
горизонтальные линии, никаких декоративных излишеств, только
основные цвета плюс белый, черный и серый. Проще говоря, все
как на картинах Мондриана того периода. Во многом художники
вдохновлялись идеями теософа Шенмакерса, который считал, что
из геометрического искусства родится новый рацио­нальный мир.
 Ван Дусбург- шестнадцать принципов будущей архитектуры
В 1924 году Ван Дусбург, соответственно идеям группы, сформулировал
шестнадцать принципов будущей архитектуры:
▹ — форма должна быть независимой от предыдущих стилей;
▹ — архитектура должна развиваться суммированием самостоятельных
элементов, к которым относятся функция, масса, поверхность, время,
пространство, свет, цвет и материал;
▹ — архитектура должна быть экономной в отношении средств проектного
языка;
▹ — постройка должна быть функциональной;
▹ — здание должно состоять из отдельных плоскостей, которые являются
порождением одной идеи и выполняют общую функцию;
▹ — монументальность возникает независимо от расположения и масштаба;
не существует зависимости большого от малого и малого от большого; есть
лишь взаимосвязь между всеми элементами;
▹ — в архитектуре не должно быть пассивных элементов, отныне все
архитектурные элементы могут без всяких ограничений распределяться в
пространстве;
▹ — архитектурное сооружение синтезирует в себе все искусства и
раскрывает их истинную природу, оно не допускает никаких картин или
скульптур, изображающих что-либо; в архитектуре должно содержаться
все, что поистине необходимо.
▹ — четвертое измерение, или пространственно-временной фактор, в
архитектуре достигается единством пространства и времени, отчего
архитектура приобретает истинно пластическое качество;
▹ — принципиальные различия между «внутри» и «снаружи» более не
существуют, стены становятся прозрачными, а свободная планировка
создает условия для совмещения внутреннего и внешнего пространств в
одно целое;
▹ — расчлененность и «антикубичность» осуществляются с помощью
подвижных перегородок и висящих поверхностей (балконов), создающих
совершенно новую пластическую выразительность;
▹ — архитектура должна устранить монотонные повторения,
симметричность и стандартность элементов;
▹ — вместо симметрии предлагается сбалансированность архитектурных
частей;
▹ — архитектура призвана демонстрировать тождественность
конструктивности и эстетичности;
▹ — новая архитектура должна покончить с живописью в качестве
отдельного искусства; этот вид искусства вольется в архитектуру и тогда
необходимость в живописной картине отпадет сама собой;
▹ — с помощью цвета создается четвертое измерение, поскольку он
выражает отношение между пространством и временем; цвет в
архитектуре не является декоративным элементом, он служит
органической средой выражения;
Творчество выдающихся деятелей группы де Стейл

26

Дом Шрёдер в Утрехте по проекту Геррита Ритвельда 1924.

 27

Стул Red and Blue, Геррит Ритвельд 1924.

 28

Вильмош Хусар, Геррит Ритвельд. Макет пространственной композиции на Большой художественной

выставке в Берлине. 1923.
 29

Интерьер Дома Шрёдер по проекту Геррита Ритвельда.

 Наследие и значение в истории дизайна
После смерти Тео ван Дусбурга в 1931 году группа прекратила свое
существование, но дело её было живо. Движение не просто заложило
основы голландского модернизма — оно оказало влияние на советский
конструктивизм и немецкий Баухауз. Этот яркий художественный
эксперимент по эстетическому самоограничению показал авангардистам
начала XX века, что самые смелые теоретические идеи можно и нужно
воплощать в полотна, дома, стулья и журнальные страницы.
Функционализм
и
Конструктивизм
Американский Функционализм

 Течение в американской архитектуре, оформлении интерьера и

мебели начала ХХ века. Функционализм сформировался на
основе движения конструктивизма и авангардного искусства 1910
—1920-х годов и оформился в качестве самостоятельного течения
в 1930-х годах. В отличие от конструктивизма, отражавшего,
утопические концепции и идеалистические представления, в
границах функционализма архитекторы решали конкретные
утилитарно-конструктивные задачи по формуле: функция —
конструкция — форма — качество.
На рубеже 19-20 вв. заметным явлением стала архитектура США –
высотные конторские дома и отдельные односемейные коттеджи,
оснащенные новейшими средствами жизнеобеспечения. Дизайнерский
бум начался в США только в конце 20 –х годов и достиг своего первого
пика во время проведения Всемирной выставки в Нью –Йорке (1939-1940).
Тем не менее в раннем американском функционализме видят
универсальную модель развития «дизайна для всех». Небоскреб стал
наглядным символом превосходства американской экономики. Наиболее
свободным от традиций европейской архитектуры было направление,
возникшее в к. 70-х годов в Чикаго под названием Чикагской школы, где
были разработаны принципы постройки многоэтажных зданий из легкого и
прочного стального каркаса и больших остекленных плоскостей. Впервые
в 19 веке был преодолен разрыв между формой и конструкцией, между
инженером и архитектором. Впервые американское бытовое
оборудование было представлено на Всемирной промышленной
выставке в Лондоне в 1851 году.
В официальном французском отчете о выставке 1876 года отмечается, что
в Америке создан новый стиль, который проявляется во всех формах
прикладного искусства. На примере мебели его отличия в характерном
использовании плоских поверхностей при меньшем количестве деталей

Американские художники и архитекторы искали новые формы, созвучные

времени и характеру индустриального производства 
Таким образом, началось становление новой профессии - дизайнера .
 
Франк Ллойд Райт 1867-1957 гг.
Общепризнанный патриарх американской
архитектуры Франк Ллойд Райт, автор более
сотни проектов жилых домов, ряда
административных и общественных зданий,
среди которых известный «Дом над
водопадом» для Э. Кауфмана (1936), музей
Гуггенхейма в Нью- Йорке. Он оставил после
себя немало книг, статей, записей лекций,
именуя конец 19 века веком стали и пара. Он
утверждал, что дизайнеры должны создавать
прототипы изделий массового машинного 34
производства, предварительно изучив
технологию современного производства и
свойства материалов. Промышленный дизайн
как самостоятельная профессия впервые
появился в Америке, где формирование
общества массового потребления началось
раньше, чем в Европе. Такие потребительские
товары, как автомобили, стиральные машины,
холодильники, радиоприемники, бытовые
электроприборы в 20-е годы стали доступны
большинству американцев, благодаря чему
значительно ускорился темп жизни.
 35

Фрэнк Ллойд Райт - Дом над водопадом, 1935.

 36

Фрэнк Ллойд Райт, музей Гуггенхайма в Нью-Йорке Проект.

Чикагская архитектурная школа
Наиболее свободным от традиций европейской архитектуры было
архитектурное направление, возникшее в конце 70 гг. в Чикаго и
известное под названием Чикагской школы .
Используя строительную технику, уже апробированную на
промышленных пакгаузах, архитекторы чикагской школы
попытались заменить несущие стены стальной конструкцией 
В Чикагской школе были разработаны новые принципы постройки
многоэтажных "конторских"' зданий с использованием легкого и
прочного стального каркаса и больших остекленных плоскостей.

Основатель Чикагской школы -

Уильям ле Барон Дженни (1832-1907)

Луис Салливен (1856-1924)- архитектор, публицист,

является одним из самых известных представителей
Чикагской школы
 Уильям ле Барон Дженни (1832-1907)
Американский архитектор и инженер-градостроитель,
известный в первую очередь как «отец небоскрёба» и
создатель первых зданий этого типа. Основатель
Чикагской школы. 
В 1869 году в соавторстве с Сэнфордом
Лорингом выпустил книгу «The Principles and Practice of
Architecture» (Принципы и Практика Архитектуры). Этот
труд привлёк к архитектору внимание бизнес-
сообщества. Далее, до конца жизни, он занимался
высотным строительством и решением связанных с ним
проблем, на момент начала его деятельности
казавшихся современникам абсолютно неразрешимыми 38
(кроме 1876 года, когда находящийся в «творческом
отпуске» Дженни преподавал в Университете Мичигана).
Имел учеников, в том числе в Чикаго. Наиболее
известными из них впоследствии стали архитекторы
William Holabird, Martin Roche, Daniel Burnham, John W.
Root и Louis Sullivan. 
Дженни впервые соединил воедино все четыре
обязательных элемента небоскреба: 
высокую этажность 
стальной «скелет» 
материалы, препятствующие распространению пожаров 
использование лифтов вместо лестниц. 
 39

Хоум-иншурэнс-билдинг. Уильям ле Барон Дженни. Чикаго, штат Иллинойс, США, 1886.

 40

Auditorium Building. Луис Генри Салливан Совместно с архитектором Адлером Данкмаром. Чикаго, штат
Иллинойс, США, 1889.
 41

Интерьер Auditorium Building. Луис Генри Салливан Совместно с архитектором Адлером Данкмаром.
Чикаго, штат Иллинойс, США, 1889.
 42

М.Брейер. Уивер билдинг в Вашингтоне, 1968. Здание типично офисной структуры.

 43

Нант-Резе, многоквартирный дом. Детский сад на крыше. Ле Корбюзье.

 44

Здание «Баухауз» в Германии, Дессау. Архитектор В. Гропиус.

Наследие и значение американского функционализма в
истории дизайна
Американский дизайн является реальным примером того, как участвуют
дизайнеры в многообразной профессиональной деятельности, в
различных культурных инициативах. Дизайн США генерировал
некоторые общемировые тенденции развития проектной культуры. Он
стал органичной частью как коммерческой, так и промышленной
деятельности.
Констурктивизм

Конструктивизм — направление в
изобразительном искусстве,
архитектуре, фотографии и
декоративно-прикладном искусстве,
зародившееся в 1915 году и
существовавшее в течение первой
половины 1930 годов в СССР, затем
в ряде других стран, прежде всего,
в Германии и Голландии

Яркие представители:
Борис Гордеев 
Борис Иофан 
Иосиф Каракис 
Михаил Кондратьев 
Ле Корбюзье 
Иван Леонидов
Эль Лисницкий
 Особенности стиля
Характеризуется строгостью, геометризмом, лаконичностью форм и
монолитностью внешнего облика. В архитектуре принципы
конструктивизма были сформулированы в теоретических выступлениях
А. А. Веснина и М. Я. Гинзбурга, практически все они впервые воплотились
в созданном братьями Александром, Виктором и
Леонидом Весниными проекте Дворца труда в Москве (1923) с его чётким,
рациональным планом и выявленной во внешнем облике конструктивной
основой здания (железобетонный каркас). В 1926 году была создана
официальная творческая организация конструктивистов — Объединение
современных архитекторов (ОСА). Данная организация являлась
разработчиком так называемого функционального метода проектирования,
основанного на научном анализе особенностей функционирования зданий,
сооружений, градостроительных комплексов. Характерные памятники
конструктивизма — фабрики-кухни, Дворцы труда, рабочие клубы, дома-
коммуны. 
Применительно к зарубежному искусству термин «конструктивизм» в
значительной мере условен: в архитектуре он обозначает течение
внутри функционализма, стремившееся подчеркнуть экспрессию
современных конструкций, в живописи и скульптуре — одно из направлений
авангардизма, использовавшее некоторые формальные поиски раннего
конструктивизма (скульпторы Н. Габо, А. Певзнер). 
В указанный период в СССР существовало также литературное движение
конструктивистов. 
Помещения в эпоху Конструктивизма, эпохи нового века и нового времени,
преобразились. Исчезло понятие в интерьере «деление на зоны», исчезли
лишние стены-перегородки, пространство комнат стало просторней,
предпочтение отдавалась передвижным перегородкам , а не отдельным
небольшим комнатам и коридорам. В формах мебели преобладали
прямоугольные плоскости и четкие линии, окна от пола до полка, что
создавало ощущение движения вперед, к новому и неизведанному.
Минимальный декор и максимальная функциональность, отсутствие
орнамента и сияние металла, цветовая гамма : черный, белый, красный,
желтый, синий – это стиль Конструктивизм.
Простота Конструктивизма доводится до предела, до такого упрощения,
когда вещи – стулья, кровати, шкафы – становятся просто предметами для
сна, сидения. По сравнению с предшествующими стилями, например
Барокко и Ампиром, Конструктивизм выделяется отсутствием лепного
декора. Широко используются встроенные ниши, подсветки.
 49

Эль Лисицкий, Типография журнала «Огонек» 1928.

 50

ДК ЗИЛ, братья Веснины 1937год Москва.

 51

Вилла ля Рош в Париже, Ле Корбюзье 1930.

 Наследие и значение
Конструктивизм в архитектуре зданий проявился в появлении
“функционального жилья” ориентированного на определенных категорий
граждан один из примеров этого появление малогабаритных квартир. В это
время появились первые нормы метража площади помещения, которые
считались наиболее подходящими для жилища рабочего и насаждались как
некий социально-архитектурный идеал. Применение новых технологий того
времени, монолитного бетона, металлического каркаса, сборных бетонных
конструкций, позволил увеличить темп строительства и сократит сроки
постройки зданий. Данная эпоха принесла в дизайн принципы простоты и
гармонии и целостность, некоторые из них актуальны и до сегодняшнего дня .
 Первые школы
дизайна. 20-30-е
годы
 Баухауз
Баухаусз— это самое заметное явление в дизайне
и архитектуре XX века. Существовал он недолго —
с 1919 по 1933 год, — но эффект от его присутствия
оказался настолько мощным, что принципы школы
и стиля bauhaus распространились по всему миру
и стали основополагающими в модернизме. Как результат этой работы возник стиль
Школа сменила трех директоров и три локации, пока «Баухауз». Для промышленных образцов
не пала под натиском нацистского правительства различных предметов в этом стиле
Германии. Учителя и ученики Баухауса продолжили характерны:
свое дело в разных концах планеты, и спустя сто лет 54
стиль баухаус не теряет актуальности 1. сухость линий
2. увлечение конструкцией как таковой
3. массивность.
Деятельность «Баухауза» была сосредоточена на
разработке целесообразных и красивых форм,
процессы изготовления которых строго
увязывались с технологией индустриального
производства, с новейшими конструкциями и
материалами
 “
Чтобы развить чувство
единства форм, я давал
шрифтовые упражнения,
предлагая поработать над
шрифтом и различными
формами, используя
принципы квадрата,
треугольника или круга

55
25 апреля 1919 года в Веймаре открылась Высшая школа
строительства и художественного конструирования — Баухауз.
Ее директором стал Вальтер Гропиус. 
Спустя 4 года после основания Баухауза правительство
Тюрингии (куда входит Веймар) начало активно интересоваться
результатами его работы, возник вопрос о целесообразности
подобного использования денег налогоплательщиков. В 1923
году в Веймаре состоялась выставка работ студентов Баухауза.
 57

Первое здание университета Баухауз в Веймаре, построенное в 1904 году.

Позже баухауз переезжает в Дессау.
Новое здание в Дессау, построенное по проекту Гропиуса,
включало в себя зону с мастерскими и классными комнатами,
сцену и обеденный зал для студентов, административный
сектор, двадцать восемь апартаментов, а также прачечные и
ванные комнаты.
В 1925 году преподаватели и последователи Баухауза
отказались от использования в своих работах прописных букв,
поддержав тем самым шрифт Universal, разработанный
австрийским графическим дизайнером Гербертом Байером.
 59

Баухауз в Дессау 1925.

.
Вальтер Гропиус был директором школы 9 лет, в 1928 году его
сменил ХаннесМайер, руководивший курсом архитектуры.
Гропиус сам выбрал себе преемника. Недопонимание с
муниципальными властями вынудили Мейера покинуть пост уже
спустя 2 года. В 1930 году руководство принял Людвиг Мис ван
дер Роэ.
Мис оставался директором до окончательного закрытия
Баухауза в 1933 году в Берлине, куда школа переехала годом
ранее. Здание школы в Дессау заняла национал-
социалистическая партия.
Педагогические принципы
Гропиус решил, что у студентов Баухауза должно быть по два
наставника по каждому предмету. Мастера и ремесленники
обучали профессии, художники прививали эстетическое
вдохновение и чувство вкуса. 

Поступить в Баухауз могли и мужчины, и женщины. В первые

годы девушки распределялись преимущественно в ткацкие и
текстильные цеха. Гропиус считал, что работа с металлом и
архитектура не подходят женскому типу мышления.

