МИНИСТЕРСТВО ОБРАЗОВАНИЯ, КУЛЬТУРЫ

И ИССЛЕДОВАНИЙ РЕСПУБЛИКИ МОЛДОВА

ГОСУДАРСТВЕННЫЙ ПЕДАГОГИЧЕСКИЙ
УНИВЕРСИТЕТ «ИОН КРЯНГЭ»
Факультет изобразительного искусства и дизайна
Кафедра изобразительного искусства
Учебная программа живопись

КАПАНЖИ ИРИНА

РАЗНООБРАЗНЫЕ ТЕХНИКИ СОВРЕМЕННОЙ

СТАНКОВОЙ ЖИВОПИСИ

Дипломная работа

Научный руководитель:
Ион Морэреску, старший преподаватель

Кишинев 2022
 Заявление об ответственности

Нижеподписавшаяся, Капанжи Ирина, выпускница Факультета

изобразительного искусства Государственного педагогического университета
«ИОН КРЯНГЭ» в Кишиневе, по специальности живопись, заявляю под свою
ответственность о том, что дипломная работа на тему: «Разнообразные техники
современной станковой живописи» была разработана мной и никогда не была
представлена на другом факультете или в другом высшем учебном заведении
страны или за ее пределами.
Также заявляю, что источники, использованные при написании данной
дипломной работы, в том числе размещенные в международной компьютерной
сети Интернет, указаны с соблюдением правил во избежание плагиата:
- фрагменты текста приведены в полном соответствии с
первоисточником и выделены кавычками, с указанием ссылки на источник;
- цитирование/перефразирование текстов других авторов
собственными словами содержит точные ссылки;
- обобщение идей других авторов содержит точную ссылку на
оригинал.

Капанжи Ирина ________________

(подпись)

2
 СОДЕРЖАНИЕ

ВВЕДЕНИЕ…………………………………………………………………. 4

ГЛАВА I. История возникновения станковой 8

живописи……………..

1.1. Определение и характеристика станковой 8

живописи………………

1.2. Жанровое богатство станковой живописи………………………….. 14

ГЛАВА II. История развития технологий живописных материалов

и техник в современной станковой 29
живописи………………………….

2.1. Материалы и техники станковой живописи. Особенности техники

исполнения и тайны создания 29
произведений………………………………

2.2. Абстрактный экспрессионизм. Описание творческой части

дипломной работы от замысла до 40
завершения……………………………..

ЗАКЛЮЧЕНИЕ……………………………………...…………………….. 51

СПИСОК ЛИТЕРАТУРЫ………………………………………………... 54

3
ПРИЛОЖЕНИЯ…………………………………………………………… 57

ВВЕДЕНИЕ

На протяжении всей мировой истории художники пытались запечатлеть

красоту окружающего мира в своих произведениях, постоянно прибывая в
поиске выразительных средств, материалов.
Одной из основных задач нашего общества, встающих перед системой
современного образования, является формирование культуры личности.
Актуальность этой задачи связана с пересмотром системы жизненных и
художественно-эстетических ценностей. Формирование культуры
подрастающего поколения невозможно без обращения к художественным
ценностям накопленным обществом в процессе своего существования. Таким
образом, становится очевидна необходимость изучения основ истории
искусств. Для того чтобы наиболее полно понять искусство определенной
эпохи или техники изобразительного искусства необходимо, в том числе,
ориентироваться в искусствоведческой терминологии. Знать и понимать суть
каждого из видов искусств. Только в случае владения категориально-
понятийной системой человек сможет наиболее полно осознать эстетическую
ценность памятников искусства.
Станковая живопись – наиболее распространенный вид
изобразительного искусства, произведения которого создаются с помощью
красок, наносимых на какую-либо поверхность.
В художественных произведениях, создаваемых живописцами,
используются рисунок, цвет, светотени, выразительность мазков, фактура и
композиции. Все это в совокупности (определяемой в зависимости от замысла

4
творца) позволяет воспроизводить на плоскости красочное богатство мира,
объемность предметов, их качественное материальное своеобразие,
пространственную глубину и световоздушную среду.
Живопись, как всякое искусство, является формой общественного
сознания, представляет собой художественно-образное отражение мира. Но,
отражая мир, художник одновременно воплощает в произведениях свои мысли
и чувства, стремления, эстетические идеалы, дает оценку явлениям жизни, по-
своему объясняя их сущность и смысл, выражает свое понимание мира.
Актуальность и значение выбранной для настоящей Дипломной
работы темы заключается в том, что студенты, которые обучаются на
факультетах художественного искусства, все чаще обращаются к
использованию различных материалов и техник в своих творческих
живописных работах, и, именно благодаря свободе во всем, в том числе, в
свободе передачи своей мысли и чувств, воле создания своего собственного
стиля, каждый вправе определять для себя приоритеты в используемых
направлениях.
Предмет исследования настоящей Дипломной работы –
исследование возникновения и развития станковой живописи, классификация
станковой живописи по жанрам и направлениям, а также изучение становления
современной станковой живописи и ее разнообразные техники.
Цель данной работы состоит в определении, анализе и сопоставлении
различных техник в современной станковой живописи.
Научная задача, разрешенная в настоящей Дипломной работе –
сложное и многостороннее отражение эволюции станковой живописи,
определение специфики применения различных техник станковой живописи.
Теоретическое значение и прикладная ценность – материалы
настоящей Дипломной работы и результаты исследования могут быть
использованы в качестве методологического пособия для будущих поколений
студентов факультетов изобразительного искусства.

5
 Методологическая и теоретико-научная поддержка – в качестве
механизма исследования был применен интерпретационный метод, а для
резюмирования и аргументации были использованы методы аналогии и
сравнения, анализа, обобщения, наблюдения и описания.
Содержание разделов – настоящая Дипломная работа состоит из
введения, двух глав, заключения, списка литературы и приложений.
В ведении аргументирована необходимость исследования темы
настоящей Дипломной работы, определены предмет и цель работы, описаны
методологическая и теоретико-научная поддержка, теоретическое значение и
прикладная ценность настоящей Дипломной работы.
Первая глава посвящена истории возникновения станковой живописи,
определению и краткой характеристике станковой живописи, а также затронута
проблематика разнообразия ее жанров.
Во второй главе рассмотрены история и развитие технологий
живописных материалов и техник в современной станковой живописи, а также
с исторической стороны абстрактный экспрессионизм: появление данного
течения, его родоначальники и развитие. Кратко описаны основные тенденции
абстрактного экспрессионизма.
Изучение абстрактного экспрессионизма, анализ творчества
представителей этого направления, продолжающийся поиск своего стиля – все
вместе в совокупности стало основной движущей силой при принятии решения
о написании выпускной работе в стиле абстрактного экспрессионизма.
Вторая глава также содержит описание творческой части Дипломной
работы от ее замысла до завершения. Рассказывается о моем поиске
выразительных средств в живописных композициях. Глава содержит описание
творческой части проекта: описание ведения работы над живописной
композицией, раскрытие и обоснование общего замысла, этапы развития
данного замысла, описание использованных техник.

6
 Работа велась в двух направлениях – теоретическом (исследовательская
часть) и практическом (абстрактная живописная композиция).
Для решения поставленной цели было необходимо решить ряд задач:
1) изучение и анализ литературы по техникам и истории жанрам
станковой живописи
2) эксперименты в техниках и материалах, в ходе выполнения
живописных композиций;
3) создание работ на протяжении пяти лет, поиск своего собственного
стиля;
4) организация и выполнение творческой части дипломной работы с её
описанием;
5) анализ проделанной работы, подведение итогов.
Заключение содержит в себе окончательные выводы по теме работы.
Список литературы включает в себя 28 источников, содержащих мнение
различных авторов относительно темы настоящей Дипломной работы.
Приложения содержат репродукции картин, повлиявших на становление
станковой живописи и репродукции моих персональных работ.
Практическая значимость выпускной квалификационной работы
заключается в личном формировании потенциала для успешной будущей
художественной деятельности.