Гропиус сам придумал программу обучения в Баухаузе.

Большая ее часть была связана с ручной работой. Он был
уверен, что ручной и машинный труд не различаются по своей
сути, а отличаются только возможными масштабами
производства. Только человек, знающий ремесло и
работающий с материалами, способен качественно и
профессионально управлять машинами. Он хотел, чтобы
студенты не чертили на бумаге, а работали с материалами и
создавали реальные объекты.
Первая учебная программа Баухауза состояла из трех курсов:
подготовительного, практического и строительного. На
подготовительном студенты изучали основы формы и работы с
материалами. На практическом — занимались ремеслом,
создавали продукцию для массового потребления, детально
изучая проблемы формы и цвета. В каждой мастерской
обучали работе с определенным материалом: камнем,
деревом, металлом, глиной, стеклом, текстилем, цветом. На
строительном курсе подмастерья работали уже на
строительных площадках.

Такой подход к обучению давал ученикам Баухауза

возможность почувствовать радость от создания новых
объектов. Студенты должны были понимать, что их будущее
связано с промышленностью и массовым производством.
Одним из первых преподавателей подготовительного курса
стал швейцарский художник Иоганнес Иттен, которому Гропиус
лично предложил присоединиться к школе. Из Вены, где Иттен
преподавал, с ним приехало шестнадцать учеников, они стали
первыми студентами Баухауза.

Иттен разработал «форкурс» —  новый метод художественного

образования, призванный помочь художнику найти свой путь,
не подавляя его личность.
 63

Йоханнес Иттен занимается с учениками физическими упражнениями на крыше школы, 1931.

.
 64

Композиция из разных по
конрасту форм, Веймар Упражнение на контраст форм Белые и черные круги.
1920 и контраст светлого и темного, Ф. Дикер, Веймар, 1919
Веймар 1920
Баухаус так же активно развивался в других странах.
Например в Палестине, куда эмигрировали из Германии архитекторы-
евреи. В Тель-Авиве наиболее целостно сохранились кварталы,
построенные в стиле Баухаус, в первую очередь на Ротшильд-авеню.
Свыше 4000 строений этого стиля до сих пор можно увидеть в центре
города. Тель-Авив имеет самую большую концентрацию таких строений
в мире. В 2003 году ЮНЕСКО провозгласило «Белый город» Тель-Авива
всемирным культурным наследием за «выдающийся пример нового
градостроительства и архитектуры начала XX века».

Так же школа баухауза развилась в СССР. В феврале 1931 года

бывший директор школы Баухаус Ханнес Майер в сопровождении 7
учеников переехал в Москву. Среди сопровождающих были Б. Шефлер
и Ф. Тольцинер. Всего приехало около 30 специалистов.

Немецкие архитекторы оставили заметный след в строительстве

соцгородков при строящихся заводах в Магнитогорске, Свердловске,
Орске, Перми, Соликамскеи других городах. 

В 1933 году Ханнес Майер представил генеральный план развития

Биробиджана, выполненный в стиле Баухаус, который был воплощён
лишь частично. 

Часть баухаусовцев была репрессирована в СССР (Шефлер,

Тольцинер, жена и сын Майера).
 66

.Музей Баухаус в Тель-Авиве.

.
Известные преподаватели
▹ Герберт Байер,
▹ Йозеф Альберс,
▹ Наум Габо,
▹ Вальтер Гропиус,
▹ Иоханнес Иттен,
▹ Василий Кандинский, 67

▹ Пауль Клее,
▹ Ласло Мохой-Надь,
▹ Людвиг Мис ван дер Роэ,
▹ Лионель Фейнингер,
▹ Оскар Шлеммер,
▹ Герхард Маркс и др.
 68

Пауль Клее и Василий Кандинский за завтраком. Дессау, 1929

 69

Шрифт Universal, разработанный Гербертом

Байером в 1925 году.
 70

Витраж .Йозеф Альберс 1921

 71

 Скульптура Head No. 2 Наум Габо .1916 

 72

Юстус Шмидт Постер к выставке Баухауза в

Веймаре, 1923 
 73

П. Клее. Вычеркнут из списка, 1933

 74

Тео ван Дусбург. Цветная конструкция в

четвертом измерении, 1924
 75

Обложки изданий трудов, издававшихся в

Баухаузе: П. Мондриана ,В.Кандинского,
К.Малевича, Л. Мохой-Надя.
 Известные ученики

▹ Марсель Бройер
▹ Герберт Байер
▹ Макс Билл, Вольс
▹ Пинхас Хитт
▹ Эрнст Нойферт
▹ Людвик Лилле
76
▹ Марианна Брандт
▹ Ани Альберс.
Учебные Работы студентов

77
 78

Работы из стекла, металла, текстиля,

выполненные в Баухаузе, 1924
 79

Дизайн Баухауз. Цветнные литографии.

Работы студентов.
 80

М. Брейер. Кресло «Василий» 1926 и самобалансирующий1 стул

1928.
 81

Масляная живопись Людвик Лилле 1920.

 Наследие школы Баухауз: значение в истории
дизайна

Баухауз был первым подобным учебным заведением, его идеи и

принципы мгновенно распространились среди креативного
сообщества XX-века и остаются актуальными по сей день.
Почти 100 лет назад ученики Баухауза придумали дома, предметы и
мебель, без которых мы не представляем своей жизни сегодня.
Доступность, функционализм и эстетика — этими критериями
руководствуются многие современные дизайнеры и архитекторы. 82
«Меньше — лучше» — принцип, который мы понимаем уже почти
интуитивно. Позже многие значимые школы дизайна были
основаны учениками Баухауза или основаны на его принципах.
ВХУТЕМАС и
ВХУТЕИН
(1920-1930)
Вхутемас (Высшие художественно-технические
мастерские) был организован в Москве в результате
слияния ГСХМ I и II и располагался в ранее
занимаемых ими зданиях – на Рождественке, 11 (ныне
МАрхИ) и Мясницкой, 21 (ныне Российская академия
живописи, ваяния и зодчества). Работать Вхутемас
начал осенью 1920 (Декрет Совнаркома о его
образовании был опубликован лишь 25 декабря).
В 1927 Вхутемас переименовали во Вхутеин –
Высший художественно-технический институт, который
был расформирован в 1930.

84
История Вхутемаса–Вхутеина отличается
чрезвычайным динамизмом. За десять лет
существования вуза произошёл ряд организационных
перестроек (слияние и новое разделение
факультетов), менялись учебные программы и идейно-
художественные установки. Вначале срок обучения
был определён в четыре года, с 1927 продлён до пяти
лет.Источник:

Л.М.Лисницкий. Обложка книги 1927г.

 Этапы становления и развития

Ректорами Вхутемаса–Вхутеина были Равдель (1920–1922), Фаворский

(1923–1926), П.И.Новицкий (1926–1930). С их именами связаны различные
по идейной ориентации периоды деятельности Вхутемаса

Период Равделя характеризуется ориентацией на подготовку кадров для

промышленности, завершился он переходом ряда левых мастеров
конструктивистской ориентации (Родченко, Лавинский, В.П.Киселёв)
с Основного отделения на производственные факультеты. Во-вторых, 85
преподавание формально-аналитических дисциплин требовало подготовки
учащихся, и с этим связано появление общего для всех факультетов Основного
отделения. Изменения структуры Вхутемаса и установка на производственное
искусство в обучении встретили протест со стороны студентов и ряда
педагогов-станковистов. Попытки руководства НКП разрешить конфликт,
продолжавшийся с осени 1921 до конца 1922, привели к первой реорганизации
и смене руководства.
 86

Ефим Равдель. Ректор Вхутемаса (1900-1922)

С ректорством Фаворского связан наиболее полноценный
и гармоничный период в истории Вхутемаса. В эти годы попытки
упорядочить и выстроить в систему программы и работу всех
факультетов приводят к тому, что творческие и производственные
специализации существуют на паритетных началах. Это пошло
на пользу и производственным факультетам, поскольку занятия
по стабильным учебным планам, включавшим технологические,
художественные и теоретические дисциплины (как историко-
художественные, так и естественно-научные) вскоре принесли свои
плоды. Практическим подтверждением успешности выбранной
87
педагогической линии, помимо первых выпусков специалистов-
профессионалов, стало участие Вхутемаса в Международной выставке
декоративных искусств и художественной промышленности в Париже
(1925), где Вхутемас удостоился наград за новый аналитический метод,
программы и учебно-экспериментальные работы студентов. Получив
такое международное признание, Вхутемас попадает в число
первоклассных учебных заведений, как и знаменитый Баухауз.
 88

Владимир Фаворский. Ректор Вхутемаса

Период Новицкого, читавшего межфакультетский курс «Социология
искусства», связан с изменениями, происходившими в стране.
Увлечение техническими достижениями и вульгарная социология,
которая вмешивалась во все сферы жизни, в том числе
и в искусство, привели к тому, что концепция формально-­
пластического единства всех видов искусства была отброшена.
Резкие ограничения коснулись деятельности Основного отделения –
вместо прежних двух лет теперь на нём надо было учиться всего
лишь полгода. Заметно ослабевают и межфакультетские связи.
Несмотря на успехи отдельных факультетов – участие 89
в Международной выставке современной архитектуры, Всесоюзной
полиграфической выставке (обе – 1927), – деятельность Вхутеина
была признана неэффективной.
 90

Павел Новицкий. Ректор Вхутемаса

 Педагогические принципы

Московский Вхутемас реализовал концепцию новой художественной

педагогики, аккумулирующей формальные достижения новейших
течений в искусстве.:
Вхутемас был «специальным высшим технически-промышленным
учебным заведением, имеющим целью подготовить художников-
мастеров высшей квалификации для промышленности, а также
инструкторов и руководителей для профессионально-технического
образования».Исто
На всех факультетах важное место занимали дисциплины теории 91
и истории искусства, которые преподавали, как правило, крупные
искусствоведы и художники-теоретики, среди них – В.Я.Адарюков,
А.И.Анисимов, А.В.Бакушинский, А.Г.Габричевский, А.И.Ларионов,
А.А.Сидоров, П.А.Флоренский, А.М.Эфрос. Помимо педагогов-
художников и крупнейших деятелей в определённых областях
производства, во Вхутемасе–Вхутеине работали многие специалисты
по истории технологий и ремёсел, а также в области естественных
наук.И\
Специфика Вхутемаса заключалась в его нетрадиционной структуре,
объединявшей факультеты творческой направленности (живописный,
скульптурный, архитектурный), производственные (полиграфический,
металлообрабатывающий, деревообделочный, текстильный,
керамический) и общий для всех специальностей пропедевтический
курс – Основное отделение, сформировавшееся окончательно к 1923
из подготовительных отделений разных факультетов. Такая структура
и единые педагогические установки, которые пытались разработать
и утвердить во Вхутемасе, должны были по идее организаторов
обеспечить создание общей пластической основы для всех видов
пространственных искусств и формирования предметно- 92
пространственной среды человека.
Наряду с формально-аналитической методикой преподавания,
во Вхутемасе складывались художественно-педагогические
направления отдельных групп и мастеров. На «производственных»
факультетах новые тенденции были связаны с идеями
производственного искусства, они побеждали традиции
прикладничества, украшательской орнаментальности и стилизации,
характерные для Строгановского училища, которому наследовал
Вхутемас. Из авангардного движения во Вхутемасе выросли
значительные творческие течения, такие как рационализм
и конструктивизм в архитектуре и в художественном конструировании
 Школа дизайна

На 1920-е годы приходится этап формирования

дизайна (производственного искусства) в Советской
России, наиболее авторитетные творческие концепции которого
проявились во ВХУТЕМАСе.
Большое внимание уделялось практической стороне обучения на
производственных факультетах. Здесь формулировались
основные принципы нового вида творческой деятельности –
художественного конструирования (дизайна).
93
Под руководством таких мастеров, как:

￭ Владимир Татлин,
￭ Александр Родченко,
￭ Эль Лисицкий
￭ Г. Клуцис
￭ Л. Попова
￭ В. Степанова
 Творчество
выдающихся
преподавателей
и учеников.
 95

В. Е. Татлин. Памятник III Интернационалу. 1919. Проект

 96

Александр Родченко. Из серии «Черное на черном». 1918 год

 97

Эль Лисицкий. Клином красным бей белых, 1920. Витебск

 98

Из серии открыток Всесоюзной спартакиады.

Худ. Г. Г. Клуцис. 1928
 99

«Still Life with Instruments» Любовь Попова

1916г.
 10
0

Варвара Степанов «Мужской спортивный

костюм» 1923.
 Отделения
ВХУТЕМАСА.
 Живописное отделение.

На живописном факультете главные проблемы вуза (борьба

за объективные методы преподавания, за создание шедевров
или искусства для массового адресата и другие) превращались
в борьбу за или против станкового искусства. Объективность
методики с 1922–1923 обеспечивала связь факультета
с Основным отделением. Курс «Теории композиции», читавшийся
Фаворским одновременно для всех отделений факультета, играл
важную объединяющую роль. Студенты-живописцы готовились
к общению с массовым зрителем через театральное
оформление, монументальное искусство, агитационно- 10
оформительскую работу. Последняя специализация более ярко 2
реализовывалась на последнем этапе эволюции вуза –
во Вхутеине, руководимом Новицким, и воплотилась
в деятельности группы «Октябрь». Факультет состоял из трёх
отделений.
В.Д.Баранов-Россине, А.А.Веснин, А.Д.Древин, В.В.Кандинский,
И.В.Клюн, П.П.Кончаловский, П.В.Кузнецов, А.В.Лентулов,
И.И.Машков, Н.А.Певзнер, Л.С.Попова, А.М.Родченко,
Н.А.Удальцова, Р.Р.Фальк, А.В.Шевченко, А.А.Экстер
 10
3

А. А. Веснин. Эскиз декорации к

постановке «Федры» Ж. Расина в
Камерном театре. 1922.
 10
4

Экстер А.А. Дьеп, 1913, Музей

Людвига, Кельн
 10
5

Удальцова Надежда Андреевна

(автопортрет, 1923)
 Скульптурное отделение
Активную роль на скульптурном факультете играли педагоги-
новаторы. Главным идеологом и методистом факультета был
Королёв. Скульптуру на рабфаке преподавал Бабичев. До 1923
скульптурные классы вёл Лавинский, пока не перешёл
на деревообделочный факультет (как активный сторонник
производственного искусства). Королёв выступал за приложение
формальных принципов к фигуративным формам, его программы
легли в основу деятельности факультета. После его ухода
10
из Вхутемаса эти идеи во многом продолжил Чайков. В конце 6
1920-х возрастает интерес студентов к связям скульптуры
и архитектуры, что совпадало с установками ректора Новицкого
на отход от станкового искусства.
А.С.Голубкина, Б.Д.Королѐв, А.М.Лавинский, И.М.Чайков
 10
7

Сидящий человек  Голубкина А. С.

1912
 10
8

И. М. Чайков. «Футболисты». Эскиз.

Гипс. 1928 год. Третьяковская
галерея.
 10
9

Борис Королев Женские фигуры 1916

 Архитектурное отделение.
Уже осенью 1920 на архитектурном факультете образовались мастерские,
которые возглавили архитекторы-новаторы Ладовский, Докучаев, Кринский
(Обмас), Голосов и Мельников (Мастерская экспериментальной архитектуры
или «Новая академия»). Традиционалистское большинство (Щусев, Рыльский,
Норверт, В.Д.Кокорин, Л.А.Веснин) возглавлял Жолтовский. Между этими
направлениями на факультете шла борьба за принципы педагогической
методики.
В 1922 при содействии ректора Равделя на факультете были оформлены два
отделения – академическое и новейших изысканий (на базе Обмаса).
Традиционалисты профессиональное обучение строили на изучении 11
архитектурной классики, уверенные в том, что образцы прошлого дают 0
достаточные навыки и умения будущим архитекторам. Ладовский основным
материалом архитектуры считал пространство, поэтому на занятиях он
не показывал хрестоматийные постройки, а давал только устные задания,
развивая творческое начало в каждом ученике. Голосов основой
архитектурной формы полагал объём – массу. Он придавал большое значение
изучению истории эволюции архитектурной формы в классической
архитектуре, в своём творчестве Голосов руководствовался собственными
теоретическими принципами и боролся за придание своей мастерской статуса
самостоятельного отделения.
 11
1

Автор проекта Константин Князев.