7
 ГЛАВА I. История возникновения станковой живописи

1.1. Определение и характеристика станковой живописи

Станковая живопись – одна из разновидностей искусства живописи,

произведения которого имеют самостоятельное значение и воспринимаются
независимо от окружающей среды. Буквально – живопись, созданная на станке.
Для более глубокого понимания станковой живописи и ее определении
углубимся в её историю возникновения.
В обычном, бытовом понимании, «…всё что оставляет какой-либо след
на чем-то, на любой поверхности, строго говоря, является живописью:
живопись создается природой, временем и, конечно же, человеком…» отмечал
один из величайших живописцев – Леонардо да Винчи.
Живопись – одно из древнейших искусств, эволюционировавшее в
течение многих столетий от наскальных росписей палеолита до новейших
течений двадцать первого века. Это искусство родилось практически с
появлением человечества и неразрывно с его историей. Древние люди, еще не
осознав полностью себя человеком, испытали непреодолимое желание и даже
необходимость зафиксировать изображение окружающего мира. Естественно,
что их выбор пал на поверхности, изображение на которых не пропадало из-за
ветра или воды.

8
 Неминуемо, и практически одновременно, а иногда и предвосхищая его,
с прогрессом человечества, развивалось стремление людей фиксировать
изображения памятных событий, социальных или религиозных событий, мифов
и легенд, героев и лидеров.
В результате возникали новые виды и жанры живописи, люди стали
профессионально относиться к изобразительному искусству, применяя ранее
полученный опыт и знания, и расширяя их. Крепла и усиливалась тяга
живописцев и художников к воспроизведению реальной окружающей жизни,
таковой, какова она видится человеку.
История возникновения станковой живописи – бесконечная цепочка
развития, начавшаяся с самых первых созданных человеком картин. Каждый
новый стиль берет свое начало из стилей, которые возникли ранее, до него.
Каждый живописец добавляет что-то свое к достижениям мастеров, творивших
ранее, и, несомненно, оказывает влияние на прогресс своих последователей.
Возвращаясь непосредственно к предмету рассматриваемого в
настоящей главе вопроса – к станковой живописи, отметим, что на данную
разновидность изобразительного искусства оказали свое влияние многие
факторы: география, религия, национальные особенности, исторические
события, разработка новых материалов – все это в совокупности
способствовало формировать видение живописца и помогало воплощать в
жизнь его самые смелые идеи. На протяжении всей истории человечества
изобразительное искусство не только впитывало в себя весь комплекс знаний и
опыт предыдущих поколений, но также отражало изменения мира и общества.
История станковой живописи началась, когда люди не остановились в своем
развитии и перешли с рисунков на недвижимых (стационарных) объектах
(наскальные рисунки – как прародитель станковой живописи) на живопись на
специально подготовленной основе, и в первую очередь на каменных плитах и
деревянных панелях. Возникновение христианской религии оказало
безоговорочное влияние на искусство как часть духовной культуры: под

9
влиянием Церкви, художники должны были как можно яснее сообщать
об учениях христианства, особенно в условиях, когда большинство не были
обучены грамоте и воспринимали информацию в основном визуально.
При этом необходимо отметить, что первые картины на дереве носили
религиозный характер, но при этом не были иконами. Пионером станковой
живописи является видный мастер эпохи Проторенессанса Джотто ди Бондоне
– великий флорентийский художник, создавший несколько произведений – все
они были выполнены темперой на тонких деревянных панелях из тополя,
оклеенных холстом, обработанным смесью гипса и животного клея. Эта
технология использовалась для создания икон в Византии. В его работах мы
наблюдаем сцены из жизни Марии и Христа, где присутствуют настоящие
эмоции, напряжение и натурализм («Мадонна Оньиссанти (Маэста)» -
Приложение № 1). Кроме того, при подготовке основы для своих работ,
написанных, в основном, на небольших панелях, Джотто использовал чистую
яичную темперу, которая впоследствии была модернизирована флорентинцами
в XIV веке.
Безусловно, важнейшим периодом в формировании станковой живописи
и её развитии является Средневековье: изобразительное искусство по праву
заняло лидирующие позиции среди искусств.
Новые технические приемы дали живописцам возможность создавать
более реалистичные произведения, раскрывающие глубокий замысел их
создателей, что, в итоге, привело к изменению мировосприятия и уточнению
принципов в западноевропейском искусстве.
В это время живопись, как и остальные части духовной и
художественной культуры, была носителем религиозных идей. Изменение
изобразительного искусства повлияло на зарождение новых веяний в обществе,
а, в свою очередь, новые тенденции в теологии стали отражаться на искусстве:
извечный симбиоз социально-политических, культурных и научных векторов
развития человечества.

10
 Безусловно, самые различные обстоятельства: география, национальные
особенности, исторические события, разработка новых материалов,
религиозные течения, влияли на изобразительное искусство, его жанры и стили
живописи, в том числе станковой. Изобретение масляной живописи упростило
детализацию деталей. Фламандский художник Ян Ван Эйк (1385(90)-1441) внёс
неоценимый вклад в развитие масляной живописи – «Портрет четы
Арнольфини» (Приложение № 2): при использовании темперы цвета
необходимо наносить отдельно, так как они не могут хорошо затенять друг
друга из-за того, что краска быстро сохнет; при работе с маслом, медленно
сохнущем, возможности живописца увеличиваются, он может достичь более
сложных эффектов.
Изменившаяся технология написания религиозных мотивов привела к
появлению новых духовных течений, что, в свою очередь, повлияло на смену
вектора развития в изобразительном искусстве: заказчиками, помимо Церкви,
все чаще и больше выступали миряне, ожидавшие от живописцев более
реалистичных и реальных сюжетов. Развитие живописи шло семимильными
шагами: жанры станковой живописи, такие как портрет и пейзаж, стали
независимыми стилями со своими канонами, принципами и устоявшимися
критериями. Художники стали выражать человеческие эмоции, духовный
внутренний мир людей посредством новых, ранее неизведанных способов
живописи. В XVII и XVIII веках происходит бурное развитие изобразительного
искусства: в этот период католическая церковь утрачивает свое всесильное
положение – протестантское движение все больше и больше оказывает влияние
на общественную жизнь, меняя приоритеты и мировоззрения, социальный
протест находит свое отражение во всех сферах деятельности человека,
и художники, в том числе, в своих произведениях всё чаще отображают
истинные виды людей, природы, бытовой и обыденной жизни. Изменившиеся
обстоятельства, новые взгляды на жизнь и, самое главное, на религию, привели
к зарождению, формированию и поэтапному развитию таких стилей, как

11
барокко, рококо, классицизм, маньеризм. Возник романтизм, который позже
сменился более эффектным стилем – импрессионизмом.
Среди ведущих мастеров живописи Ренессанса выделяются
Микеланджело (1475-1564), Рафаэль Санти (1483-1520), чья работа «Мадонна
дель Грандука» (Приложение № 7) успешна благодаря своей простоте.
Безвременная в своей мирности и чистоте, она так же привлекательна для нас,
как и для итальянцев эпохи Рафаэля.
Кроме мастеров из Флоренции также можем отметить художников
Венеции: Джованни Беллини (1430-1515), Джорджоне (1478-1510) и Тициан
(1488-1575), который является самым известным из всех венецианских
художников эпохи Возрождения («Мадонна Песаро» (Приложение № 8)).
Художник Кириакос Теотокопулос (1541-1614), всемирно известный
Эль Греко («Греческий»), был рожден на острове Крит – занятый в то время
венецианской армией. Эль Греко обучался итальянскими художниками: будучи
молодым человеком, он отправился учиться в Венецию. Объединённое влияние
византийского искусства, которое он видел вокруг себя на Крите,
и итальянского искусства эпохи Возрождения, сделали произведения Эль Греко
выдающимися. В своих картинах он искажал естественные формы
и использовал ещё более странные, более неземные цвета, чем Тинторетто,
которым он восхищался.
За Ренессансом следует Барокко (XVII век), в рамках которого творили
такие живописцы как Караваджо (1571-1610) и Аннибале Карраччи
В Испании ведущие роли занимал Диего Веласкес (1599-1660),
придворный живописец испанского монарха Филиппа IV, был одним
из величайших из всех испанских художников. Будучи поклонником работ
Тициана, он был мастером в использовании богатого, гармоничного цвета. Ни
один художник не мог лучше создать иллюзию богатых тканей или кожи
человека. «Портрет маленького принца Филиппа Проспера» (Приложение № 9)
наглядно демонстрирует нам это мастерство.