МВТУ (ВХУТЕМАС), 3 курс.
Мастерская Николая Колли. 1925.
 11
2

Дипломный проект архитектора

Ивана Соболева. ВХУТЕМАС 1920-е.
 11
3

Конкурсный проект Георгия Вегмана.

ВХУТЕМАС (ВХУТЕИН). 1925 год..
Производственные факультеты.
В них входили:
▹ Полиграфический факультет,
▹ Скульптурный факультет,
▹ Металлообрабатывающий факультет,
▹ Деревообделочный факультет,
▹ Факультет обработки дерева и металла,
▹ Текстильный факультет, 11
4
▹ Керамический факультет

В.Е.Татлин, Л.М.Лисицкий, В.Ф.Степанова,

С.В.Молчанов,П.П.Викторов, Родченко, Я.Ю.Милославский,
К.Э.Родер и многие другие
 Наследие советской школы дизайна : значение в
истории дизайна

Подводя итоги этапу становления дизайнерского образования, можно

отметить, что тогда уже были заложены все его основные
направления и тенденции.
Позднее появились крупные центры подготовки дизайнеров в России,
которые сыграли заметную роль не только в профессиональном
оформлении дизайна в России, но и в культуре в целом: ВХУТЕМАС в
России- первая Русская школа 30-х годов которая оставила 11
значительный след после себя и поменяла многие принципы в 5
архитектуре и «дизайне». Многие страны последовали принципам
этих школ.
Ар-Деко
1925 году в Париже прошла Международная выставка
декоративного искусства и художественной
промышленности (Exposition Internationale des Arts
Décoratifs et Industriels Modernes). На этой выставке
явно обозначилось современное на тот момент
направление в искусстве и дизайне. Сейчас мы
называем стиль того времени – Ар-деко (или Арт-деко).
Сам термин вошел в широкое употребление намного
позже, уже в 70 х годах, что ознаменовало возрождение
интереса к этой стилистике, которая остается
актуальной и по сей день.
20-е годы вошли в историю с эпитетами «ревущие»
и «бурные». Это эпоха чрезвычайно быстрого
технического прогресса, экономического развития, 11
ускорения ритма жизни. В обществе и культуре 7
происходят радикальные изменения. В широкое
употребление входят автомобиль, радиовещание,
кинематограф. Развивается коммерческая авиация.
Быстрая урбанизация меняет инфраструктуру городов.
Меняется социальный статус женщины, общество
становится более свободным. Все эти процессы
находят отражение в моде, искусстве, художественном
оформлении пространства.

Валентина Кулагина. Плакат Художественная выставка Советского

Союза. 1931
В стилевом отношении ар деко возник как синтез достижений стилей
модерн и неоклассицизма, кубизма и футуризма. Арт деко сочетал
в себе одновременно, грациозность и игривость, монументальность
и элегантность. Представители этого стиля игнорировали массовое
промышленное производство товаров, они стояли за эксклюзивное
изготовление предметов. В производстве изделий
использовались ценные и дорогие материалы - змеиная кожа,
слоновая кость, бронза, кристаллы, экзотическая древесина.
Излюбленными формами были геометрические орнаменты из
шести-, восьми-угольников, овалов и кругов, треугольников и
ромбов. Кроме того широко использовались растительные формы
недавно распространенного модерна, различные цитаты из
классицизма, а также заимствования из египетской, африканской и
других экзотических культур.

Таким образом, в Ар-Деко можно выделить множество

направлений:
▹ элегантно-классический
▹экспрессивно-экзотический
▹модернистский
 11
9

Эль Лисицкий. Клином красным бей белых. 1920

 Характеристика стиля:
декоративный стиль роскоши, демонстрирующий
экономическую власть и высокий уровень жизни,
эксклюзивные предметы из дорогих материалов в единичном
исполнении, экстравагантные комбинации с современными
материалами, декорирование и орнаментация. Присуще
строгая закономерность, смелые геометрические линии, 12
этнические геометрические узоры, оформление в полутонах, 0
отсутствие ярких цветов в оформлении, при этом — пестрые
орнаменты, роскошь, шик, дорогие современные материалы
(слоновая кость, крокодиловая кожа, алюминий, редкие
породы дерева, серебро).
 12
1

Silesian Parliament 1929. Разработано архитектором Людвиком Войтычко. Польша.

 Компания искусства Франции
Стиль «Ар-Деко» зародился именно во Франции, как говорилось
ранее на всемирной промышленной выставке Exposition
Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes. На ней
было представлено Более 130 экспозиций различных
промышленных учреждений и авторов. Наиболее ярко это течение
было представлено в работах Ле Корбюзье и Константина
Мельникова, получившего Grand Prix за проект советского
павильона.
Париж оставался центром стиля ар-деко. В мебели его 12
2
воплощал Жак-Эмиль Рульманн — самый известный из
дизайнеров мебели той эпохи и, возможно, последний из
классических парижских ébéniste (краснодеревщиков). Кроме того,
характерны работы Жана-Жака Рато, продукция компании «Süe et
Mare», ширмы Айлин Грей, изделия из кованного металла Эдгара
Брандта, металла и эмали швейцарца еврейского происхождения
Жана Дюнана, стекло великого Рене Лалика и Мориса Марино, а
также часы и ювелирные изделия Cartier.
 12
3

Панорамный вид на парижскую выставку. 1925 Париж.

 12
4

Павильон Бельгии на парижской выставке 1925.

 12
5

Плакат выставки. Робер Бонфис. 1925

 12
6

1. Большой салон в павильоне „Коллекционеров“ на выставке. Жак-Эмиль Рульман. 1925 и 2. Салон Chambre de
Madame во французском павильоне. Андре Гру. 1925
 Но Парижская выставка была не единственной, где появился Ар-
Деко. Множество авторов устраивали персональные выставки ил
просто выставляли экспозиции.
Например такие как:
▹ Макс ле Верье
▹ Марк Дуклечеау Павильон де Севрес
▹ Джулес Лелей Павильон Помон
▹ Эмиль-Джакус 12
7
▹ Рульман Рене
▹ Лалик Ле Корбюзье
▹ Экспри Нуво и мн. др.
 12
8

Вилла Фалле в Ля-Шо-Де-Фон, 1928 г. Одна из

первых реализаций Корбюзье.
 Ар-Деко можно рассмотреть как и стиль в одежде, мебели,
интерьере. Вот наиболее яркие представители и их работы:
▹ Жакк-Эмиль Рульманн
▹ Мадлен Вионне
▹ Поль Пуаре
▹ Коко Шанель
▹ Тамара Лемпицк 12
9
▹ а Фердинанд Порше (Фольцваген)
▹ Радиоприемник Керстинга
▹ Крайслер Билдинг в Нью-Йорке (Уильям ван Аллен)
▹ Генри Форд Модель Т, Модель А
 13
0

Статуэтка Levrier. Стекло. Рене Лалик. 1928

 13
1

Картина Jeune fi lle en vert. Масло. Тамара де Лемпицка.

1927
 Жак-Эмиль Рульманн 1877-1933.
Ярчайший представитель ар-деко был самоучкой,
не получившим какого-либо художественного
образования. Он много рисовал, создавая
причудливые орнаменты и узоры, а также эскизы
будущей мебели. Вообще его творчество долгое
время существовало лишь на бумаге. Он искал
идеальные формы.

Впервые Рульманн продемонстрировал свои

работы на Осеннем салоне  художников-
декораторов 1911 года в Париже. Это были ковры. 
В 1919 году Рульманн вместе с партнером – Пьером 13
2
Лораном – создал компанию Ruhlmann et Laurent,
которая занималась дизайном интерьеров и
одновременно выпускала авторскую мебель, обои и
светильники. Больше всего ему нравилось работать
с редкими дорогими материалами. Это были
черепаховый панцирь и слоновая кость, лазурит и
шагреневая кожа, перламутр и шкурки ящериц,
акулья кожа.

Он принимал участие во многих крупнейших

международных выставках и конкурсах.
 13
3

Интерьер офиса, представленный на

Колониальной выставке в Париже в 1931 году.
Жак-Эмиль Рульманн.
 13
4

Комплект мебели, состоящий из кабинета, тумбочки и кресла. 1919. Жак-Эмиль Рульманн.

 Поль Пуаре 1869-1944

Он был «султаном парижского гарема», самым уважаемым

кутюрье Франции, все женщины мечтали о его восточных
нарядах.
Набравшись опыта , он наконец открыл свой модный дом в
1903 году.
Однако Первая мировая война стала губительной для
карьеры Пуаре. Он был вынужден поступить на должность
портного во французскую армию и вместо изысканных
нарядов разрабатывать военную форму. Когда же кутюрье
вернулся с войны, он узнал, что его бизнес пошел на спад.
Когда Пуаре вернулся, он обнаружил, что в лучах славы уже 13
купается его главный конкурент. Это была Коко Шанель. 5
Маленькое чёрное платье от Шанель появилось в 1926 году, а
уже в 1929 Пуаре пришлось закрыть свой модный дом.
В один момент он потерял все. В том же году Дениза Пуаре
развелась с мужем-банкротом. 
Сам кутюрье почти без средств к существованию уехал в
Канны, где стал заниматься живописью и развозить вино
по ресторанам, таким образом, зарабатывая. Собравшись с
духом, он написал книги, надеясь, что люди вспомнят его
былую славу. 
 13
6

Paul Poiret, вечернее платье, 1910, Эрмитаж, Санкт-

Петербург
 13
7

Paul Poiret, вечернее платье, 1900-1903, Национальный

музей Шотландии, Эдинбург
 13
8

Поль Пуаре с моделями.

 Stremeline Modern
  Берегов Америки ар-деко достиг за несколько лет до начала Великой Депрессии и
был принят из-за своей простоты и практичности – он как нельзя лучше
символизировал американскую мечту о лучших временах.  В Америке он стал более
массивным, появились стремительные линии, передающие скорость, динамику. Так
появился новый термин – «стримлайн модерн», именно это направление принято
считать «поздним ар-деко».  Этоновый аспект архитектуры и дизайна ар-деко ,
появившийся в 1930-х годах от промышленных дизайнеров
Даже само название (streamline — «линия обтекания») происходило от термина из
области аэродинамики. Аэродинамическая концепция движения и скорости в чистом
виде. Обтекаемая архитектура подчеркивает изогнутые формы, длинные
горизонтальные линии, а иногда и морские элементы.
Каждый построенный на Манхэттене небоскрёб как будто стремился превзойти 13
9
предыдущие сооружения по высоте и декоративному убранству. Каталог нью-
йоркского ар-деко насчитывает сто двадцать памятников, основная часть которых
была построена в 1929 и 1930 годах. 
Перерыв в популярности ар-деко в США был вызван Великой депрессией (1929–
1939гг.), когда стремление экономить на всём проникло и в дизайн. После начала
Второй мировой войны мир изменился бесповоротно, и стиль ар-деко стал частью
истории.
В итоге в произведениях этого стиля появились очертания самолётов и
револьверных пуль. Когда дизайн первого массового автомобиля
фирмы Крайслер Chrysler Airflow оказался невероятно популярным, обтекаемые
формы стримлайн модерна стали использоваться как для точилок, так и для зданий.
 14
0

Здание Крайслер. 1940. Уильям ван Ален, Нью-Йорк.

 14
1

Chrysler Airflow и Стримлайнер 1934

В промышленном дизайне его использовали в легковых автомобилях,
грузовиках и автобусах, чтобы создать впечатление гладкости и
современности. В стиле стримлайн модерн ощущается влияние
промышленных штамповочных и аэродинамических технологий.
Стримлайн модерн нашел свое отражение и в железнодорожных
локомотивах. Хотя сейчас для транспортного средства
аэродинамическая оптимизация вовсе не особенность, в то время это
была целая революция сделанных на заказ узких и длинных 
локомотивов с закрытыми колесами.
«Золотой век» этого вида транспорта приходится на период между
1880-ми и Первой мировой войной с пиком в 1920-х годах.
Экономический кризис 1930 года обозначил конец этой славной эпохи.
Известные «Стримлайнеры» были разработаны чуть позже, в 1930–
1950-х и этот термин применяется как к высокоскоростным поездам
1930–1950-х годов, так и более поздним «сверхскоростным поездам».
Любопытно, что этот термин применяется также и, так называемым,
лежачим велосипедам — лигерадам.
 14
3

Британский обтекаемый паровоз 1938 года.

После 1929 года промышленность фиксировала ежегодный спад
в необходимости пассажирских услуг, а Великая Депрессия
только ухудшила ситуацию.
Ар-деко оказал сильное влияние на архитектуру, дизайн
интерьеров, моду и кинематограф, а концепция Стримлайн
модерн стала толчком к развитию промышленного дизайна в его
современном направлении.
Как бы то ни было, железные дороги не могли остановить
появление автомобиля, к которому все хотели иметь доступ, но
дали рождение аэродинамическому поезду — элегантному,
быстрому и стильному объекту, который оставил нам эти
замечательные фотографии для воспоминаний.
 14
5

Состав Mercury New York Central Railroad. Дизайн — Генри Дрейфус. 1936г.
 14
6

Вагон-ресторан состава Mercury New York Central Railroad

 14
7

Мотоцикл Henderson Streamline 1930 года

Пылесос Electrolux Model 30, 1937 г.,
дизайн Лурела Гилда Электрический миксер 1945 г.:

14
8

Точилка для карандашей за

Электрический миксер 1945 г.:
авторством Раймонда Лоуи
 Небоскрёбы

Большинство небоскрёбов Америки были построены именно в

стиле «Стримлайн». Небоскрёбы и иные технические новшества
стали достижением этого стиля.
Каждый построенный на Манхэттене небоскрёб как будто
стремился превзойти предыдущие сооружения по высоте и
декоративному убранству. Каталог нью-йоркского ар-деко
насчитывает сто двадцать памятников, основная часть которых 14
была построена в 1929 и 1930 годах.  9
 15
0

Empire State Building (1929-1931) . Нью-Йорк. Нержавеющая сталь . Проэкт компании «Шрив, Лэм и Хармон».

 15
1

Chrysler Building (1930-1931) . Архитектор Уильам Ван Ален.

 Ар-деко и архитектура СССР
  Ар-деко оказал заметное влияние на архитектуру 1930-х
годов, явившись, наряду с постконструктивизмом и
неоклассицизмом, одним из течений сталинской
архитектуры. С сильным влиянием этого стиля был
построен ряд станций Московского метрополитена:
первая очередь (Сокольническая линия), несколько
станций второй очереди (Замоскворецкая линия,
например, станция «Аэропорт»). К советской версии ар-
15
деко исследователи относят работы архитекторов : 2
▹ В. Г. Гельфрейха,
▹ А. Я. Лангмана,
▹ Е. А. Левинсона,
▹ Б. М. Иофана,
▹ Д. Ф. Фридмана,
▹ В. А. Щуко.
 15
3

Станция метро «Аэропорт» (Москва, 1936–1938), архитекторы Б. С. Виленский, В. А. Ершов 

 15
4

Здание Библиотеки имени В. И. Ленина в Москве (с 1928 г), архитекторы В. А. Щуко и В. Г. Гельфрейх .

 Наследие и значение стиля арт-деко в истории дизайна
 Явление ар-деко рассматривается как одна из  ключевых фаз стилевого
развития ХХ века. Становится всё более очевидным значение ар-деко как
самостоятельного стиля, влияние его на массовую культуру: дизайн,
рекламу, моду, архитектуру. Многие искусствоведы вполне справедливо
считают этот стиль одним из самых изысканных и привлекательных во
всём ХХ веке. 
В графическом дизайне ар деко нашли развитие излюбленные темы и
мотивы модерна — гибкие, извилистые линии, необычное сочетание
дорогих и экзотических материалов, природные формы волны, раковины,
драконов и павлинов, лебединых шей и женщин с распущенными
волосами, которые сочетаются с использованием геометрических форм, 15
5
прямых углов и линий, окружностей и широких плоскостей чистого цвета.
  В области журнальной графики воплощением стиля ар деко стало
творчество русского дизайнера, работавшего во Франции и США, Романа
Тыртова.
Ар-деко в настоящее время снова набирает популярность, новая эпоха
добавила в него последние достижения, оставив всё лучшее, что было
создано в прошлом.  Мы вдохновляемся лучшими образцами этого
торжественного стиля, во главе которого стоит роскошь.
«Оливетти»,
«Браун»
 Стиль «Оливетти»
Итальянская компания «Оливетти» была создана в 1908 году.
Ее основатель – Камилло Оливетти – решил заняться производством
пишущих машинок. Дизайн был и остается символом и основой бизнес-
стратегии компании все годы ее существования. Пишущая машинка всегда
рассматривалась не просто как инструмент офисной работы, а как элемент
офисной (конторской) культуры («стильная техника»), символ женских
профессий и инструмент современного культурного производства
(писательского и журналистского творчества).
Стиль «Оливетти» отличает стремление к изяществу, элегантности,
приоритету эстетического качества формы. Руководство компании возвело
дизайн на уровень «корпоративной идентичности», т.е. того, что отличает 15
7
«Оливетти» от других производителей и выражает основную миссию
компании. Это получило выражение в едином фирменном стиле
«Оливетти»: имидже, рекламных материалах, стиле продукции,
выставочных экспозициях. Кроме того, на уровне международного дизайна
компания задавала тон в формировании «итальянского стиля»,
отличительная черта которого – опора на богатую художественную
традицию этой страны, на эстетические запросы и ценности потребителей.
Не случайно важным элементом в политике фирмы до сих пор является
активное участие в культурной жизни, поддержка проектов реставрации
памятников культуры и издания книг по искусству. Также не случайно
постоянное сотрудничество «Оливетти» с художниками и дизайнерами,
писателями и музыкантами.
.
 15
8

Камилло Оливетти и его семья

 “
Эстетическая сторона
конструктивного решения
машинки также требует
особого внимания…
Пишущая машинка не
должна быть оформлена в
сомнительном вкусе. Она
должна иметь внешность
одновременно серьезную и
элегантную…

Камилло Оливетти 1912

159
Этот завет в полной мере смог претворить в жизнь сын Камилло —
Адриано Оливетти (1901-1960), который небольшую семейную фабрику
превратил в компанию-легенду, ставшую не только лидером мирового
рынка, но утвердившую новые бизнес-принципы, которые конкуренты
начиная от IBM и заканчивая японскими производителями электроники
изучали и старались повторить..
Это может показаться маловероятным, но решающую роль в этой
стремительной экономической экспансии фирмы "Оливетти" сыграли ее
дизайнеры. Хозяева фирмы раньше других конкурентов поняли и оценили
роль дизайна.
В 1927 году на фабрику были приглашены художники Джованни Пинтори и 16
Александр Щавинский поэт Леонардо Синисгалли, который возглавил 0
отдел рекламы и всевозможных публикаций. Так образовалась одна из
первых дизайнерских групп в Европе. Перед ней была поставлена задача
завоевания монопольного положения фирмы в области конторского
оборудования. Когда в 1936 году отдел возглавил Марчелло Ниццоли,
фирма приступила к подготовке нового наступления. Это наступление
началось сразу после окончания мировой войны. В конце 1940-х годов
выпускаются сенсационные по своим эстетическим качествам модели
пишущих машинок "Лексикон-80" и "Леттера-22". Это был большой успех:
возникает выражение "стиль Оливетти".
С приходом в компанию Марчелло Ниццоли в качестве главного
дизайнера фирма стала всемирно известной. Ниццоли создал
классику пишущих машинок «Оливетти» – Lettera 22 и Lexicon 80.
Один из ярчайших дизайнеров Италии – Этторе Соттсасс – также
сотрудничал с Оливетти. Плодом этого сотрудничества стала
16
блестящая модель портативной пишущей машинки «Valentine».  1
 16
2

Печатная машинка Olivetti Valentine. 14 февраля 1969

 16
3

Olivetti Lettera 32.1963г

 Деятельность дизайнерских групп "Оливетти" нельзя оценивать только с
точки зрения чисто коммерческого успеха. В фирме "Оливетти"
сотрудничали многие выдающиеся прогрессивные представители
искусства, архитектуры, литературы. В конечном счете деятельность этого
отряда высокоодаренных людей явилась несомненно вкладом в
общечеловеческую современную культуру.
Фирма не только создает те или иные отдельные машины. Она производит
полные комплекты оборудования для любых систем конторских операций
во всем мире.
  Одна из  значимых страниц в истории «Оливетти» – это ориентация
16
фирмы на социально ответственный бизнес. Основатель компании К. 4
Оливетти заложил традиции уважения к работникам, заботы об их семьях,
условиях их жизни, их образовании и личностном развитии. Фирма
обеспечивала социальное страхование, строила базы отдыха и детские
сады, библиотеки и учебные центры. Благодаря правильной организации
труда и вовлеченности работников компании удавалось всегда идти в ногу
с развитием науки и техники. Именно поэтому разработки «Оливетти» в
области создания компьютерной техники также вошли в историю развития
технологий (программируемый калькулятор Olivetti 101, 1965)
 16
5

Программируемый калькулятор Olivetti 101. 1965г

 16
6

Маленький Программируемый калькулятор Olivetti Summa 19. 1986г

Фирма не только создает те или иные отдельные машины. Она производит
полные комплекты оборудования для любых систем конторских операций
во всем мире.
Крупные комплексно оборудованные конторы не просто эффективны в
практическом отношении, они еще и символ современного бизнеса,
реклама его экономического преуспевания и мощи, а также объект
восхищения для администрации, клиентов, посетителей и даже для кино- и 16
телехроники. Это уже не просто контора, а зрелище, причем зрелище, по- 7
своему изысканное. Так "стиль Оливетти" стал сам формировать
эстетическое восприятие, вкус и потребности заказчика. "Оливетти"
остается и поныне в авангарде мирового дизайна.
 16
8

Фирменный салон Оливетти 1950г

 Наследие и значение в истории дизайна
"Стиль Оливетти" — это не приверженность к каким-либо определенным
пластическим формам и приемам в оформлении, не формальное единство
продукции, совсем нет. "Стиль Оливетти" — это стремление сделать любую
продукцию обязательно красивой, фабричные здания строить красивыми, в
самом современном стиле. Даже письма, деловая корреспонденция,
исходящие от фирмы, должны быть изящно оформлены и написаны с
хорошим литературным вкусом — все должно быть привлекательным,
первосортным. 16
9
В свое время фирма Olivetti была столь же популярна, как сегодня
Apple. Именно Olivetti произвела революцию в промышленном
дизайне, указав всем новый путь
 Стиль «Браун»
Компания «Браун» стала продолжением деятельности «Оливетти» и ее
стремлением к завоеванию монополии.
 
По окончании Второй Мировой войны фирма выпускала добротные, но
внешне непритязательные предметы - кухонное оборудование,
радиоаппаратуру, фотографические принадлежности. К середине
пятидесятых годов, когда на сцену вышел потребитель с совсем иными,
чем прежде, понятиями о красоте, ведущий дизайнер фирмы Фриц
Айхлер со своими коллегами проанализировал продукцию фирмы и
нашел, что ее внешний вид не соответствует сути..
17
Продукция имела либо заурядный и скучный, либо претенциозный, 0
спекулятивно-фальшивый вид. Он представил обобщённый образ
потребителя и пришёл к выводу, что люди не собираются превращать свои
квартиры в кунсткамеры или в театральные сцены, а хотят, чтобы они были
убраны просто, практично, но со вкусом.
После этого производство сосредоточилось на изготовлении недорогих
транзисторных приемников, которым до сих пор не уделялось серьезного
внимания. Другие ведущие в этой области фирмы продолжали выпускать
дорогие модели, представлявшие собой своеобразную "звучащую мебель"
и удовлетворявшие престижные претензии верхних слоев общества.
 17
1

Приемник Braun SK2, 1955—1960

 “
Мы нашли, что внешний вид этих
приборов не отвечает их сущности.
Мы выпускали технические
приборы для домашнего быта и
досуга, приборы, функция которых
в первую очередь служить
человеку и существование которых
оправдано лишь в том случае,
если они непосредственно связаны
с человеком и окружающей его
средой

Фриц Айхлер 1952г

172
Имея в виду обобщенный образ покупателя, фирма "Браун"
подготовила конструктивно простые, функционально безукоризненные
модели приемников. Так сформировался стиль и других изделий,
настолько индивидуальный, что заговорили о "стиле Брауна" как о
заметном явлении в мировом коммерческом дизайне.
«Браун-стиль» является максимально чётким выраженным
представлением о «стиле» как формально-стилистическом единстве
продукции, но в системе «Браун-стиля» это формально-стилистическое
единство не было случайным — его источником является представление о
«скромном потребителе». Ведь этот потребитель пользуется в своем быту 17
разнородными предметами, отсюда очевидно, что все эти предметы 3
должны носить единый характер и каждый предмет должен
проектироваться как элемент единой системы. Проектирование
изолированной вещи или проектирование комплекса вещей в системе
«Браун-стиля» объединяются в единую по существу задачу художника.
«Браун-стиль»- это создание цельного образа самыми простыми и
минимальными средствами. Это - "экономный" стиль.
 17
4

Электро Бритва Braun Sixtant SM2, 1963

«Браун-стиль» оказался первым выражением (и наиболее цельным)
определённой, легко фиксируемой стилистики начала 60-х годов, ставшей
универсальной для всего мира. Уже в середине 60-х годов эта стилистика,
слишком определённая, чтобы существовать как идеал длительное время,
начинает сменяться другой, и дизайнеры «Браун» волей-неволей, сознательно
или неосознанно меняют стилистику «Браун». Сейчас остается дизайн
«Браун» как заметное явление, но «Браун-стиль» уже принадлежит истории
послевоенного дизайна.
Достоверно известно, что, разрабатывая первые образцы своей продукции, 17
«Браун» не проводила предварительных исследований, прощупывания рынка. 5
Однако, вопреки всем отрицательным прогнозам, продукция фирмы очень
быстро приобрела популярность. Но здесь и заключается парадокс:
художники и руководители фирмы создали образ «дискриминованного»
покупателя и вели проектирование на этого «скромного человека».
 17
6

Радиоприемник BRAUN 88, 1955 года

Идеи BRAUN- идеи на года!

17
7

Калькулятор BRAUN, 1960 года

 Наследие и значение в истории дизайна
На сегодняшний день фирма выпускает и изделия не
соотвествующие первоначальному стилю, например электрические
бритвенные станки. Некоторые критики считают, что фирма
навсегда отошла от собственного стиля. Однако этот стиль до сих
пор востребован простыми людьми, а концептуальные решение
17
простоты и практичности перекликаются с теоретическими 8
выкладками по нахождению идеального дизайна.
 Наследие «Оливетти» и «Браун»
Хотя различия между «Оливетти» и «Браун» (различное понимание
задач дизайнера, различные методы проектирования) являются
существенными, необходимо подчеркнуть их внутренний характер —
они касаются профессионального представления о дизайнерской
деятельности. Обе промышленные компании в значительной степени
(«Оливетти») и полностью («Браун») обязаны своим развитием
дизайну и дизайнерам, поэтому дизайн-отделы этих фирм занимают
промежуточное положение между независимыми дизайн-фирмами.
Таким образом, считать эти две компании установили новые "планки" в 17
европейском и всемирном дизайне. Они показали, что такое "работать 9
не на конвейер". Показали контраст между американским и
европейским дизайном всему миру и заняли топы на года.
Ульмская
школа
После окончания второй Мировой войны в Германии происходит
постепенное возрождение традиций Баухауза. Как и в момент его
создания, появление школ подобной художественно-промышленной
ориентации инициировалось социально-исторической
востребованностью специалистов подобного профиля. 
В 1953 году в Ульме была открыта Высшая школа формообразования,
или Высшее училище художественного конструирования,
провозгласившая себя наследницей главных идей Баухауза.
Директором школы стал бывший выпускник Баухауза, швейцарский
архитектор, художник, скульптор и дизайнер Макс Билл.
Организационная структура, методы и задачи школы соответствовали в 18
своей основе системе Гропиуса. Гропиус в качестве почетного гостя 1
присутствовал и на церемонии открытия школы. По проекту Билла для
школы был выстроен целый комплекс зданий, аналогичный комплексу
Баухауза в Дессау.
На торжественном открытия комплекса в апреле 1955 года
присутствовало много бывших баухаузовцев, 220 приглашенных
гостей, а в целом – около 500 человек.
 18
2

Здание Ульмской школы

 “
Мы рассматриваем искусство как
высшую ступень проявления
жизни и стремимся, чтобы жизнь
сама была выстроена как
произведение искусства…
Мы открываем теперь в Ульме
институт, где наряду с
проектированием вещей
займемся проблемами
градостроительства и
планирования окружающей
среды…
Макс Билл

183
 18
4

Макс Билл – первый ректор школы

 Образовательная структура школы
Занятия велись на четырёх факультетах: дизайна промышленных
изделий, строительства и архитектуры, визуальных коммуникаций,
информации. Однако принципы Ульмской школы особенно полно
выразились в предметном дизайне
История школы очень явно делится на две части: первая связана с
художником, архитектором и скульптором Максом Биллом,
выпускником Баухауза. В это время школа базировалась на
рационально-эстетической теории: как и в Баухаузе, здесь
практиковались пропедевтические упражнения на абстрактное
формообразование, а принцип синтеза искусства и техники,
18
заимствованный у Гропиуса, был основополагающим. 5
Одновременно с этим появился новый принципиальный постулат –
проектирование должно вестись на основе тщательного сбора
фактического материала, его анализа и исследований с позиций
научных и технологических знаний. Так в школе появилась категория
«Хорошая форма» (или «Качественная форма») – легендарное
немецкое понятие «Gute Form», которое до сих пор служит высокой
оценкой для любого продукта. Под «хорошей формой» понимались
технические изделия, которые отвечали бы на социальные задачи,
были качественно выполнены и одновременно обладали бы высокими
эстетическими свойствами.
 18
6

Макс Билл ведёт занятие, 1956

 Больше четверти своего времени в Ульме студенты тратили на изучение
эргономики, социологии, экономики и психологии, чтобы затем в
профессиональной деятельности уметь применять системный подход к
процессу проектирования. Возникло то, что можно назвать «Ульмской
моделью»: вместо талантливых одиночек, работавших над отдельными
изделиями, школа стала готовить специалистов, умеющих работать в
исследовательских центрах, технических бюро и коммерческих дизайн-
центрах.
На базе Ульмской школы возникли два проектных института: институт
дизайна промышленных изделий и институт индустриальных методов
строительства. Здесь велись научно-исследовательские разработки и 18
проектирование по заказам фирм и организаций: это обеспечивало 7
постоянную связь школы с промышленностью.
В своих первых проектах Ульмская школа обратилась к традиционным
бытовым вещам – мебели, посуде, осветительным приборам, тканям,
оборудованию интерьеров. В этот период из сферы работы дизайнера
исключались предметы со сложной внутренней структурой.
 18
8

Студенты Ульмской школы за работой   

 18
9

Выпуски школьного альманаха

 19
0

Коллекция посуды  для компании Rosenthal, 1959.  Выпускнаяработа, автор – ХансРоэрихт  

Однако в 1956 году среди преподавательского состава школы возникла
оппозиция программе Макса Билла: идеи «социального
жизнестроения», выдвинутые школой, столкнулись с реальной
социально-экономической обстановкой Западной Германии 50-х –
 возникли противоречия между общекультурной, художественной
системой подготовки дизайнеров и практикой, коммерческими целями
производства. Молодые выпускники столкнулись с проблемой
несоответствия школьных идеалов и повесток реальной практики.
Сначала Билл остался преподавать, а затем покинул школу, и весь
её курс существенно изменился. Новый поворот школы был связан с
преподавательской деятельностью философа, архитектора и
дизайнера Томаса Мальдонадо в 1957г . Он точно указал на то, как
изменился мир за полвека: идеи Баухауза о «социальном 19
1
жизнестроении», актуальные в связи с революционными настроениями
в мире, несколько поблекли на фоне автоматизации и атомной
энергии, которые коренным образом изменили промышленность и труд
человека.
Стало очевидно, что необходимо готовить нового специалиста,
способного проанализировать и свести воедино технологические и
социальные факторы с учётом современных ему повесток.
Установление новых теоретических позиций повлекло за собой
многочисленные перемены в преподавательском составе и структуре
учебного процесса. Не согласившись с новой программой, все
выпускники Баухауза покинули школу.
 19
2