12
 В контексте рассматриваемого вопроса мы, конечно же, не можем не
упомянуть достижения голландского живописца Рембрандта (1606-1669),
являющегося одним из самых выдающихся в истории изобразительного
искусства.
Барокко сменился стилем Рококо: мастера этого стиля писали веселье
(пикники, вечеринки, в том числе на природе).
Современное изобразительное искусство стало зарождаться в XIX веке,
в течение которого стало широкомасштабное использование заранее
изготовленных красок.
В это время, особенное после Французской революции, появились два
противоположных направления – классицизма и романтизма.
В начале ХХ века станковая живопись кардинально меняется
и появляется новое направление современного искусства – абстрактная
живопись. Идея этого направления состоит в том, чтобы передать согласие
между человеком и искусством, создать гармоничность в сочетаниях линий
и цветовых бликов. Это искусство, не имеющее предметности: абстрактная
живопись не преследует точной передачи реального образа, а наоборот –
передаёт то, что в душе художника, его эмоции. Важной ролью для этого стиля
изобразительного искусства являются формы и цвета. Суть её заключается
в том, чтобы по-новому передать ранее знакомые предметы. Здесь художникам
предоставляется полная свобода своих фантазий. В последующем это дало
толчок к зарождению и развитию более поздних направлений, таких как
авангардизм, андеграунд, абстракционизм.

13
 1.2. Жанровое богатство станковой живописи

Станковая живопись – буквально: живопись, созданная на станке, чаще

всего – на мольберте: по своей сути ключевой вид изобразительного искусства,
более всего изобилующий разнообразием жанров и стилей.
Мир станковой живописи настолько богат и всеобъемлющ, что с
течением времени отчетливо проявилась потребность в классификации
станковой живописи: разделении это вида живописи (в первую очередь
живописи, так как станковой живописи как основному виду изобразительного
искусства и посвящена настоящая Дипломная работа) на жанры и стили, что
действенно помогало не только художникам, но и профессиональным
критикам, искусствоведам, да и простым зрителям (преобладающему звену в
условной цепочке: художник – его замысел – воплощение идеи в виде
написанного произведения – созерцание – оценка творчества – наслаждение
искусством – обсуждение картины с точки зрения профессиональной,
эстетической, технической, обывательской – вклад в культурное наследие и
(или) в развитие живописи) лучше ориентироваться в многообразии
живописных течений, обобщать тенденции и особенности того или иного
направления художественной культуры.
Разнообразие жанров станковой живописи продиктовано, на мой взгляд,
в первую очередь нестационарными возможностями и, безусловно,
неутилитарностью данного вида искусства, что позволяет практически без
ограничений использовать натуру при написании картин (что является

14
критически важным аспектом при написании пейзажей, портретов и
натюрмортов) и при этом обеспечивать способность одновременно создавать
как индивидуальное, так и универсальное, но, главное, изящное произведение.
Коллаборация нестационарности и неутилитарности оказало наибольшее
влияние на развитие станковой живописи, определение ее жанров и
обеспечение их богатого разнообразия.
Портрет – этот жанр не столько станковой живописи, но, следует
признать, всего изобразительного искусства в целом, посвященный, в
современной трактовке, изображению людей (одного человека или группы
людей).
Следует отметить, изначально термин «портрет» обозначал
воспроизведение любого объекта. Но с развитием живописи, данное понятие
стало противопоставляться термину «фигура», что, в конечном итоге, привело к
выделению не только самого понятия «портрет» в отдельную категорию, но и
появлению целого жанра в границах, понятных современному обывателю с
учетом характерных черт «портрета» как вида изобразительного искусства.
Портрет представляется нам достаточно динамичным, хоть нередко
границы портрета размываются и сливаются с такими жанрами,
как мифологический, аллегорический и религиозный. Я считаю, что данное
мнение, как и любое, имеет право на существование, но все-таки,
мифологический, аллегорический и религиозный – все это, если можно так
выразиться, подвиды портрета, обозначающие источник вдохновения для
портретиста или тематику произведения.
Суть портрета заключается в том, чтобы с помощью художественных
средств передать на полотне человека с его характерными чертами,
своеобразными формами и всеми отличительными чертами, в том числе и
психологическими, что, согласитесь, очень тяжело.

15
 Написание портрета – целая наука, имеющая свои сложности и
особенности: крайне сложно правдиво изобразить внешность и внутренний мир
натурщика.
Среди портретов по количеству изображенных на них людей можно
выделить индивидуальные и групповые портреты. Достаточно популярными
были парадные портреты: портреты, написанные по случаю или заказу в
ознаменование какого-то события или отображавшие людей, буквально, в
праздничном («парадном») обличии: чаще всего монархи, военачальники,
состоятельные люди и т.д.
Также среди портретов следует выделить автопортреты: живописное
изображение самого себя. Значительная часть художников-портретистов
писали автопортреты, в том числе и групповые. Бытует мнение, что некоторые
портретисты писали с себя портреты персонажей противоположного пола
(например, «Портрет госпожи Лизы дель Джокондо», написанный великим
Леонардо да Винчи – знаменитая «Мона Лиза», которую также знают, как
«Джоконда» (Приложение № 13).
Удостовериться в правильности этого мнения можно лицезрев
произведения великих портретистов: того же Леонардо да Винчи, Рафаэля
Санти («Голова молодого апостола», Приложение № 14), Питера Пауля Рубенса
(«Портрет Анны Австрийской», Приложение № 15), Рембрандта («Ночной
дозор», Приложение № 16), Тициан («Портрет Клариссы Строцци»,
Приложение № 17).
В станковой живописи образ модели, ее внешность, осязаемые и
видимые черты сливаются с внутренними особенностями, характеризующими
модель. Все это находится в прямой зависимости от авторского восприятия, а
также связи портретиста с натурщиком и портретом.
Безусловно, успешный художник-портретист должен быть не только
наблюдательным с точки зрения визуализации оригинала, но и хорошим

16
психологом, подмечающим особенности оригинала и мастерски перенося это
на полотно.
Пейзаж – особый жанр изобразительного искусства, в котором
основным предметом изображения является природа.
По оценкам некоторых специалистов, пейзаж в качестве
самостоятельного жанра пейзаж появился уже в шестом веке в Китае. В
европейской цивилизации на распространение пейзажа повлияло зарождение
развитие протестантизма: в противовес католическим религиозным веяниям,
регламентирующим теологическую направленность в изобразительном
искусстве, в шестнадцатом веке в Нидерландах алтарные образы не писались –
протестантизм практически вытеснил католицизм. Голландские живописцы
писали свои работы для людей среднего достатка, украшавших полотнами
мастеров нового направления свои жилища.
Картины, написанные в жанре пейзажа, отображают природу в её
первозданном виде или в преображенном человеком состоянии, при этом
пейзаж допускает присутствие людей или каких-либо иных живых персонажей,
но не определяет их главными героями сюжета.
Так же, как и портрет, пейзаж часто размывает границы строгих
жанровых определений и характеристик. Полагаем, что это происходит по той
простой причине, что в течение долгих лет пейзаж являлся второстепенной
частью живописных полотен – его использовали для заполнения пространства
на картине.
По прошествии времён, несмотря на то, что пейзаж преобразовался в
самостоятельный жанр, его и сейчас все еще применяют для создания фона в
картинах. От этого пейзаж не перестает быть отдельным жанром живописи, в
целом, и станковой живописи, в частности.
Пейзаж – многогранен и всеобъемлющ, ибо нет ничего более
органичного и полного, прекрасного и вдохновляющего, чем природа, пусть
даже и измененном человеком состоянии.

17
 Помимо описанных ипостасей природы: первозданной и преображенной
человеком, выделяют третью: природа во взаимодействии с человеком.
В этом жанре живописцы, используя силу изобразительного искусства,
передают зрителю всю полноту переживаний и эмоций от восприятия природы:
морской вид, ландшафты, строения и т.п.
Художник не только изображает природу определённого места, но и
вкладывает в картину своё мировоззрение, настроение и мысль, связанное с
объектом.
Описанная выше роль природы в живописном творчестве делает пейзаж
безграничным в возможности его развития как отдельного жанра, сохраняя
актуальность его трансграничности при изображении природы, когда пишут
картины других жанров.
Среди поджанров пейзажа, в зависимости от главного характера
описываемой внутри картины природы, можно выделить морские и речные
пейзажи, городские и деревенские пейзажи, архитектурные и индустриальные.
С французского натюрморт переводится как «мертвая природа».
При написании натюрморта изображаются неодушевленные объекты,
окружающие людей, и имеющие между собой особую смысловую связь.
Как самостоятельный жанр натюрморт утвердился в XVII веке в
Западной Европе во многом благодаря стараниям североевропейских мастеров
(как и пейзаж ранее, натюрморт выступил в качестве духовного, культурного
инструмента в теологических распрях между католицизмом и зародившимся
протестантизмом).
Живописец этого жанра изображает окружающие нас неодушевленные
предметы: еду, интерьер, цветы и т.п. Но это вовсе не бездуховная реплика
формы и цвета отображаемых объектов: натюрмористы имплементируют на
своих картинах внутренний мир, переживания, приходящие извне, эмоции,
рождаемые при созерцании описываемых предметов.

18
 Особенность натюрморта как жанра заключается в его богатом
изобразительном потенциале: благодаря материальной основе, если можно так
выразиться, – душе конкретных предметов, настоящий мастер в образной
форме отображает существенные стороны жизни, вкусы и нравы, социальное
положение людей, важные исторические события, а иногда и целую эпоху.
Посредством адресного подбора предметов изображения и их
изобразительной интерпретации художники демонстрируют свои чувства по
отношению к окружающему миру, выражает свои эмоции и мысли.
Среди оказавших наибольшее влияние на историю становления и
развитие станковой живописи жанров следует выделить бытовой, а также
исторический и батальный жанры.
Бытовой жанр зародился в античном искусстве, но в отдельный жанр,
как и многие другие жанры изобразительного искусства, выделился в
средневековье.
Данное направление посвящено изображению частной и публичной
жизни и деятельности человека, народному быту: через описание повседневной
жизни художники стремятся донести до зрителя социальные проблемы
общества.
Бытовой жанр является наиболее распространенным видом станковой
картины, в котором живописцы обращаются к изображению жизни в ее
повседневных проявлениях. Художники акцентирует внимание зрителя на
обыденных вещах в повседневной жизни, при этом зачастую пытаются сделать
это так, что общепринятые явления или события на картине воспринимаются
по-новому и необычно.
Исторический жанр как отдельный жанр изобразительного искусства
сформировался в расцвет Возрождения.
В основном исторический жанр посвящен описаниям событий прошлого
и нашего к ним отношения, в том числе их значимость в истории отдельных
народов или государств, или, даже, всего человечеств.

19
 В современной трактовке, к историческому жанру могут относить также
картины с религиозными (христианскими, буддистскими, иудейскими, иными
теологическими течениями и верованиями) или мифологическими сюжетами.
При написании картин этого жанра, художник выступает в качестве
проводника в минувшее, а сама картина – своего рода машина времени, портал,
посредством которого зрители созерцают все аспекты прошлого: жизнь и бытие
человека, его предрассудки и убеждения, традиции, обычаи и верования.
Батальный жанр, как и большинство жанров станковой живописи,
возник в Италии в эпоху Возрождения: изображает сцены морских и
сухопутных сражений, военных походов и военного быта.
Отличительными чертами данного жанра являются внимание к деталям
(оружие, одежда, особенности ведения боевых действий, оснастка кораблей,
построение баталий, и даже тактика ведения боя), реалистичность сюжета,
информативность и смысловая ценность. Художник старается передать
враждебную атмосферу, военную жизнь, битву за родину, храбрость воинов и
патриотизм народа. Многие батальные произведения написаны очевидцами
конкретных событий.
Тематика таких картин охватывает причины, ход и последствия военных
конфликтов, сражений и войн, а сами произведения наполнены
эмоциональными впечатлениями и действием.
Будет правильным отметить, что исторический и батальный жанры
тесно переплетаются и взаимосвязаны друг с другом, так как, к великому
сожалению, войны и конфликты занимают большую часть в человеческой
истории.
Станковая живопись подразделяется не только на виды и жанры: на
протяжении многовекового развития станковой живописи образовывались все
новые стили и направления в написании художественных произведений. При
этом некоторые стили возникали на совсем недолгое время, будучи
заложниками моды и не неся с собой большой смысловой нагрузки, в

20
результате чего не находили поддержки в обществе, другие же, наоборот,
возникнув или выделившись окончательно в отдельный жанр или направление,
стали непререкаемыми эталонами, на которые продолжают ориентироваться
наши современники, оттачивая мастерство их предшественников, зачинателей
того или стиля изобразительного искусства, модернизируя его техническую
сторону и совершенствуя способы отображения сюжета.
В настоящей Дипломной работе рассмотрим основные стили живописи,
оставившие наибольший или заметный след в развитии станковой живописи:
Средневековое искусство (300-1400 гг.)
Средневековое искусство — это период между падением Римской
империи (ок. 300 г.) и началом Возрождения (ок. 1400 г.). Этот период
включает в себя множество стилей, от византийского и христианского
искусства до готики, включая англосаксонское, каролингское, романское
искусство или искусство викингов. Это трудное время для классификации или
подразделения.
Он появился на «плечах» иконографии ранних христиан и Римской
империи. Картины этих периодов не так широко распространены и хорошо
сохранились, как скульптуры, рукописи или мозаики, а масла не имеют очень
высокой выживаемости, если мы говорим о периодах тысячелетней давности.
Ренессанс (1300-1600)
Хотя мы говорим здесь, в частности, о живописи, вы должны знать, что
Ренессанс был периодом расцвета скульптуры, музыки и архитектуры.
Фактически, многим художникам эпохи Возрождения удалось объединить одно
или несколько из этих искусств.
Известно, что Леонардо да Винчи был прекрасным художником, но он
также был известным архитектором, изучавшим музыку. Другой великий
художник эпохи Возрождения, Микеланджело, был художником, скульптором
и архитектором.

21
 Ренессанс привел к повышению осведомленности о природе и человеке,
говорим ли мы об итальянских или голландских художниках.
Маньеризм (1520-1580)
Маньеризм возник как реакция на гармоничный классицизм, созданный
великими ренессансными да Винчи, Микеланджело и Рафаэлем. Если
Ренессанс подчеркивает идеальные пропорции и красоту, то маньеризм
преувеличивает эти качества, что часто приводит к асимметричным и
неестественно элегантным композициям. Это течение было основано на
создании напряжения в композициях и на утонченном потакании
причудливому.
Маньеризм возник во Флоренции и Риме и распространился сначала в
северную Италию, затем в центральную и северную Европу.
Барокко (1600-1740)
Барокко — это период, который следовал за ренессансом и
предшествовал рококо и характеризуется экстравагантностью. Католическая
церковь призвала его противостоять простоте и строгости протестантского
стиля, присутствующего в архитектуре, изобразительном искусстве и музыке.
На Пиренейском полуострове влияние этого стиля продолжалось до
1810 года. Барокко сочетало идеализм эпохи Возрождения с драмой, а
художники подчеркивали эмоции. Используя яркие цвета и используя
спиральные композиции и диагонали, художникам удается направить взгляд
зрителя на драму.
Рококо (1720-1780)
Рококо на протяжении многих лет было продолжением барокко и
характеризуется изгибами, асимметричными формами, орнаментами и
пастельными тонами.
Он появился во Франции во время правления Людовика XV (1715-1774),
как реакция на формальный стиль, называемый стилем Людовика XIV. Он
быстро распространился на остальную Европу, особенно на север Италии,

22
Австрию, юг Германии, Центральную Европу и Россию. Он оказал влияние на
скульптуру, живопись, музыку и театр, часто комбинируя все это для создания
уникальности.
Первоначально он возник как стиль, используемый внутри частных
домов, а затем стал использоваться в оформлении церковных интерьеров.
Неоклассицизм (1750-1830)
Неоклассицизм был «возвращением к нормальности». После
экстравагантности, характерной для барокко и рококо, художники и
архитекторы стремились «оживить» определенные элементы, характерные для
эпохи Возрождения. Вдохновение для художников-неоклассиков пришло из
античности, из искусства периодов Древней Греции и Римской империи.
Неоклассицизм появился в Риме, получив особую популяризацию в
трудах великого искусствоведа Иоганна Иоахима Винкельмана во время
открытия древних городов Помпеи и Геркуланума. Популяризации
неоклассицизма способствовали главным образом молодые художники из
богатых семей, которые в возрасте 21 года гастролировали по Европе (обычай
XVII-XVIII вв.), возвращаясь на родину с идеалами недавно открытого греко-
римского стиля.
В архитектуре здания сменились классическими храмами древности, в
которых преобладают колонны и фронтоны. В изобразительном искусстве
неоклассицизму свойственны стройность, ясность и сдержанность.
Романтизм (1780-1850 гг.)
Романтизм был очень важным художественным течением, наблюдавшим
новый путь, по которому пойдет живопись в 19 веке. Романтизм пришел как
прославление прошлого и природы, с предпочтением средневековья в ущерб
классике.
Романтизм поддерживал идею «гениальности», подчеркивая личное
вдохновение художника и субъективное переживание мира, ставя на первый