Томас Мальдонадо ведёт занятие, 1956   
С начала 1960-х гг. деятельность школы приобрела мощную
техническую направленность: не менее половины учебных часов
отводилось на изучение современных тенденций и научных методов
проектирования, усилился курс физико-математических  дисциплин.
Большой упор был сделан на изучение конструктивно-технологических
закономерностей, свойственных разным объектам. Дизайн как
дисциплина формы ещё больше сблизился с наукой и технологией. В
то же время огромное внимание уделялось социальности,
гуманитарным компонентам формы.
Отделение промышленной продукции постепенно стало переходить к
проектированию станков, приборов, машин, инструментов. Как раз
в проектировании таких изделий, зачастую совершенно новых по 19
формам и функциям, и были определены научные методы работы. 3

Однако позже сам Томас Мальдонадо назвал этот период в работе

школы «таблицеманией» за излишнюю рациональность и за то, что
интуитивные методы проектирования были отодвинуты на периферию.
Ульмская школа концентрировалась на исследовании сложных
предметных комплексов и систем. Здесь создавались проекты
комбинированной мебели и новых бытовых радиоприборов,
отличавшихся лаконичностью, простотой форм, мобильным
размещением в пространстве.
 19
4

Кухонный комбайн Braun, Дитер Рам и Ханс Гугелот, 1958   

Вскоре родилась концепция «нейтральной формы» – вещи, которая
может быть оптимально приспособлена к потребностям любого
современного человека. Внешними особенностями такой вещи стали
линейно-геометрическая форма (часто – прямоугольные объёмы),
ровные чистые плоскости, сокращение накладных деталей до
минимума, монохромные светло-серые цветовые решения, острый
графичный силуэт.
Большое внимание также уделялось лёгкости в обращении: главная
идея «нейтральной формы» состояла в том, что вещи существуют как
слуги – ими удобно пользоваться и они не связаны с серьёзными
затратами внимания. 19
5
Те принципы формообразования, на которые опиралась Ульмская
школа, вскоре получили название «Браун-стиль» и стали прочно
ассоциироваться с крупным концерном. К середине 60-х, на волне
общего разочарования в модернизме, «нейтральную форму» стали
критиковать за излишнюю стерильность , однако многие приборы –
например, легендарная модель iPod, напрямую связаны с разумными
принципами ульмского дизайна.
 19
6

Слева – карманное радио, Дитер Рамс, 1958. Справа – плеер iPod от компании Apple, 2001   
Последним ректором Ульмской школы в 1962 году стал Отл Айхер,
выдающийся графический дизайнер. При этом предыдущий ректор,
аргентинец Томас Мальдонадо, продолжал работать в школе как
преподаватель и проектировщик.
Именно под руководством Айхера команда школы разработала
фирменный стиль компании Lufthansa, начиная с графики и
заканчивая униформой для стюардесс. Затем, уже в 1972, Айхер был
ведущим дизайнером Олимпийских игр в Мюнхене.
Айхер одним из первых описал понятие корпоративной идентичности,
которое на много лет вошло в дизайнерский обиход – и положил его в
основу собственного метода проектирования. Корпоративная
идентичность, или корпоративный дизайн, – это не просто фирменный 19
стиль, связанный с лёгким и узнаваемым обликом продуктов, а дизайн- 7
продукт высокого качества, который демонстрирует стратегию
компании в целом.
Корпоративный стиль авиакомпании Lufthansa, разработанный в 1962,
 сохранялся до конца 1980-х гг. Престиж школы рос, и многие
промышленные предприятия начали обращаться к ней с заказами.
Расширилась и сфера приложения дизайна: транспортные системы
(оборудование для остановок городского транспорта), автомобильный
транспорт, радиоэлектроника. За несколько лет школа выполнила
более двухсот работ для ста сорока  заказчиков и даже перестала
справляться с объёмом заказов.
 19
8

Корпоративный стиль авиакомпании Lufthansa 1962   

Изделия рассматривались скорее как инструменты, услуги, полезные
агрегаты, чем как форма для самовыражения. Объектом
проектирования становилась не вещь сама по себе, а та функция, ради
которой вещь замышлялась.
Интенсивная работа над мелкими бытовыми приборами стала
особенно заметной вехой в жизни школы: между компанией Braun и
Ульмской школой наладились тесные контакты – многие темы
дипломных проектов предлагались для разработки самой фирмой,
которая затем лучшие из проектов внедряла в производство.
Ульмская модель образования и Браун-стиль часто упоминаются
вместе: команда из Ульма на много лет определила концептуальный 19
9
курс тогда ещё молодой компании, которая начала производить
долговечные приборы для повседневного использования. Браун-стиль
– это не только визуальный язык, но и идея о тихих помощниках, о
вещах-слугах, которые должны незаметно исчезать, когда всё уже
сделано. Кроме того, мелкие бытовые приборы – радиоприёмники,
бритвы, миксеры и электрические чайники – производились как
элементы единой системы, каждый из которых может существовать
обособленно или как часть большого комплекта.
 20
0

Приборы, разработанные для компании Braun

  
 Несмотря на большую плодотворность, история Ульма закончилась
кризисом: в школе существовали явные внутренние конфликты – в
1967 году Томас Мальдонадо был вынужден покинуть школу из-за
разногласий с коллегами, в 1968 школа закрылась. Это вызвало бурное
недовольство: студенты и некоторые преподаватели Ульма устроили
демонстрацию против закрытия.
Комплекс школьных зданий, построенный Биллом, был передан в 20
распоряжение медицинского университета: сейчас здесь располагается 1
университетская неврологическая клиника.
 20
2

Вальтер Гропиус на студенческой демонстрации против закрытия Ульмской школы, 1968   

 Наследие и значение в истории дизайна
Выпускники Ульма стали передовыми дизайнерами в разных частях
света. Благодаря Ульмской школе рационалистические идеи вышли на
совершенно новый уровень – главные традиции Баухауза получили
своё развитие в новых социальных условиях: так на свет появился
неофункционализм.
Школа не превратилась в заповедник идеалистических идей,
результатом которых становились бы вещи-схемы – Ульм стал
настоящим проектным бюро, организацией, напрямую связанной с
20
промышленностью: молодая и гибкая институция больше десяти лет 3
выпускала в производство реальные продукты и при этом
существовала как площадка для активных профессиональных
дискуссий.
Поп-арт в
дизайне
Поп-арт — художественное движение, зародившееся в середине
1950-х годов в Великобритании, но наиболее широкое
распространение получившее в США. Поп-арт стал дерзким
вызовом традиционной живописи, поскольку в нем делалась ставка
на изображения из массовой культуры, включая
рекламу, комиксы, обыденные предметы и новости. Кроме
прочего, появление поп-арта в США стало реакцией на серьезность
и беспредметность абстрактного экспрессионизма. Новое
поколение художников желало вернуться к предметной
живописи, при этом внеся в свои работы некоторую
несерьезность, иронию и приправить все это внушительной
порцией китча. 20
5
Художники поп-арта вдохновлялись обыденными предметами,
которых производилось миллионы. Мир средств массовой
информации, реклама, комиксы все это для них представляло
несомненный интерес. В работах использовались консервные
банки, страницы журналов, электроника, фотографии, билеты и т.д.
Предметы многократно копировались, вмонтировались в коллажи,
ассамбляжи.
.
 20
6

Р. Лихтенштейн. Спящая девушка. 1964 г.  

Термин «поп-арт» был официально введен в употребление в декабре 1962
года: поводом стал «Симпозиум по поп-арту» (англ. Symposium on Pop Art),
организованный Нью-Йоркским музеем современного искусства. К этому
времени американская реклама впитала многие элементы и идеи
современного искусства и функционировала на очень сложном уровне. В
результате американским художникам приходилось искать ещѐ глубже,
чтобы найти новые выразительные стили, которые отличали бы искусство
от хорошо разработанных и умных коммерческих материалов.
Поп-дизайн был неотделимо связан с американской мечтой абсолютно
потребительского мировоззрения, которая в начале 60-х овладела всем
западным миром. Идея производства долговечных, добротных товаров
сменилась лозунгом "сегодня использовал - завтра выбросил". Это был 20
7
прорыв в философии промышленного производства и дизайна. Детский
стул из гофрокартона Питера Мурдока, цветное пневматическоен кресло
из поливинилхлорида Ди Паса, Д Урбино, П. Ломази стали символами
распространяющейся "культуры недолговечности". Поп-дизайн с его
яркими цветами, смелыми формами, дешевыми товарами стал стилем для
молодых. Наиболее популярными материалами для поп-дизайнеров стали
различные виды пластиков, процессы изготовления которых в 60-е годы
были уже хорошо освоены. Пластик привлекал низкой ценой и
разнообразием цветов. Энзо Мари одним из первых начал
экспериментировать с пластиком.
Поп-арт развивал свои принципы формообразования, противоположные
функционализму, но при этом не противоречащие ему. "Поп" означало
соответствовать времени и быть модным. Аллен Джонс создал в
натуральную величину полуобнаженных красавиц, которые одновременно
были предметами мебели. Тем самым он поставил вопрос о границе
между искусством и функциональным дизайном.
Восприятие поп-арта было различным.
Британцы видели американскую популярную культуру со стороны, на
отдалении, из-за чего их представления имели романтический,
сентиментальный и юмористический подтекст. Американские
художники, напротив, каждый день подвергались бомбардировке 20
8
разнообразными продуктами массового производства, что требовало
создавать более смелые и агрессивные работы. Страны Восточной
Европы переживая свой рост потребления, тем не менее, были в
наименьшей степени подвержены новому агрессивному стилю жизни,
искусства и дизайна. Но и они были вовлечены в этот глобальный
процесс. В связи с более поздним включением в орбиту западной
культуры, восприятие было романтичным, желанный мир недосягаемого
изобилия.
 Это дерзкий вызов традиционной живописи, в нем делалась ставка
на изображения из массовой культуры, включая рекламу, комиксы,
обыденные предметы и новости.
Известные персоны :
• Ричард Гамильтон
• Рой Лихтенштейн
• Энди Уорхол
• Роберт Раушенберг
и мн. др

20
9

Королевская Шотландская академия в Эдинбурге, Шотландия. Выставка Уорхола,.

Колонны украшены изображениями банок супа Campbell.
 Ричард Гамильтон 1922−2011

 Британский художник и коллажист, один из

основателей художественного течения поп-арт.
В своих работах, посвященных американскому
обществу потребления, Гамильтон заложил
основы поп-арта, определил его цели и идеалы.
Родился в семье из рабочего класса, но с
детства был увлечен рисованием. Уже в 12 лет
начал посещать вечерние курсы, а в возрасте
16 лет был принят в Королевскую академию
художеств.
21
Особенности творчества художника Ричарда 0
Гамильтона: поп-арт был для него не столько
художественным движением, сколько стилем
жизни. Это означало полное погружение в поп-
культуру: телевидение, кинематограф, журналы и
музыку. Все эти элементы находили отражение в
работах Гамильтона. В своих коллажах он
использует вырезки из американских журналов,
загромождая пространство настолько, что работа
превращается в пародию. В поздние годы
Гамильтон экспериментирует с новыми
техниками, используя при создании своих
произведений компьютеры и телевидение
 21
1

«Так что же делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?» Ричард Гамильтон.
1956, 26×24.8 см
 21
2

«Fashion plate»Ричард Гамильтон.

1970 г.
 21
3

«I'm dreaming of a white Christmas»Ричард Гамильтон.

1967 г.
 Рой Лихтенштейн 1923−1977.

Американский художник, одна из самых

влиятельных фигур стиля поп-арт. В 60-е годы
ХХ века начал создавать картины, основанные на
изображениях из журналов комиксов, благодаря
чему добился огромной популярности как в
Америке, так и за ее пределами. В это же время он
начинает писать серию оммажей – отсылок к
картинам знаменитых художников, например,
Пабло Пикассо, Винсента Ван Гога и Анри
Матисса.
21
Особенности творчества художника Роя 4
Лихтенштейна: он кропотливо работал над каждой
картиной, созданной на основе комиксов. Художник
не просто копировал изначальное изображение, он
изменял композицию, добавлял детали и
существенно упрощал цветовую гамму. За основу
он брал те же цвета, которые использовал в своих
работах Пит Мондриан: красный, желтый, синий,
черный и белый. Главной же особенностью работ
Лихтенштейна является имитация растровой печати
– так называемых «точек Бен-Дэй».
 21
5

«Блам!» Рой Лихтенштейн. 1962г.

 21
6

«Вау!»Рой Лихтенштейн. 1963г.

 21
7

«В машине!»Рой Лихтенштейн. 1963г.

 Энди Уорхол 1928−1987.
Американский художник, один из главных идолов
стиля поп-арт. Родился в Питтсбурге, большую часть
жизни прожил в Нью-Йорке. Уорхол делал ставку на
тиражируемые, всем знакомые образы:
консервированный суп, бутылка «Кока-Колы»,
фотографии знаменитостей и известных
политических деятелей. Помимо живописи
занимался фотографией, режиссировал и снимал
фильмы, был продюсером рок-группы Velvet
Underground, выпускал журнал Interview. Пережил
покушение и клиническую смерть.
Особенности творчества художника Энди 21
Уорхола: одним из первых применил трафаретную 8
печать как способ создания картин. Портреты,
выполненные Уорхолом, - идеализированные,
иконизированные изображения без изъянов,
раскрашенные в яркие цвета. На «Фабрике», в
студии художника за день создавалось несколько
десятков одинаковых работ, он поставил искусство
поп-арта на поток. Часто картины становились
плодом коллективного труда, поэтому точно
определить авторство каждой из них невозможно.
Знаменитые картины : Диптих «Мэрилин», «Восемь
Элвисов», «Сто долларовых банкнот», «Сто банок с
супом «Кэмпбелл», «Мао», «Красный Ленин».
 21
9

«Диптих Мэрилин» Энди Уорхол. 1962г.

 22
0

«Сто банок с супом «Кэмпбелл»» Энди Уорхол. 1962г.

 Мао 22
1

«Мао» Энди Уорхол. 1972г.

 Роберт Раушенберг 1925−2008.
Американский художник, коллажист и график, один из
ведущих представителей неодадаизма. Родился в
маленьком городке в Техасе в семье строгих нравов. С
детства рисовал, копируя изображения из комиксов,
хотя родители не одобряли его увлечения. После
Второй Мировой войны, во время которой он работал в
госпитале, Раушенберг учился живописи в разных
художественных школах, в том числе и в Академии
Жюлиана в Париже. Расцвет его популярности
наступил после 1963 года, когда в Еврейском музее
Нью-Йорка состоялась его ретроспективная выставка.
Год спустя он получает главный приз Венецианской 22
биеннале. В 80-х много путешествует, изучая 2
художественные и ремесленные традиции разных
стран.
Особенности творчества художника Роберта
Раушенберга: Начиная с 1953 года экспериментирует
с комбинациями разных текстур на одном полотне,
создает картины с элементами коллажей, используя
газетные вырезки. На протяжении всей карьеры
Раушенберг использовал в своих работах отсылки к
значимым событиям современности и элементам
массовой культуры. Он часто комбинирует
шелкотрафаретную печать, вырезки из журналов и
предметы обихода.
 22
3

«Ретроактивный» Роберт Раушенберг. 1964г.

 22
4

«Гавань» Роберт Раушенберг. 1964г.

 22
5

«Имущество» Роберт Раушенберг. 1969г.

 Наследие и значение стиля в истории дизайна
Развитие телевидения и новые тенденции в печатной рекламе, где акцент
стал делаться на графических изображениях и узнаваемых логотипах —
брендах, которые в современном нам визуально насыщенном мире
воспринимаются как нечто, само собой разумеющееся и можно сказать
условно «классическое», норма демонстрации рекламного материала и
стилевые вариации попарта как тренд, узнаваемость графического языка.
Поп-дизайн вместе с другими течениями анти-дизайнерской
направленности противостоял "современному движению"
(функцианализму, модернизму), заявлявшему "меньше-значит лучше" и 22
6
привел к радикальному дизайну 70-х. Средства массовой информации
способствовали популяризации поп-дизайна. Многие считают, что до сих
пор трудно дать точное определение сущности поп-арта и очертить его
границы, но никто не сомневается, что поп-арт стал символом признания
и одобрения новой "популярной культуры".
Оп-арт в
дизайне
Оп-арт (термин, придуманный в 1964 году журналом Time) – это форма
абстрактного искусства (в частности, необъективное искусство) , которое
опирается на оптические иллюзии, чтобы обмануть глаз зрителя. Это
также называют оптическим искусством или искусством сетчатки. Форма
кинетического искусства, это относится к геометрическим конструкциям,
которые создают ощущение движения или вибрации. Произведения оп-
арта были сначала сделаны в черно-белом, а затем в ярких цветах.
Исторически сложилось так, что стиль оп-арта возник в творчестве
кинетического художника Виктора Вазарели (1908-97), а также в
22
абстрактном экспрессионизме. Другой крупный оперный художник – 8
британский художник Бриджит Райли (р. 1931). Современный интерес к
движению ретинального искусства возник в 1965 году, когда крупная
выставка оперного искусства в Нью-Йорке под названием «Отзывчивый
глаз» привлекла внимание общественности. Как следствие, стиль начал
появляться в печатной графике, рекламе и оформлении альбомов, а также
в дизайне одежды и интерьере. К концу 1960-х движение оп-арта исчезло.
Характеристики Оп-арт может быть определен как тип абстрактного или
конкретного искусства, состоящего из нерепрезентативных
геометрических фигур, которые создают различные виды оптического
обмана. Например, при просмотре картины Op Art могут вызывать
ощущение движения (например, вздутие, деформация, мигание,
вибрация) на поверхности картины. И образцы, формы и цвета,
используемые на этих картинах, обычно выбираются по их иллюзорным
качествам, а не по содержательному или эмоциональному содержанию.
Кроме того, оперные художники используют как позитивные, так и
негативные пространства для создания желаемых иллюзий.
Художники оп-арта, такие как   22
9
Виктор Вазарели (Victor Vasarély),
Бриджит Райли (Bridget Riley),
Хесус Рафаэль Сото  (Jesus Rafael Soto),
Ричард Анушкевич (Richard Anuszkiewicz) 
и др.,
в своих произведениях создавали пространственные оптические иллюзии
и имитацию движения с помощью многократно повторяющихся и
перетекающих одна в другую простых геометрических фигур.
Мало отразившись на архитектуре, оп-арт оказал большое влияние на
графический дизайн и оформление интерьеров. Так, стены оклеивали
разноцветными обоями с муаровыми и концентрическими узорами,
имитирующими движение и вибрацию, или украшали большими
настенными панно («Суперграфика»). Для зрительного увеличения объема
помещения применяли различные оптические эффекты. Яркими
примерами здесь могут служить знаменитый нарисованный бассейн и
спускающаяся в него лестница с «настоящими» перилами, а
также «дверь», приоткрытая в несуществующую комнату. Иллюзия 23
0
пространственного перемещения, парения, слияния форм достигалась при
помощи резких цветовых и тональных контрастов, ритмических повторов,
пересечения спиралевидных и решетчатых конфигураций, извивающихся
линий. Часто применялись установки меняющегося света, динамические
конструкции, использовались материалы сотражающей поверхностью
(металл, стекло, пластик), различные ткани .
 Виктор Вазарели 1906−1997.
Художник, дизайнер, исследователь Виктор Вазарели  всю
творческую жизнь экспериментировал с визуальностью.
Лидер оп-арта и «дедушка оп-арта» он начал свои поиски
еще в 1930-х. Своей популярностью это направление в
искусстве и дизайне во многом обязано доступностью
пространственных уловок, которые изобрел Вазарели, а
также легкостью их тиражирования.
В юности он больше интересовался наукой, чем
искусством: в 1925 году он поступил в Медицинскую школу
Будапештского университета, где проучился два
года. Дальнейшее высшее образование Вазарелли
ппродолжил  по классу живописи в Академии Подолини-
Фолькмана в Будапеште. Его учителем был Шандор 23
Бортник, известный последователь и приверженец 1
Баухауса, основавший в 1929 году собственную школу с
подобными Баухаусу принципами (школа была частной, и
Вазарели провел там два года).
В ранних монохромных работах Вазарели считывались
влияния двух течений, восхищавших его: Баухауса и
абстрактного экспрессионизма. Однако он идет дальше: его
больше интересует новый уровень точности. Его
геометрическая форма абстракции подразумевала
различные оптические узоры с кинетическим эффектом.
Художник создает сетку, в которой геометрическая форма
выстраивается с помощью яркого цвета таким образом, что
глаз воспринимает колеблющееся движение.
 23
2

Виктор Казарели. Keiho. 1963

 23
3

Виктор Вазарели. Vega Pal, 1969.

 23
4

Виктор Казарели. Zebra. 1937

 Бриджит Райли 
Английская художница, одна из самых ярких
представительниц стиля оп-арт. Отец Бриджет был
печатником, и изобразительным искусством она
интересовалась с самого детства. Профессиональное
образование Райли получила в Королевском колледже
искусств в Лондоне. Уже тогда она отдавала предпочтение
монохромным изображениям. После выпуска Бриджет
пришлось посвятить два года уходу за отцом, который
серьезно пострадал в автокатастрофе. После его смерти
она стала работать иллюстратором в рекламном агентстве.
В это же время художница начала писать в технике,
похожей на работы пуантилистов. Приблизительно в 1960
году Райли снова вернулась к монохромным картинам, но 23
теперь они состояли из геометрических узоров, создающих 5
иллюзию движения. В течение нескольких лет она
преподавала живопись и дизайн в разных учебных
заведениях Великобритании. Бриджет Райли стала широко
известной благодаря своим черно-белым работам, но уже в
1967 году она начала исследовать цветовые эффекты. На
творчество художницы повлияла поездка в Африку в
начале 80-х, после которой она придумала собственную
«египетскую палитру», чтобы передать в своих картинах
дух этой страны. На протяжении своей карьеры Райли
создала несколько муралей для крупнейших
художественных заведений, в том числе для галереи Тейт и
Национальной галереи в Лондоне.
 23
6

Бриджет Райли. Movement in Squares, 1961.

 23
7

Бриджет Райли. Cataract 3, 1967. 

 23
8

Бриджет Райли. Розавый пейзаж, 1960. 

 “
Её картины превращают процесс
видения в праздничное событие,
в захватывающий акт
откровения. Они заставляют нас
почувствовать себя более
живыми, выстраивая мост между
видением и мышлением

Ральф Ругофф

239
 Хесус Рафаэль Сото 1923-2005  

Венесуэльский скульптор и художник, который работал

в стилях оп-арт и кинетического искусства. Сото был
сыном скрипача и поначалу тоже хотел посвятить себя
музыке, но довольно скоро понял, что его больше
привлекает изобразительное искусство. С 16 лет он
рисовал плакаты для кинотеатров в родном городе, а
затем получил профессиональное образование в
Каракасе. В 1950 году Сото был награжден
государственным грантом на поездку во Францию и
решил осесть в Париже. Расцвет карьеры Сото 24
пришелся на середину 60-х, его уникальные 0
скульптуры много выставлялись по всей Европе, что
сделало его одной из самых видных фигур в
оптическом и кинетическом искусстве. Главной
особенностью работ Сото был тщательный подбор
цветов и иллюзорный эффект движения, который
возникал, когда зритель проходил мимо скульптуры.
 24
1

Maquette Sphere Lutetia. Хесус Рафаэль Сото.Скульптура, 1995

 24
2

Куб и пространство. Хесус Рафаэль Сото. Скульптура, 1971

 24
3

Spirales (Sotomagie). Хесус Рафаэль Сото. Скульптура, 1967

 Наследие и значение стиля
Парадоксальным образом оп-арт был «убит» коммерческим успехом.
В какой-то момент некоторые художники обнаружили, что их работы были
позаимствованы американскими производителями одежды. Элементы оп-
арта стали появляться на плакатах, футболках и книжных иллюстрациях.
Вскоре зрители, которые поначалу так восторженно принимали эти
картины, стали осуждать их, называя всего лишь зрительными фокусами.
В итоге движение растеряло популярность уже к 1968 году, однако 24
оптические эффекты по-прежнему продолжают изучаться в визуальном 4
искусстве и архитектуре.
Дизайн - утопии
 Экспериментальный дизайн 1960-1970 эпоха космических
полетов
Гонка за овладение мировым пространством в середине 60-х гг. охватила
всеобщее сознание людей, моду, стиль, дизайн. Представление, что
покорение мира человечеству по плечу, уси­лило общий оптимизм и
глубокое уважение пе­ред Вселенной.
Стартовый выстрел к покорению мирового пространства прогремел в 1957
году, когда советский космический спутник покинул Зем­лю. Тремя годами
спустя состоялся первый в мире полет человека в космос. Им был граж­
данин СССР Юрий Гагарин, космические полеты вскоре стали
неотъемлемой частью моды и предметного формообразования.
Футуристическая мода 60-х. В середине 60-х годов коллекция
французского кутюрье Андре Куррежа (Andre Courreges, 1923), вышедшая 24
в на­чале 1965 года, в корне изменяет моду. Коротко подстри­женные 6
модели, одетые в белое или черно-белое, в узких прямых брюках, коротких
юбках и коротких белых сапо­гах, белых очках с прорезью для глаз,
произвели сенса­цию. Это была мода для молодежи, которая должна была
сознательно выделиться из общепринятой моды. Она была составной
частью нового красивого мира, в котором фан­тазии будущего с помощью
технического прогресса пере­носятся в реальность. Андре считал, что в
будущем все будут одеваться подобным образом - в платья обтекае­мых
форм, носить плоскую обувь или комбинезоны астро­навтов. Возник
футуристический стиль в моде.
Футуристическая мода 60-х. В середине 60-х годов коллекция
французского кутюрье Андре Куррежа (Andre Courreges, 1923), вышедшая
в на­чале 1965 года, в корне изменяет моду. Коротко подстри­женные
модели, одетые в белое или черно-белое, в узких прямых брюках, коротких
юбках и коротких белых сапо­гах, белых очках с прорезью для глаз,
произвели сенса­цию. Это была мода для молодежи, которая должна была
сознательно выделиться из общепринятой моды. Она была составной
частью нового красивого мира, в котором фан­тазии будущего с помощью
технического прогресса пере­носятся в реальность. Андре считал, что в
будущем все будут одеваться подобным образом - в платья обтекае­мых
форм, носить плоскую обувь или комбинезоны астро­навтов. Возник
футуристический стиль в моде. Одновременно известный парижский 24
7
кутюрье Пьер Кар­ден создал свой вариант космической коллекции. Его мо­
дели отличались шляпами в форме стилизованных косми­ческих шлемов
или шлемоподобными кепи в сочетании с простой скромной одеждой
свободного покроя. В начале 60-х появляется и первая униформа. Для
многих люди будущего, одетые в одинаковую одежду, ассоции­ровались с
серыми безликими массами в духе тоталитар­ных кошмаров, подробно
описанных писателями-фантас­тами. Для других же - униформа была
прекрасным футури­стическим символом, чем-то из утопической мечты
 24
8

Андре Курреж и Пьер Карден Пьер Карден. Униформа для

Платья-свитеры, 1968 стюардесс 1968
Модели Тереза и Жиль, 1968

. 
Эпоха архитектурных утопий. После полных лишений послевоенных лет
программы мас­сового обеспечения жильем в целом были решены, к людям
вернулось благосостояние. После полных лишений послевоенных лет
программы массового обеспечения жильем в целом были решены. В 60 е
годы архитекторы обратились к планировке городов, стремясь осуществить
в жизнь утопические идеалы своей эпохи космических полетов. В начале 60-
х годов завершилось строительства новой столицы Бразилии по проекту
архитекторов Лусио Коста и Оскара Нимейера, которая стала
материализованным памятником утопических идей в градостроительстве. В
60-е годы появилось много футуристических предложений о новых формах
расселения и архитектуры: предлагали города над землей, на водных 24
9
поверхностях и даже морских глубинах, а также города мобильные,
перемещающиеся в пространстве (в Японии – группа 7 метаболистов во
главе с Кендзо Танге, в Англии – группа «Архигрэм»).
Соответственно их видению, тысячелетиями развивающи­еся города должны
были измениться революционно - пре­вратиться в грандиозные строения,
соответствующие но­вому стилю жизни людей эпохи космических полетов.
 25
0

Лусио Коста, Оскар Нимейер

Новая столица Бразили - город Бразилиа, Площадь трех властей, 1960
 25
1

Кендзо Танге
Проект «Токио-60», Япония, 1960
Широкое распространение в 60-е годы получили «геодезические купола»
Бакминстера Фуллера – пространственные конструкции, собранные из
небольших сборных элементов заводского изготовления в форме тетраэдра.
Купола могут достигать гигантских размеров. Фуллер предложил
футуристический проект «Геодезического купола» над частью Манхеттене в
Нью-Йорке. Наиболее «утопическим» предложением Бакминстера Фуллера
является светопропускающая сферическая оболочка вокруг земного шара,
построенная по принципу геодезического купола. Центр тяжести оболочки,
по замыслу автора, совпадал бы с центром тяжести Земли. Бакминстера 25
Фуллера считали чудаком и фантазером. А позднее стали называть 2
«первым поэтом техники», «величайшим гением в области
индустриализации строительства». Бакминстер становится национальной
гордостью США.
 25
3

Бакминстер Фуллер
Геодезические купола, 1967
По мнению архитекторов и дизайнеров города должны превратиться в
грандиозные строения, соответствующие новому стилю жизни.
В 1963 году английская группа «Архигрэм» провела в Лондоне выставку под
девизом «Живой город», пропагандирующую градостроительство в
пространстве. Один из проектов группы – город «Мувинг-сити»
(«движущийся город», 1964), способный менять своё местоположение в
поисках удобной, свободной и красивой земли. В 1965 году в Париже на 25
4
Конгессе Международного союза архитекторов прошла выставка 12-ти
проектов «городов будущего» группы французских архитекторов по
руководством Мишеля Рагона.
 25
5

Гай Десаужес
Жилая башня из сборных цилиндров, 1966
 25
6

Дитер Шмидт
Первый полностью изготовленный из пластмассы дом, 1965
 25
7

Дитер Шмидт
Первый полностью изготовленный из пластмассы дом, 1965
 Наследие и значение в истории дизайна
Дизйн – Утопии в большинстве случаев остался не реализованными
проектами, но все же, смог оставить за собой большой след. Некоторые
постройки привнесли что-то новое в дизайн и архитектуру, а некоторые, так
и остались незамеченными. По сей день, проекты утопии вспоминают, как
25
что то максимально «футуристическое» и нереальное . 8
 Радикальный
дизайн и
антидизайн
«Радикальный дизайн» возник в конце 60-х как своеобразная реакция на
господствующий в то время «Хороший дизайн». Это иррациональное
направление, выдвигая утопические проекты, боролось с геометрией
модернизма. Возникший одновременно и близкий ему по понятию, но
более применимый на практике двойник радикального
дизайна «Антидизайн» отличался несколько большей экспериментальной
направленностью и политизацией.
Историю возникновения и развития движения "Антидизайн"
обычно тесным образом связывают итальянским дизайном.
Здесь в конце 60-х гг. новое поколение архитекторов и
дизайнеров было недовольно уровнем образования и 26
0
условиями работы, а также ориентированным на потребителя
"бел-дизайном" ("Bel-design") промышленных изделий. Желания
проектировать элегантные изделия больше не было, старались
думать концептуальное и глобальнее, по-новому смотреть на
процесс предметного формообразования, как и на политические
предпосылки в потребительском обществе.
В постиндустриальном обществе 80-х была окончательно разрушена
господствовавшая до этого доктрина современного движения "форма
следует за функцией" и семантическое значение объекта теперь стало
столь же важным, как и его практический смысл. На смену
функциональному диктату модерна ("современного движения") пришли
поп-культура и различные течения радикального дизайна, подготовив
почву для появления нового стиля - постмодерн. Плюрализм
стилистических течений и эстетических взглядов стал общественным
феноменом 70-80-х.
Дизайн 90-х. Дизайн -технологии будущего Экспоненциальный рост
достижений в области высоких технологий, таких как микроэлектроника,
кибернетика, бионика и робототехника, дают основание полагать, что мир 26
в своём технологическом развитии движется к определённой 1
эволюционной асимптоте, некоторой точке на оси времени, при
приближении к которой ряд ключевых показателей прогресса стремится к
бесконечности. Развивается дизайн программных интерфейсов, дизайн
виртуального мира. Мир предметов окрашивается в яркие природные
цвета, перекликаясь с бионикой, становится квазиприродой, созданной
человеческими руками.
Умный город будущего Уолта Диснея. Известный нам по
мультипликационным фильмам с легендарными персонажами и Дисней-
ленду Уолт Дисней был еще и автором Project-X, ставшего мечтой и
тайным замыслом великого человека. Идея грандиозного и одиозного
проекта, реализации которого помешала смерть автора, состояла в
формировании закрытого сообщества из 20 тысяч человек, живущих в
самом высокотехнологичном городе под стеклянным колпаком!