23
план видение художника, который становится творцом композиции. Романтизм
породил некоторых из величайших художников мира.
Реализм (1848-1900)
Реализм (иногда называемый натурализмом) — это попытка
реалистично представить предметы такими, какие они есть, без прикрас,
избегая использования композиционных ухищрений, предположений или
сверхъестественных элементов.
Художники-реалисты отвергли романтизм, господствовавший во
Франции. Реализм также отвергает идеалы в пользу внешнего вида. Таким
образом, реализм охватил многие художественные течения на протяжении всей
истории.
Импрессионизм (1865-1885)
Хотя импрессионизм имел относительно короткую «жизнь», это,
вероятно, самое известное художественное направление. Он появился в Париже
в ответ на городскую суету. Художники устраивали собственные выставки,
хотя им яростно противостояли.
Для импрессионизма характерны видимые следы кистей, рисование
света и его изменения, а также общие сюжеты. Желание художников состояло в
том, чтобы представить композиции, которые обретают логику и ясность по
мере того, как зритель отходит от картины.
Это был антиакадемический стиль, неправильно понятый во время
своего появления. Художники писали на пленэре, отказываясь от грандиозных
мастерских, следуя своему вдохновению, считая, что писать надо там, где свет.
Постимпрессионизм (1886-1905)
Постимпрессионизм возник как естественная эволюция
импрессионизма, когда художники продолжали использовать четкие следы
кистей, яркие цвета и обычные предметы, но выражали свои эмоции и
мировоззрение, используя искаженные формы и неестественные цвета света.

24
 Этот термин используется для обозначения всех художников,
вдохновленных импрессионистами, хотя их стили различаются.
Постимпрессионизм включает в себя важные художественные течения, такие
как: Les Nabis, неоимпрессионизм, символизм, хлоазонизм, синтез, пуантилизм.
Отцом постимпрессионизма считается Поль Сезанн.
Фовизм (1904-1935)
Фовизм возник в 1904 г. и продолжился после 1910 г., но
сконцентрировался только между 1905 и 1908 гг. За это время художники,
входившие в это течение, организовали всего 3 выставки. Важность фашизма
определяется тем, что он совершил переход к современному искусству.
Художники этого течения предпочитали подчеркивать качества
художников и яркие цвета вместо реалистичных изображений
импрессионистов. Важнейшим представителем этого течения был Анри
Матисс, выступавший за изменения в искусстве в начале двадцатого века.
Экспрессионизм (1905-1920)
Первоначально из Германии экспрессионизм был художественным
течением, последовавшим за постимпрессионизмом, в котором художники
стремились представить субъективные эмоции, вызванные событиями
меняющегося мира. Первоначально опубликованный в поэзии и живописи,
экспрессионизм быстро распространился в архитектуре, литературе, театре,
танце, кино и музыке.
Поскольку термин «экспрессионизм» иногда предполагает
беспокойство, некоторые известные старые картины считаются
экспрессионистскими, особенно работы Эль Греко и Матиаса Грюневальда.
Считается, что экспрессионизм был реакцией на позитивизм импрессионистов.
Экспрессионистские картины известны своей смелостью и энергией,
иногда в одной и той же композиции присутствует торжество и
обезображивание.
Кубизм (1907-1914)

25
 Кубизм появился в Париже в 1907-1908 годах и был создан Пабло
Пикассо и Жоржем Браком. Основным источником вдохновения стали картины
последних лет, созданные Полем Сезанна, который экспериментировал с тремя
измерениями, пытаясь одновременно предложить несколько точек зрения.
В кубизме предметы разбираются, анализируются, а затем снова
собираются в абстрактную форму, что приводит к сложным картинам, в
которых предмет представлен в перекрывающихся формах и рассматривается с
разных сторон.
Сюрреализм (1917-1950)
Сюрреализм возник в Европе после Первой мировой войны и развился
из дадаизма. Это было «мятежное» течение, когда художники выступали за
перенос антиискусства в картины, создавая композиции без логики, иногда с
фотографической точностью.
Из их воображения вышли странные существа, и таким образом на свет
появилось бессознательное. Целью было, по словам нынешнего лидера Андре
Бретона, «превратить прежние противоречивые условия мечты и реальности в
абсолютную реальность, сверхреальность».
Абстрактный экспрессионизм (1940-1950)
Абстрактный экспрессионизм появился в Америке в 1940-х годах,
черпая вдохновение в европейской абстрактной живописи. Художники
отказывались от форм и использовали цвета и текстуры в качестве основных
средств выражения.
Помимо влияний на композиции картин, американские экспрессионисты
также повлияли на применение цветов. Джексон Поллок предпочитает рисовать
на полу своей студии, капая и разбрызгивая краску на холст в различных
формах, создавая завораживающий визуальный хаос.
Картины этого течения создаются с помощью спонтанности и интуиции.
Поп-арт (или народное искусство) появился в 1950-х годах в
Великобритании и Америке. Художники этого течения стали включать в

26
картины образы с личностями, пользующимися большой популярностью,
иронизируя китчевые и банальные элементы.
Поп-арт напоминает Дада в том, что в качестве предметов он использует
объекты, которые обычно не ассоциируются с искусством.
Современное искусство (1970-е – настоящее время)
Современное искусство охватывает все формы искусства, появившиеся
после Второй мировой войны, все стили и темы, но преимущественно
связанные с искусством после 70-х годов.
Художники этого течения относятся к искусству как к загадке, в которой
у вас остаются вопросы после просмотра выставки. Знаки вопроса выходят за
рамки картин, а также относятся к новостям, политике, культуре или обществу.
Основная идея современного искусства: везде перемены, поэтому
должны меняться и наши взгляды.

КРАТКИЕ ВЫВОДЫ К ГЛАВЕ I

В заключение к Главе I настоящей Дипломной работы обозначим

ключевые моменты, а именно:
Станковое произведение в качестве самостоятельного предмета
искусства может передвигаться в пространстве и пересекать, в том числе,
государственные границы. Нестационарность – и есть главная отличительная
черта станковой живописи – то, что она может не быть привязана к месту
создания, а зачастую, как объект всемирного наследия – и не должна.
Становление станковой живописи идет в эпоху Возрождения, когда
живопись вступает на путь технологического индивидуализма. Этот период
приходится на XV – XVII века. Если технологические особенности живописи
основных стилистических направлений были очевидны и раньше (пусть в
самом общем виде и не всегда правильно интерпретированы), то сейчас можно
провести более строгую научную дифференциацию этих особенностей,

27
говорить о наличии определенных закономерностей, присущих произведениям
определенных эпох, национальных и местных школ, отдельных мастеров. Это
относится как к методу работы красками, то есть собственно к технике
живописи, так и ко всей совокупности технологического процесса создания
картины, начиная с выбора материалов и их обработки.
Сегодня можно говорить о существовании типичных (или характерных)
признаков основы, грунта, рисунка, красочного слоя и путем их идентификации
делать выводы о времени или месте создания произведения; стало возможным
утверждать существование канонических форм ведения и самого живописного
процесса, характерных для определенных художественных школ и эпох.
Эпоха Возрождения стала золотой для многих художников того
времени, особенно таких известных, как Леонардо Да Винчи, Рафаэль Санти,
Тициан и многие другие которых я упоминала в этой Главе.
Масштабы многих работ поражают и по сей день, мастерство и желание
оставили большое наследие станковой живописи и как объект для подражания.
В истории станковой живописи каждая большая художественная эпоха – будь
то Возрождение или Барокко, Классицизм или Романтизм – отмечены четкими,
принципиально отличными друг от друга технологическими приемами
создания произведений живописи, так как идеи, ради воплощения которых
живописцы берутся за кисть, и тот творческий импульс, который руководит
ими при написании полотна, реализуются каждый раз в определенном
материале и специфическими для этого техническими средствами.
Для современной станковой живописи особое значение приобрели такие
жанры как портрет, пейзаж и натюрморт.
Станковая живопись имеет особый художественный язык, посредством
которого художник передает свои идеи и чувства, отражающие
действительность. В живописи «очное изображение действительности
реализуется через художественный образ, линию и цвет. Несмотря на все свое

28
техническое совершенство, живопись еще не является художественным
произведением, если не вызывает сопереживания, эмоций зрителя».
Сегодня станковая живопись является самым распространенным видом
изобразительного искусства, а я лично – его безусловным приверженцем.