26
2

«Город Epcot» Уолтер Дисней 1982г.

«Радикальный дизайн» возник в рамках течения «Радикальная
архитектура». Основными центрами «радикального дизайна» в Италии
были Милан, Флоренция, Турин. Протест против существующего дизайна
выражался в рисунках, фотомонтажах и чертежах утопических проектов,
конкретные объекты создавались все реже, а если создавались, то носили
ироничный или провокационный характер.
Участники движения “радикальный дизайн” считали, что модернизм
больше не является передовым течением и движущей силой культуры.
Одним из основоположников «радикального дизайна» считается Эторе
Соттсасс. Его объекты и теоретические взгляды до 80-х гг. оставались
путеводными для итальянского «радикального дизайна». Радикальный
дизайн предпочитал проектированию новых продуктов разработку
альтернативной среды обитания, нового жизненного пространства. Вскоре 26
движение стало доминантным в мире дизайна, в нем принимали участие 3
такие дизайнеры, как Гаэтано Пеше,  Алессандро Мендини, Андреа
Бранци  и многие другие.
Основу движения «радикальный дизайн» составляли итальянские
группы:
• Archizoom (основана во Флоренции,1966),
• Superstudio (Флоренция, 1966),
• UFO (Флоренция, 1967),
• «Группа 9999» (Флоренция, 1967),
• Strum (Турин, 1963),
• школа-лаборатория “Global Tools” (Флоренция, 1973).
«Суперстудио». Группа "Суперстудио" (Superstudio) была основана в
декабре 1966 г. во Флоренции Адольфом Наталини и КристианоТоральдо.
Год основания совпал с разрушительным наводнением одной из
крупнейших рек Италии Арно. Оба события как бы символизировали
разрушение сложившейся культуры, только в первом случае это
разрушение - стихийное бедствие, во втором - осознанное, руками
человека "Суперстудио" ставила под сомнение достоверность
рационализма и пыталась заменить традиционный город новой
суперструктурой, где архитектура должна стать либо не­функциональной и
саморазрушающей, либо символичной.

26
4

«Pratone lounge chair» Cуперстудио, 1971

Группа "Штрум". На Нью-йоркской выставке "Италия: новые домашние
ландшафты" 1972 года была ярко представлена также группа "Штрум" (от
слова "Strum", бренчание). Основана в Турине в 1963 году Жоржио
Жиретти (GiorgioGeretti) и др. Одна из самых известных работ группы -
экзотическая "мебель" для сидения и лежания из полиуретана "Pratone"
(большой луг, 1966-70).В 60-70-х гг. группа "Штрум" проявляла
исключительную активность в продвижении радикального дизайна в
Италии, используя трибуну различных семинаров, а также в своих
публикациях по теории дизайна. Для выражения социального и
политического содержания современной архитектуры группа прибегала к
методу "историй в картинках" - наглядному и популярному в 60-х.

26
5

«Капителия» Группа «Штурм», 1972

"GlobalTools". Свободная школа-лаборатория дизайна "GlobalTools". В
1973 году члены различных групп радикального дизайна объединились
вокруг журнала "Casabella", директором которого был Алессандро
Мендини. Все это в итоге привело к организации во Флоренции в 1974 году
"GlobalTools" - школы радикальной архитектуры и дизайна. Ее целью было
развитие и исследование непромышленных способов производства,
продвижение индивидуального творчества, "GlobalTools" открыла
несколько мастерских (лабораторий), развивающих подход в дизайне
"сделай сам" и изучающих потенциальные прикладные характеристики
технических материалов. Своими левой политической направленностью и
научно-политическими тезисами "GlobalTools" пыталась на основе 26
творчества объединить обычных людей и профессиональных дизайнеров 6
в единый дизайн-процесс. Во время своей деятельности "GlobalTools"
была центральным форумом радикального дизайна и ее роспуск стал
концом первой фазы этого движения в Италии. Подвергая сомнению
установившиеся в дизайне каноны, лидеры радикального дизайна
заложили теоретические основы стилистическому направлению
постмодерн, которое зародилось в конце 70-х, а получило расцвет в 80-х
гг.
"Архизум". Группа "Архизум" возникла одной из первых во Флоренции в 1966
году. Ее лидерами стали Андреа Бранци (AndreaBranzi, 1941), Паоло
Деганелло (PaoloDeganello, 1940), Гиль-берто Коретти (GilbertoCorretti, 1941),
Масимо Мороци (MassimoMorozzi, 1941). Само название происходит от
британской архитектурной группы "Архигрэм" и от одного из выпущенных ими
журналов "Зум" (Zoom). "Архизум" известен как создатель радикальных
архитектурных проектов, таких как WindCity, no-Stop-City. Они пытались
показать, что если идти по пути рационализма, то он становится алогичным и
в конце концов антирационалистическим.. Группа Архизум придумывала
26
проекты городов будущего, разрушающих традиционные представления о 7
городе, проекты шагающих городов, саморазрушающихся домов. Город
будущего в представлении участников независимого дизайна- палатки и горы
мусора. "Архизум" пришел к выводу, что конечной целью современной
архитектуры является уничтожение архитектуры как таковой. В 1966 и 1967 гг.
"Архизум" устроил две выставки "Суперархитектура" совместно с
"Суперстудио". Все их работы имели смысловую связь с поп-культурой и
китчем и в тоже время выражали насмешку над претенциозностью "Хорошего
дизайна".
 26
8

Диван «Superonda» созданные для компании Poltronova,

. 
«Archizoom» 1966
К середине 1970-х годов Радикальный дизайн пережил пик своего расцвета,
надежды на социальные изменения через дизайн и архитектуру не
оправдались. Но это течение вымостило путь для появления новых лидеров
поп-дизайна, "Алхимии" и "Мемфиса", эффективно и всесторонне
26
обновивших итальянский дизайн. Подвергая сомнению установившиеся в 9
дизайне каноны, лидеры радикального дизайна заложили теоретические
основы стилистическому направлению “Пост-модернизм”, которое
зародилось в конце 70-х, а получило расцвет в 80-х. гг.
 Концептуальные поиски советских дизайнеров
1962 год - возрождение дизайна. Первые дизайнерские бюро широкого
профиля в СССР: открылось архитектурно-конструкторское бюро
Ю.Соловьева. ЛВХПУ и МВХПУ. Инженерный дизайн первых
послевоенных лет. Государственный дизайн. ВНИИТЭ (1962 г.) и его
филиалы.В 60-х годах становление отечественного дизайнерского
образования шло параллельно и синхронно со становлением самой
дизайнерской деятельности. В этот период. была разработана
квалификационная характеристика художника конструктора, для всех
других художественно- промышленных вузов. Она отражала специфику
27
дизайна, ограничиваясь общими описаниями знаний и умений, 0
необходимых для всех художественных специальностей. Учебные планы
разрабатывались и рассылались в вузы в качестве обязательного
норматива. Вместе с тем общий характер формулировок, их
неконкретность и расплывчатость позволили кафедрам достаточно
свободно по своим представлениям и возможностям трактовать и
формировать свои учебные планы. Все это привело к тому явлению,
которое с полным основанием называют сегодня региональной школой
дизайна.
В 50- годы в СССР были возрождены службы Аэрофлота и разработан ее
фирменный стиль. Среди крупных разработок дизайнерского бюро Юрия
Соловьева – проект троллейбуса, интерьеры атомного ледокола «Ленин»,
проекты трансформирующейся мебели, интерьеры пассажирских вагонов,
информационных табло и др. Конструкторское бюро Андрея Туполева
создало в 1957 году пассажирский авиалайнер «Ту-104». Первые
самолеты, несмотря на сверх-современный внешний вид, внутри были
оборудованы по типу интерьеров поездов с мебелью в «русском стиле» с
вышитыми занавесками и домашними настольными лампами.

27
1

Юрий Соловьев Троллейбус «МТБ-82М» на улица

Троллейбус «ЗИУ-5», 1946 Москвы, 1946
 27
2

Авиалайнер «Ту -104»

Конструкторское
.  бюро А.Туполева,1957
В 1958 году в Горьком (Нижний Новгород) в Центральном
конструкторском бюро был создан ряд судов на подводных крыльях
серии «Метеор», «Вихрь», «Комета». Наиболее быстроходным было судно
с газотурбинным двигателем «Буревестник», перевозившим 150
пассажиров со скоростью 97 км/час.

27
3

Федор Прибыщенко, Олег Фролов и др.  Судно на подводных

крыльях «Метеор», 1960-е годы
Во время Всемирного фестиваля молодежи и студентов 1957 года
москвичи впервые после долгой изоляции России, увидели иностранцев.
Новые моды, новые идеи, новая музыка, новые люди. Это было началом
оттепели времени Н. Хрущева. Вместе с жизнью начал раскрепощаться и
быт. В 1962 году состоялось официальное возрождение дизайна, когда
специальным постановлением Совета Министров СССР предписывалось
создать специальные дизайнерские бюро для проектирования машин и
бытовых изделий.

27
4

Всемирный фестиваль молодежи и 

студентов в Москве, 1957 год 
Эмблема фестиваля, фото московских улиц 
Отправной точкой начала развития дизайна в Сибири как
профессиональной творческой деятельности стало распоряжение Совета
Министров РСФСР от 26 сентября 1964 года и распоряжение Совета
народного хозяйства Западно-Сибирского экономического района от 18
ноября 1964 года об организации при Совнаркоме в городе Новосибирске
хозрасчетного специального художественно-конструкторского бюро
(СХКБ), основными техническими направлениями работы которого явились
организация и проведение проектно-конструкторских работ в области
эстетики в электротехнической промышленности. Знаменательным
событием в истории дизайна в Сибири и началом становления Сибирской
дизайнерской школы стала подготовка специалистов-дизайнеров в
Новосибирской государственной архитектурно-художественной академии
(НГАХА) в 2000 году. 27
5

Юрий Михайлович Косов (1941-2011) 

Первый руководитель СКХБ в Новосибирске,
основатель кафедры дизайна в НГАХА 
  Группа Мемфис
Группа «Мемфис» (1981-1988) была основана в Милане в 1981 году
Этторе Соттсассом (Ettore Sottsass), Андреа Бранци (Andrea Branzi) и
Микеле де Лукки (Michele De Lucchi). Сначала группа существовала как
отделение студии "Алхимия" - галереи экспериментальных работ, не
предназначенных для промышленного производства. Дизайн студии был
элитарен и осознано интеллектуален. Продвижение придуманных
Алессандро Мендини - творческого лидера студии - направлений "re-
design" и "банальный дизайн" стало главным в идеологии студии
"Алхимия", и Соттсасс который находил такой подход слишком
ограниченным, покинул группу. 11 декабря 1980 года несколько 27
дизайнеров во главе с Соттсассом собрались для того, чтобы обсудить 7
необходимость создания нового направления в дизайне. Они решили
создать объединение, которое в ту же ночь получило название
"Мемфис", по названию песни Боба Дилана "Stuck inside of Mobile with the
Memphis Blues Again", которая множество раз проигрывалась во время
собрания дизайнеров. Название также напоминало о древней египетской
культурной столице и о родном городе Элвиса Пресли, и, следовательно,
имело двойную и даже тройную шифровку.
 27
8

. 

Стулья Riviera, диз. Микеле де Лукки, Коллекция Дэвида Боуи. 1883г

В феврале 1981 года группа собралась еще раз. К этому времени члены
группы выполнили более сотни эскизов смелого красочного дизайна, черпая
вдохновение как из футуристических тем, так и из декоративных стилей
прошлого, включая Art Deco, китч 50-х годов, и насмехаясь над
претенциозностью "хорошего дизайна".
В сентябре 1981 года группа впервые показала свои работы на выставке в
шоу-руме Arc'74 в Милане. Коллекция мебели, светильников, часов и
керамики, представленная в Милане, была создана интернациональной
группой дизайнеров, имена которых вошли в историю современного
дизайна: Ханс Холляйн (Hans Hollein), Широ Курамата (Shiro Kuramata),
Питер Шир (Peter Shire), Джавье Марискал (Javier Mariscal), Массанори
Умеда (Massanori Umeda) и Майкл Грейвз (Michael Graves). Выставка 27
"Мемфиса" стала сенсацией в мире дизайна. 9

В тот же год с целью продвижения нового направления была издана книга

"Мемфис, новый интернациональный стиль". Компания Artemide, которая
на протяжении 1982 года производила вещи, созданные дизайнерами
группы, предоставила "Мемфису" свой шоу-рум в Милан, где дизайнеры
выставляли свои новые творения. С 1981 по 1988 год выставки группы с
успехом прошли в Лондоне, Монреале, Нью-Йорке, Париже, Стокгольме и
Токио.
 28
0

. 

Диван Lido, диз. Микеле де Лукки. Эстимейт. Коллекция Дэвида Боуи. 1883г
Стиль "Мемфис" стал настоящей анархией в дизайне. В нем сложно
выделить "формообразующие черты", так как он ориентирован
исключительно на выражение самобытности дизайнера. Но общее,
объединяющее - это острота жеста, смелая игра материалами, фактурами
и формами, виртуозное смешение стилей. При всем при этом стиль
"Мемфиса" был привлекательным, остроумным и забавным. Он как будто
кричал: "Не относитесь к дизайну слишком серьезно!" Все было кричаще
пестро, наиграно и шутливо. Одним из любимых материалов дизайнеров
стал ламинат, который они ценили за "недостаток благородства". Из баров и
кафе-мороженных 50-60-х годов они перенесли его в жилые дома. Стекло, 28
сталь, оцинковка, алюминий, как и ламинат стали применяться в новых 1
смысловых комбинациях. Использовались коллажи, построенные по
принципу хаоса. Многие из объектов выглядели как детские игрушки.
Дизайн "Мемфиса" - это мир яркого, чистого цвета. Сопоставление цветов
острое, на грани китча, но в этом и выражается виртуозность -
балансировать на грани. Парадоксальная смесь форм, текстур и фактур,
материалов. Неожиданные акценты.
 28
2

. 

«Kristall table» Michele De Lucchi, 1981

"Играючи", Соттсасс и его единомышленники решали серьезные проблемы:
они отказывались создавать вещи для конвейера и думать только о
прибыли и высоких продажах. Современный дизайн, говорили они, должен
быть качественным и многофункциональным. Не удивительно, что уже
первыми клиентами Sottsass Associates стали такие известные компании,
как Мandelli, Brionvega, Wella. Появились оригинальные модели станков,
телевизоров, фенов для волос. Дизайнеры искали новые выразительные
средства, практичные и недорогие материалы, решали многие технические
вопросы самостоятельно. В отличие от студии "Алхимия" дизайнеры 28
"Мемфиса" сразу поставили себе цель - установить связь между 3
дизайнерским объектом и потребителем. В своей деятельности они
использовали новые знания в социологии и маркетинга: Стремились не
просто снабжать рынок, а с ориентацией на определенные социальные
группы. В итоге это привело как в эстетическом, так концептуальном
смысле к новому пониманию дизайна.
 28
4

. 

Книжный шкаф Casablanca, Ettore Sottsass, 1981

 Наследие и значение в истории дизайна
Смешение тем и косвенное цитирование стилей прошлого, используемое
дизайнерами "Мемфиса", способствовали созданию стилистики пост-
модернистского дизайна. Члены группы всегда осознавали, что "Мемфис"
был "преходящим увлечением", связанной с изменчивостью моды, и в 1988
году, когда популярность группы стала угасать, Соттсасс распустил ее.
Несмотря на краткость существования, феномен "Мемфиса" с его молодой 28
энергией и ироничным подходом к дизайну, оказался центральным 5
явлением в создании интернационального движения Постмодернизма.
"Мемфис" открыл путь антифункциональным направлениям в европейском
дизайне, которые получили название "новый дизайн".
Хайтек
Хайтек — стиль в архитектуре и дизайне, зародившийся в 1970-х в недрах
постмодернизма и нашедший широкое применение в 1980-х. Являясь
потомком модернизма, хай-тек сохранил в себе некоторые его качества:
прагматизм, скульптурная форма, сложная простота, конструкция в
орнаменте и технологичность. Часто считаются хай-тек завершением
целой эпохи – времени перемен, модерна, пик «современности» в
архитектуре и дизайне.
Основными чертами стиля хай-тек стали: трубчатые конструкции из
металла и лестницы, выведенные наружу здания, широкое использование
серебристо-металлического цвета, частое обращение к элементам
конструктивизма и кубизма, прагматизм в планировке.
Одним из первых важных сооружений хай-тека принято считать Центр 28
Помпиду в Париже (1977), построенный Ричардом Роджерсом и Ренцо 7
Пиано. Поначалу проект был встречен в штыки, но к 1990-м годам споры
утихли, и Центр стал одной из признанных достопримечательностей
Парижа (как некогда Эйфелева башня).
Другими не менее главными идеологами хай-тека считаются:
• Норман Фостер,
• Николас Гримшоу
• Джеймс Стирлинг.
 «Аркигрэм»
Важную роль в становлении хай-тека сыграла архитектурная группа
«Аркигрэм», которая перенесла идеи поп-арта и научной фантастики 1960-х
в архитектуру. Не меньшую роль внес Б. Фуллера и его геодезические
купола, а также кинетические структуры Фрея.
“Аркигрэм” – группа архитекторов, оказавших большое влияние на
развитие архитектуры в период постмодерна. Её в начале 60-х годов
создали молодые лондонские архитекторы Уоррен Чок, Рон Херрон,
Дэнис Кромптон, Майкл Уэбб и Дэвид Грин во главе с Питером Куком.
Главная идея «Аркигрэма» — представить город не как архитектурную
систему, а как совокупность различных конструкций,
объединяющую живущих в нём людей.
Сначала был создан журнал «Archigram», в котором молодые люди 28
8
пропагандировали идеи архитектурного авангарда с его текучими,
игривыми и динамичными формами.
Редактор журнала Дэвид Грин писал, что новый виток в архитектуре должен
соотноситься с новыми формами, ибо современным людям, по его
мнению, доступны технологии придания нужных очертаний пластику,
изготовления воздушных шаров любых размеров и производства
всевозможных стальных конструкций. 
Это было время кардинальных перемен и небывалого технического
прогресса. Был изобретён копировальный аппарат и лазерная
голограмма. И архитекторы решились развивать свои собственные идеи
не только на страницах журнала, но и в прикладной архитектуре.
Хайтек — стиль в архитектуре и дизайне, зародившийся в 1970-х в недрах
постмодернизма и нашедший широкое применение в 1980-х. Являясь
потомком модернизма, хай-тек сохранил в себе некоторые его качества:
прагматизм, скульптурная форма, сложная простота, конструкция в
орнаменте и технологичность. Часто считаются хай-тек завершением
целой эпохи – времени перемен, модерна, пик «современности» в
архитектуре и дизайне.
Основными чертами стиля хай-тек стали: трубчатые конструкции из
металла и лестницы, выведенные наружу здания, широкое использование
серебристо-металлического цвета, частое обращение к элементам
конструктивизма и кубизма, прагматизм в планировке.
Одним из первых важных сооружений хай-тека принято считать Центр 28
9
Помпиду в Париже (1977), построенный Ричардом Роджерсом и Ренцо
Пиано. Поначалу проект был встречен в штыки, но к 1990-м годам споры
утихли, и Центр стал одной из признанных достопримечательностей
Парижа (как некогда Эйфелева башня).
Другими не менее главными идеологами хай-тека считаются:
• Норман Фостер,
• Николас Гримшоу
• Джеймс Стирлинг.
 29
0

. 

«Гуляющий город»(1961) Группа «Аркигрэм»

 Ричард Роджерс  
Ричард Роджерс родился в июле 1933 года во Флоренции.
Обучался он вШколе Архитектурной Ассоциации и
окончил её в 1959 году. Далее он поступает в Йельский
Университет, где знакомиться с Норманом Фостером.
После возвращения в Англию в 1963 году друзья
совместно со своими женами основывают архитектурное
бюро «Team 4». А в 1967 году Ренцо Пиано выигрывает
конкурс на строительство того самого Центра Помпиду и
Роджерс присоединяется к нему.
Со временем его архитектурное бюро стало
организовывать филиалы в Испании и Италии. В 1991
году он был посвящен в рыцари, а королева
Великобритании подарила ему титул барона, также 29
архитектор награжден орденом Почетного легиона и 1
пожизненным пером Англии. В 2000 году один из
талантливейших архитекторов мира был награжден
международной премией в Японской Ассоциации
искусства.
Одними из самых известных работ являются терминал
мадридского аэропорта Барахас, который был отмечен
премией Стирлинга в 2006 году; его назвали «образцом
экологической и эстетической безупречности».
Пассажиропоток терминала в 35 миллионов людей
сделал его вторы после Хитроу и одним из самых
высокотехнологичных и функциональных европейских
аэропортов.
Миллениум Дом в Гринвиче, Центр Помпиду Париж, Деловой Центр
компании Ллойд в Лондоне который стал штаб-квартирой агентства по
страхованию, Европейский суд в Страсбурге , Национальная Ассамблея
Уэльса в Кардиффе – эти здания архитектора Роджерса . Все они
оригинальны и постоянно привлекают к себе большое внимание. У
Роджерса есть основной принцип- все его здания читаемы: зритель должен
понять сразу как они построены.

Сегодня мастерская Роджерса это Rogers Stirk Harbour + Partners. Она

имеет офисы в Лондоне, Барселоне и Токио и Мадриде. 29
Роджерс также стал лауреатом Притцкеровской премии и получил звание 2
лучшего архитектора 2007 года.

Роджерс — один из западных архитекторов, работавших в России над

таким проектом небоскреба как петербургский «Газпром-сити».
 29
3

. 

Центр Помпиду в Париже (1977) Ричард Роджерс и Ренцо Пиано

 29
4

. 

Башня Ллойда(1986) Ричард Роджерс. Лондон.

 Николас Гримшоу 
современный британский архитектор

Николас Гримшо (Гримшоу) родился 9 октября 1939

года в Хоуве, Великобритания. В 1959-1962 годах
учился в Эдинбургском Колледже искусств, в 1962-1965
- в Архитектурной школе лондонской Архитектурной
Ассоциации. На протяжении 15 лет Николас Гримшо
работал вместе с Терри Фарреллом.
Среди основных проектов Гримшоу — международный
железнодорожный вокзал Ватерлоо в Лондоне (1993 г.),
Национальный космический центр Великобритании в
Лестере (2001 г.), мост Хеермы в Амстердаме (2001 г.) и
в особенности гигантский проект "Эдем" (англ. Eden 29
Project) — комплекс оранжерей в местечке Сент-Остелл 5
в Корнуолле. Гримшоу также проектировал для
Ливерпуля, Парижа, Берлина, Бильбао, Франкфурта,
Мельбурна, Николасам Гримшо был сооружён
британский павильон на Всемирной выставке 1992 года
в Севилье.

       В 2016 и 2018 годах Grimshaw studio была

награждена AJ100 International Practice of the Year
Award за широту работы фирмы по всему миру.
 29
6

. 

Николас Гримшоу. Проект "Эдем", фотография 2004 года

 29
7

. 

Николас Гримшоу. Национальный центр космических исследований в Лейстере построен в 2001 году.
После изначального недоверия, а где-то и отвержению, как в Англии,
относительно стиля начинают менять точку зрения. С 1980-х годов хай-тек
становится дорогим и престижным стилем, формируя имидж крупнейших
коммерческих фирм. Модой 70-80-х годов были «зеркальные» здания с
ограждениями из поляризованного светоотражающего стекла, скрывающими
конструкции. С 1990-х гг. хайтек все чаще пытается соединиться с природой,
подчеркивая её образы.
Таким образом, постепенно хай-тек перерастает в био-тек и эко-тек
(особенно это заметно в работах архитекторов родины хай-тека —
Англии и итальянца Р. Пиано).
Данный стиль был сформирован в конце двадцатого века, а его основными
чертами, отличающими от других стилей, являются полное отсутствие
какого-либо декора и абсолютная функциональность. Примечательно, что
скудный декор отлично компенсируется игрой света на всевозможных 29
8
хромированных поверхностях.
Хай-тек при своем внешнем виде довольно сух, но при этом урбанистичен:
он появился вследствие разработки дизайна строений промышленного
назначения, а изначально и вовсе применялся исключительно в архитектуре.
Хай-тек не скрывает значимых функциональных деталей интерьера,
например, таких как воздуховоды, трубы или арматурные составляющие. Он
демонстрирует все разнообразие и богатство новейших технологий и
материалов. При этом он не имеет строгих границ. Важно отметить, что Хай-
тек в чистом виде в качестве основы для дизайна интерьеров практические
не используется по причине своей безжизненности, а в некоторой степени и
холодности. Однако именно на основе этого стиля дизайнерам удается
создавать уютные и оригинальные интерьеры.
 Ренецо Пиано
Итальянский архитектор
Ренцо Пиано — один из самых востребованных
архитекторов современности. Он является лауреатом
Притцкеровской премии 1998 года, одним из
основателей стиля хай-тек и владеет архитектурной
мастерской Renzo Piano Building Workshop.
Ренцо Пиано родился 14 сентября 1937 года в Генуе в
семье строителей. Еще во время учебы молодой
человек сотрудничал с несколькими бюро и работал на
стройплощадках под руководством своего отца.
Первая большая работа, принесшая Пиано подлинное
мировое признание, состоялась, когда ему было 30 лет.
29
В 1971 году Ренцо Пиано совместно с британским 9
архитектором Ричардом Роджерсом основал бюро
«Piano & Rogers», в недрах которого и родился смелый
проект Центра Помпиду в Париже.
Пиано невероятно разносторонний мастер. Ему с
равным успехом удаются небоскребы и
университетские кампусы, жилые кварталы и офисные
кластеры, общественные здания и инженерные
сооружения. Он создает шедевры независимо от того,
должен это быть магазин или концертный зал,
автомобильный мост или пешеходная набережная. И в
каждой типологии архитектор находит что-то
уникальное, делающее эту постройку неповторимой
 30
0

. 

Ренецо Пиано. Музей современного искусства Аструпа — Фернли. Осло, Норвегия. 1993г.
 30
1

. 

Ренецо Пиано «The Shard» Лондон, 2009г.

Отличительные черты стиля хай-тека
1.Максимальная функциональность пространства. Все подчинено принципу
эффективности и практичности. Не случайно стиль хай-тек начал свое
победное шествие с освоения офисных помещений.
2.Пространство максимально открыто и просторно. Даже если это очень
маленькое помещение, то за счет обилия стекла и блестящего металла, а
также благодаря использованию различных шкафов и модулей для
хранения, пространство максимально освобождается.
3.Практически полное отсутствие украшений, как избыточных элементов.
Оборочки, керамические вазочки, полочки со статуэтками – смертный грех
для хай–тека. Пространство оживляет игра света на металлических
поверхностях, соединение разнообразных материалов и фактур,
использование дополнительных светильников и подсветки. 30
4.Классический вариант стиля высоких технологий – открытость 2
пространства, отсутствие перегородок. Акцентированное внимание
привлечено к соединениям металлических конструкций: швов, стыков. Их
даже специально выделяют с помощью сварки.
5.Прямые линии пересекаются под углом, а основной принцип интерьерных
решений – простота и рационализм использования.
6.Еще одна стилистическая особенность – обилие современных
технологических новинок в самом, что ни на есть, современном исполнении.
7.Провода, арматура, крепежи, балки не скрываются и не прячутся, а,
наоборот, выгодно подчеркиваются. Они являются своеобразными
маркерами стиля.
 30
3

. 

Инженерный корпус, Университет Лестера, Великобритания, 1963. Джеймс Стерлинг

 
 Дизайн интерьера в стиле хай-тек.

Хай-тек можно отнести к ультрасовременным стилям, в нем применяются

конструкции, свойственные промышленным зданиям. К примеру, в
архитектуре главным принципом стала социальная направленность
жилища, его функциональное соответствие необходимым потребностям
обитателей.
Появились новые конструкции и материалы: металлический каркас,
монолитный бетон, сборные бетонные конструкции; простые и четкие
формы, окна от пола до потолка — дома, похожие на космические корабли
будущего.
Излюбленные материалы хай-тека — хромированные трубы, 30
металлические поверхности, отполированные перемычки соединений, 4
болты, стекло и пластик.
В мебели и утвари стиля хай-тек используются нержавеющая сталь и
хромированные поверхности, гнутые трубы, вращающиеся сидения,
модификация уровней.
Формы и пропорции мебели в стиле хай-тек тщательно продуманы — это
может быть пластик, кожзаменитель, полированный металл.
Холодный элегантный блеск стали, хрома и алюминия, нарочито
«промышленный» облик присутствуют во всех элементах интерьера — на
полу и на подвесном потолке, в конструкции оконных рам, лестниц,
создавая техногенные джунгли из балок, ферм и трубопроводов,
хромированных, никелированных или разноцветных.
• Яркие цветовые пятна.
• Идея диктует цвета четкие, без полутонов: черный, белый и серый в
основе; красный, синий, зеленый и желтый — как дополнение.
• Стиль хай-тек подходит для больших помещений, разделенных на
функциональные зоны с помощью перегородок и дверей из небьющегося
стекла.
• Легкость и невесомость интерьеру придает широкое использование
стекла и прозрачного пластика. Перегородки, мебель, пронизанная 30
5
воздухом и светом, изящные детали смягчают изначальную жесткость
стилевого направления.
• Прозрачные двери-купе в алюминиевой раме не только дань последней
моде, но и одновременно с этим вещь удобная и функциональная, так как
позволяет экономить пространство.
• Еще одна новинка — прозрачные двери со светодиодами. Или дверь с
эффектом битого стекла, состоящая из трех слоев. Битый слой зажат
между двумя небьющимися панелями.
 30
6

. 

Интерьер Хайтек
Интерьер от BVN-Architecture, Квинсленд, Австралия начало 2000г.  
Хай-тек пропагандирует внедрение в жилье мебели из стандартных
металлических элементов, выпускаемых для изготовления стеллажей
складов, заводов, раздевалок в бытовках. В качестве мебели часто
используются автобусные, самолетные, зубоврачебные кресла, посудой
служат, например. предметы из лабораторий и т.д. Интерьер зачастую
выглядит как ассамбляж из вещей, изготовленных для иных целей..

30
7

Шкаф-контейнер, Матео Тун,

Система канцелярской мебели "Номос",
1985
Норман Фостер, 1987
 Наследие и значение в истории дизайна
Стиль хай-тек стал революционным, как в мире дизайна, так и в мире
архитектуры. Даже самые первые здания до сих пор смотрятся
необыкновенно и завораживающе. Этот стиль не теряет своей
актуальности, а лишь набирает обороты. Все больше и больше можно
встретить зданий, интерьеров, мебель в стиле хай-тек. Это направление
полностью поменяло стандарты и привычные понятия в дизайне и
30
архитектуре, хай-тек оставит за собой большое наследие на долгие годы. 8