ГЛАВА II. История развития технологий живописных материалов и

техник в современной станковой живописи

2.1. Материалы и техники станковой живописи.

Особенности техники исполнения и тайны создания произведений

Искусство станковой живописи – древнейшее изобразительное

искусство с богатым прошлым, интересной историей и прекрасным будущим.
В древности живописцы употребляли самые простые материалы
естественного происхождения. Так, например, в качестве красящих веществ
применялись природные земли, растительные отвары и соки. Для рисования
пользовались материалами почти исключительно натурального происхождения,
какими служили: черные земли, сангина, мел, свинцовый карандаш,
состоявший действительно из свинца, серебряный карандаш, оставлявший при
трении на бумаге следы, и, наконец, такой доступный, почти всегда, для всех
продукт, каким является уголь.
А в наше время к услугам рисовальщика имеется огромное число
карандашей различного состава и цветов, приготовленных как из натурального,
так и искусственного материала, притом для самого различного назначения.
Попробуем раскрыть некоторые детали развития материалов и техники,
использовавшихся ранее и используемых сейчас в станковой живописи,

29
позволяющие понять процесс развития и достигнутый результат,
предоставляющие живописцам возможность наиболее полно отображать свои
замыслы, а также проанализировать основные этапы создания произведений,
используемые материалы, и техники.
Станковая живопись развивалась вместе с развитием человеческой
культуры. Искусство живописи впитывало в себя новые взгляды и мысли,
новые достижения технического прогресса, новые тенденции в развитии
общественного сознания. На смену старым порядкам приходили новые методы
и подходы для создания полотен. Появлялось множество различных
материалов, что помогало художникам вырабатывать новые выразительные
техники и приемы. К современной живописи эксперты относят все
направления, возникшие на рубеже 1960-70-х годов и существующие до нашего
времени. С данного периода художники обращают свой поиск от образов к
средствам выразительности. Зарождаются большие технические возможности и
новые техники.
Материалы, используемые в станковой живописи:
Станковая живопись — это отрасль изобразительного искусства,
интерпретирующая действительность в наглядных образах, через красочные
двухмерные формы, развернутые на подвижном полотнище. Это может быть
сделано в разных техниках, среди наиболее известных - техника масляной
живописи, роспись акриловыми красками и техника на основе темперных,
гуашевых или акварельных красок. Основа, на которую она наносится,
называется подвижной панелью, и правило состоит таких материалов, как
холст, натянутый на основу, картон, подготовленная древесина или листы
бумаги.
Станковая живопись расширяется как дисциплина среди
изобразительного искусства с появлением техник масляной живописи.
Последний возник в результате перехода ранней голландской живописи из
Северной Европы в центральную часть в течение XV века, а затем достиг

30
своего пика в эпоху Возрождения, заменив, таким образом, другие техники
живописи, разработанные до того времени.
Сегодня станковая живопись охватывает широкий спектр сюжетов,
таких как портрет, пейзаж, статичная природа, композиции с персонажами или
абстракции и др. Процесс создания картины часто начинается с зарисовки
предмета углем или разбавленной краской. Масляную краску обычно
смешивают с льняным маслом, минеральными спиртами и другими
растворителями для получения более жидкого цвета с более коротким или
более длительным временем высыхания.
Традиционно цвет наносится кистью, но также используются и другие
техники, такие как нанесение шпателем или другими инструментами. Масляная
краска остается влажной дольше, чем любая другая краска, что позволяет
художнику изменять цвет, текстуру или форму фигуры.
Другая техника, служащая станковой живописи, — это живопись на
основе акриловых пигментов. Это, в отличие от техники масляной живописи,
использует воду в качестве связующего и высыхает быстрее, что дает
художнику возможность вернуться с новым слоем краски поверх недавно
нанесенного, что намного проще. Это, так же как и масляная живопись, может
быть выполнено успешно. на широком спектре носителей.
Станковая живопись практикуется и практикуется художниками со
времен средневековья во множестве стилей, породивших множество
художественных течений, отмеченных историей через тексты, говорящие об
образах, отражающих зеркало современного общества.
Гуашь - это техника рисования на основе водных цветов, только здесь
белый «цвет» входит в состав цветовых смесей (в отличие от Акварели, где
используется только белый цвет основы), придавая матовый, непрозрачный,
слегка мелово-бархатистый вид.
Он работает на различных гибких, полукруглых или даже жестких
опорах. Грунтовка может быть окрашена в отличие от других техник, что

31
может стоить графического ансамбля. Благодаря использованию белого цвета
создаются типичные контрасты, которые настраивают эту технику рисования.
Используемые кисти-это кисти из мягких волос, которые позволяют
соединить плоский щупальце с очень тонкой контурной линией. Для более
крупных и ярких цветовых областей также можно использовать кисти с более
длинными волосами свиньи.
Цвета готовятся из тех же пигментов, что и акварельные, но в смесь
связующего вещества добавляется определенное количество белого (титана,
который является белым с большой силой покрытия, или цинкового белого,
который имеет легкий голубоватый оттенок). Именно поэтому цвета гуаши не
прозрачны, имеют большую укрывистость, а после высыхания имеют меловой
вид.
Поскольку это обратная техника акварельные техники, лишенные
прозрачности, сначала помещаются темные тона, поверх которых затем идут
открытые. Техника гуаши не рекомендует толстые слои цветов, так как они
после высыхания трескаются и отрываются от держателя.
Эта техника используется с пристрастием в графических работах,
книжных иллюстрациях, плакатах, декоративных работах и проектах,
композиционных эскизах.
Хотя в большинстве случаев, когда мы смотрим на картину, независимо
от того, какими методами она была сделана, мы не осознаем сложность пути,
пройденного до конечного результата, за исключением того, что мы знаем
некоторые общие черты, и в этом смысле мы также можем относиться к
акриловой живописи, способу рисования достичь самых привлекательных и
успешных шедевров.
Акриловая краска-это тип быстросохнущей краски, которая содержит
своего рода суспензионные пигменты в эмульсии с акриловым полимером,
которую можно разбавить водой, но которая становится водостойкой при
высыхании, что также очень важно, потому что она не берется, особенно если

32
она наносится на холст. В зависимости от того, насколько разбавлена краска
водой или модифицирована различными гелями или акриловыми маслами,
пастой или другими растворами, конечный результат будет отчетливым, в
частности, он может создать впечатление маслянистого или более стертого,
более „водянистого” изображения, или он может создать впечатление, что
картина была сделана акварелью. Все дело в технике, используемой при
разбавлении акриловой краски, и дело в том, что результат всегда уникален.
Между 1946 и 1949 годами раствор для акриловой краски был изобретен
под названием Magna Paint Леонардом Бокуром и Сэмом Голденом. Чуть позже
последовало «рождение» раствора под названием Aquatec, но это была
акриловая краска на водной основе. Отто Рём изобрел акрил на основе смолы,
который в итоге довольно быстро превратился в известную сейчас акриловую
краску, конечно, с некоторыми отклонениями. Эти типы красок начали
продаваться и доступны только в конце 1950-х годов, они назывались Magna,
как и в начале, на минеральной основе, а те, что на водной основе, позже
продавались как домашние краски, с псевдонимом «латекс», даже если
акриловые производные вообще не использовали латекс в составе, будучи
полученными из каучукового дерева.
Эти «латексные» интерьерные краски в основном представляли собой
комбинацию различных связующих (иногда включая акрилы, винилы, пва и
другие), пигментов, воды и многого другого. Латексные фасадные краски также
могут быть комбинацией «сополимера», хотя лучшие фасадные краски на
водной основе остаются 100% акриловыми. Вскоре после того, как они были
официально представлены в качестве красок для дома, интерьера и экстерьера,
художники и различные компании начали исследовать вселенную и потенциал
этих новых составов для целей, отличных от дизайна.
Водорастворимые акриловые краски для искусства стали доступны в
1950-х годах, их предлагала компания Liquitex, с вязкостью, аналогичной
вязкости современных акриловых красок, которые стали доступны только

33
десять лет спустя. В 1963 году Роуни (теперь часть Daler-Rowney Ltd) была
первым производителем, представившим в Европе художественную акриловую
краску, которую она назвала Cryla, которая стала брендом. В конце концов,
акриловые краски стали самым желанным типом краски в живописи, учитывая
их красоту и долговечность.
Техника окраски акрилом различается в зависимости от способа
обработки и работы, имея полимерную основу. Таким образом, они отличаются
от масляных красок, которые имеют очень короткое время высыхания (менее
10 минут) и растворимы в воде, устраняя необходимость в скипидаре и могут
наноситься непосредственно на холст. Помимо картин с концентрированными
акриловыми цветами, их также можно использовать в сочетании с большим
количеством воды, уменьшая их консистенцию, чтобы в конечном итоге они
были отлиты или использованы в качестве глазури.
Акварель — это разновидность живописи, в которой используются
акварельные краски. Процесс окрашивания поверхности путем нанесения
краски, растворяющейся в воде, выполняется с помощью кисти. Считается, что
и используемый процесс, и качество цвета часто определяют удачный внешний
вид рисунка и его выразительность.
Акварель появилась в древности вместе с древними папирусами и
китайской бумагой и тушью.
За время своего существования акварель прошла несколько этапов. До
семнадцатого века он не был независимым. В начале 18 века акварель
появилась в других западноевропейских странах как самостоятельное
искусство.
Акварель получается путем смешивания пигмента с клеем (связующими
веществами) растительного происхождения или соками растений. Он
выпускается в виде таблеток, обычно помещенных в пластиковые коробки или
закрытые тубы.

34
 Акварель хорошего качества легко растворяется в воде,
флюидизируется, образуя окрашенную жидкость, которую мы называем тинтом
и которая, будучи нанесена кистью на бумагу, после высыхания не тускнеет на
ощупь и не меняет своего тона. Акварель растворяют в воде, помещают в
горшочки или в специальные углубления в крышках акварельных ящиков.
Получение различных оттенков осуществляется путем смешивания с помощью
кисти не более 2-3 цветов в разных количествах. Таким образом, определенные
цвета разбавляются водой на 2-3 разных таблетках. Для получения светлых
тонов определенный цвет растворяют во всем большем количестве воды и не
смешивают с белым, а для получения темных тонов псевдоожиженный цвет
смешивают с черным. Обычно в цветовой комбинации сначала
флюидизируется светлый цвет, а затем добавляются более темные цвета, пока
не будет получен желаемый оттенок.
Пастельная живопись и вообще термин «пастель» — это паста из сухого
цветного пигмента, в виде порошка, поверх которого добавляется минимальное
количество смолы, выполняющей роль связующего, для образования тех
идеальных цилиндров, которые вы найдете их в специализированных
магазинах. Поскольку в нем используется минимальное количество смолы,
обычно достаточное, чтобы связать порошок, это самая чистая форма пигмента,
которую можно нанести на рабочую поверхность, поэтому в целом пастельные
краски имеют очень живую и яркую окраску.
Сухие пигменты использовались с древних времен, наскальные рисунки
являются живым доказательством их использования, но в том виде, в каком они
встречаются в современную эпоху, они были засвидетельствованы как
живописная техника только в XVI и XX веках. Многие художники того
времени использовали пастельные карандаши для раскрашивания или создания
эскизов больших картин на холсте, наиболее известными примерами из
которых являются художник Федерико Бароччи (1535-1612), Даниэль Дюмутье

35
(1574-1646) и Клод Меллан (1598-1688). которые сделали целые галереи
картин, сделанных таким образом.
Их с уверенностью можно назвать истинными предшественниками
пастельной живописи как самостоятельного вида искусства. Во второй
половине семнадцатого века эта техника живописи стала распространяться, так
что в начале восемнадцатого века идеал стал до такой степени напоминать
картины, написанные маслом. Золотой век этой живописной техники связан с
именем Розальбы Каррьеры (1674-1757), чьи очень изящные портреты были
популярны в то время в Париже.
В 1703 году Каррьера начала использовать пастель после того, как
некоторые художники из общего круга друзей познакомили ее с этой средой.
Действительно, мел всегда использовался для рисования картин, но только в 15
веке он принял форму карандашей, которые стали доступны художникам
повсюду. Инновации, которые Каррьера привнес в технику пастельной
живописи, были усовершенствованы Морисом Квентином де ла Туром,
который станет величайшим пастельным портретистом 18 века. Это было
настоящим источником вдохновения для Мэри Кассат, за которой последовали
Ватто и более 2500 других пастелистов, сделавших этот вид искусства
официально признанным к концу 1780-х годов. Искусство пастели продолжили
такие знаменитости в живописи, как Эдгар Дега и Эдуард Мане.
По экстрахроматическим критериям некоторые специалисты исключили
пастель и акварель из области живописи и включили их в графику.
Масляная живопись - это художественная техника, в которой
используются пигменты, смешанные со связующим на масляной основе;
Наиболее часто используемым маслом является льняное масло. Другие масла,
такие как маковое, ореховое или шафрановое, используются из-за их свойств
предотвращать пожелтение цветов или из-за времени высыхания.
Масляные краски были впервые использованы в буддийской священной
живописи индийцами и китайцами примерно в 5-9 веках. В Европе они стали

36
популярными только в 15 веке и были завезены через голландскую живопись. В
эпоху Возрождения масляные краски почти полностью вытеснили темперные
краски.
Масляные краски получают путем смешивания пигментов с льняным
маслом или другими маслами. Помимо льняного масла, масляные красители
можно смешивать с рядом растворителей, таких как нефтяная эссенция,
скипидар или осушитель; эти растворители помогают разбавить цвета и
замедлить или ускорить время высыхания. Сушка происходит за счет
окисления красок, а не за счет испарения!
Важным правилом масляной живописи является регулирование
количества используемого льняного масла. За счет связующего и растворителей
окраска может выполняться полупрозрачными слоями и каждый новый слой
краски должен содержать больше льняного масла, чем предыдущий слой.
Таким образом, высыхание происходит равномерно и нет риска появления
трещин между слоями краски.
Существует широкий спектр материалов и ингредиентов, которые
можно использовать в сочетании с масляными красками для достижения
различных эффектов и текстур: смолы для прозрачности и цвета, лаки для
блеска, медиумы для текстур и объемная паста. Эффекты этих материалов во
многом зависят от свойств и качества пигментов.
Наиболее часто используемыми инструментами для нанесения цвета
являются кисти. Кисти из натурального волоса используются в традиционной
живописи; размер их варьируется в зависимости от назначения - от широких
кистей для выполнения низа и грубых до веретенообразных кистей для
модулированных линий и очень тонких кистей для деталей. В современной
живописи также используются синтетические кисти, малярные ножи, текстиль
или аэрографы.
Время высыхания масляных красок варьируется в зависимости от
качества используемого масла и наличия в составе красок различных

37
растворителей; При использовании сушилки можно получить время высыхания
от двух до трех дней, в то время как использование неочищенного льняного
масла может отсрочить высыхание на срок до трех-четырех недель. Таким
образом, художник может вмешиваться в цветной слой, пока он не высохнет,
изменяя цвета, текстуры или всю композицию. Невысохший слой краски
можно легко удалить, просто протерев его кусочком материала, смоченным
растворителем или петролейной эссенцией, не затрагивая при этом
предыдущие слои краски (при условии, что они полностью высохнут). Если
цветной слой высох, его можно удалить только соскабливанием.
Первый шаг в начале масляной живописи — это выбор основы, на
которую будет наноситься краска, и ее подготовка. В традиционной живописи в
качестве опоры отдается предпочтение холсту на основе. Шасси представляет
собой деревянную раму, которая служит опорой для хлопчатобумажной ткани.
Чаще всего шасси снабжено четырьмя деревянными деревяшками,
называемыми «перьями», расположенными по его углам. Перья фиксируются в
пазах основы и их назначение - изменять размеры основы на случай, если холст
будет оставлен во время выполнения росписи.
Подготовка холста является важным этапом в выполнении картины
маслом. Предпочтительно, чтобы используемая ткань была изготовлена из
хлопка или другого натурального материала, не обладающего эластичностью.
Полотно лучше всего натянуть на шасси и зафиксировать скобами; его
обработка производится после фиксации на опоре, а не до! Существует
несколько рецептов приготовления ткани, но наиболее часто используемым (и
считающимся наиболее устойчивым) является приготовление пасты из
костного клея и горного мела. Художники не всегда предпочитают получать
эту пасту, потому что при кипячении костный клей издает запах, который
считается неприятным. Из-за этого неудобства некоторые художники
прибегают к более простым методам обработки холста, таким как смешивание
горного мела с арацетом. Однако этот вариант не гарантирует долговечности

38
картины – со временем на картине могут появиться трещины. Другой метод
заключается в обработке ткани пастой «левкас», препаратом, полученным из
оксида титана (TiO2) и акрилового связующего. Для тех, кто не хочет
самостоятельно готовить материал для рисования, лучший выбор – купить
готовый холст и намазать его на шасси. Масляную живопись также можно
выполнять на других носителях, таких как дерево, картон, бумага или стена,
при условии, что поверхности обработаны.
Любая картина начинается с наброска карандашом, углем или
разбавленными красками. Затем поверх эскиза делается набросок - первый
цветовой слой картины, представляющий общий вид композиции. Традиционно
масляная живопись включает в себя несколько наложенных друг на друга
полупрозрачных слоев цвета, при условии, что каждый новый слой цвета
наносится только после высыхания предыдущего слоя. Однако существует
несколько способов исполнения в зависимости от мастерства и видения
каждого художника. В импрессионизме была тенденция быстро схватывать и
исполнять картину под влиянием чувств и эмоциональных состояний,
вызванных определенным визуальным стимулом, и таким образом появилась
техника масляной живописи, называемая «мокрым по мокрому». Это означало
быстрое выполнение, не дожидаясь полного высыхания цветных слоев; в
результате получилась пастообразная смесь красок, лишенная эффекта
прозрачности традиционной живописи.
Современная масляная живопись – это разнообразие используемых
методов, техник и материалов. Искореняя традиционные методы, художники
используют нетрадиционную посуду и смелые сочетания разных видов цветов.
Широкий ассортимент предметов искусства, доступных сегодня, позволяет
каждому экспериментировать и вырабатывать свой собственный оригинальный
стиль.

39
 2.2. Абстрактный экспрессионизм.
Описание творческой части дипломной работы от замысла до
завершения

Сегодня живописцы всего мира продолжают пробовать различные

материалы, изыскивать неизведанные ранее способы, сочетать новые вариации
техник, гореть желанием и двигаться вперед на пути создания своего
собственного стиля.
Лишь опытным путем мастера определяют основу и средства,
выражающие всю полноту их замысла, способные продемонстрировать глубину
чувств и всю палитру эмоций художника.
Художественные и изобразительные материалы – всего лишь механизм
внешнего выражения внутреннего восприятия автором предмета картины,
способ же их применения определяет сам художник.
Исследовав зарождение и путь становления станковой живописи,
многообразие стилей и жанров, характерных для данного вида искусства,

40
разнообразие материалов и техник, используемых станковистами, к которым,
без сомнения, отношу себя и я, абстрактное искусство стало занимать меня все
больше – это уникальнейшее направление художественной культуры,
зародившееся как продукт кооперации итогов появления принципиально
других объективных взглядов общества о сущности прекрасного с развитием
художественных идей и сплетением интернациональных изысканий.
Научно-исследовательская концепция, согласно которой абстрактное
искусство – это результат развития новых философских течений, несомненно,
имеет право на жизнь.
Данное направление в живописи со своим «выходом в свет» воистину
заняло умы и души почитателей изобразительного искусства, неспособных
прочесть однозначно творения абстракционистов, пытающихся нащупать нить
смысла в хитросплетениях красок и геометрических фигур, невидящих
содержания в, казалось бы, безыдейных художественных композициях.
Однако, с течением времени, все очевиднее стали и замысел авторов-
абстракционистов, глубина идей, богатство красок и новаторский дух.
Очевидно, что каждое новое полотно, написанное в данном стиле, становилось
предметом жарких обсуждений, объектом интеллектуальных диспутов,
инструментом самопознания человека.
Как одно из самых ярких движений абстракционизма зарекомендовал
себя абстрактный экспрессионизм, характерной чертой которого является
спонтанное отображение живописцами в своих творениях собственного
внутреннего мира и эмоциональных переживаний.
Сторонники данного течения в своих работах целиком полагались на
бессознательное, свободное от законов логики и контроля разума творчество,
полностью отказавшись от изображения объектов реального мира.
Абстрактный экспрессионизм невозможно называть однородным
художественным течением. Напротив, это движение связывает огромное
количество разнообразных стилей, методов и техник, которые его приверженцы

41
использовали ранее и продолжают использовать и по сей день при написании
картин.
Абстрактный экспрессионизм дал человечеству новую генерацию
живописцев.
Рассматривая данное течение, окунемся к его истокам: абстрактный
экспрессионизм сформировался в Америке. С его появлением продолжилось
освобождение искусства от какого-либо контроля логических законов.
Абстрактный экспрессионизм являлся основным течением в
американской художественной культуре вплоть до начала шестидесятых годов
прошлого столетия, соединив отличающихся в своем творческом поиске
художников, что, при всем при этом, не препятствовало ему стать не только
одним из первых серьезных движений в живописи США, но и оказать влияние
на процесс развития не только европейского искусства, но и всего мира.
Особый размах движение абстрактного экспрессионизма получило в
пятидесятые годы, когда во главе его встали художники Джексон Поллок, Марк
Ротко и Виллем де Кунинг, чье искусство послужило появлению нового
поколения абстрактных экспрессионистов, таких как Альфред Лесли, Сэм
Френсис, Джоан Митчелл, Хелен Франкенталер, Барнет Ньюман, Клиффорд
Стилл, Майкл Голдберг и Ханс Хофман. Кроме того, абстрактным
экспрессионистом называла себя и минималистка Агнес Мартин.
Само словосочетание «абстрактный экспрессионизм» впервые
появилось в 1919 году на страницах берлинского журнала «Der Sturm» в статье
немецкого искусствоведа Э. фон Зюдова. Применялось оно для обозначения
некоторых аспектов искусства экспрессионистов. В 1929 году Альфред Барр,
знаменитый американский историк искусства, впервые применил этот термин
для характеристики ранних работ Кандинского, который и считается прямым
родоначальником данного направления в живописи.
Все произведения, написанные в этом жанре, отличаются особым
выражением своего внутреннего мира: в основном все самые яркие чувства и

42
эмоции человека выплескиваются художниками на большие полотна, с
использованием самых разных манер письма – от традиционной работы кистью
до нанесения красок только шпателем, разливания их из банок, выдавливания
из тюбиков, разбрызгивания из пульверизатора и многое-многое другое. Упор
мастеров абстрактного экспрессионизма делался на контрастные цвета и
абстрактные формы, чтобы вызвать у зрителя глубокое эмоциональное
восприятие. Даже банальные пейзажи под кистью экспрессионистов принимали
совсем другую форму и эмоциональный окрас. Использовались различные
материалы, для достижения художником нужного эффекта. И только
невероятные эксперименты в материалах рождали шедевры. В стремительном
ритме художники покрывали поверхность холста крупными энергичными
мазками, в буквальном смысле слова выплескивая на него потоки «свободно
струящегося цвета». При этом нередко прибегали к приему дриппинга
(Приложения № 24, 25) (разбрызгивание краски или выдавливание из тюбика),
изобретателем которого был знаменитый Джексон Поллок, который
использовал в своих работах самые революционные методы, которые стали
предметом бурных дискуссий и, в конечном итоге, принесли ему всемирную
известность. Этот метод представляет – движение, действие, которое
выполняет сам художник. Живопись действия отрицала традиционно
окрашенную поверхность картины – краска накладывалась на бумагу или
полотно, как след свободного жеста, произвольного движения руки. Считалось,
что бессознательное действие – это отражение характера художника,
запечатлённое и выложенное на холст. Этот стиль был широко распространен
до начала шестидесятых годов ХХ века и являлся едва ли не визитной
карточкой абстрактного экспрессионизма. Этот экспрессивный метод письма
считался не менее важным, чем само произведение, поэтому процесс создания
картины часто происходил публично. Перед зрительской аудиторией
разыгрывался целый спектакль, в котором жесты и движения художника играли
такую же активную роль, как и потоки краски, падающие и разливающиеся по

43
холсту (Приложение № 26). Отсюда и другое название абстрактного
экспрессионизма, данное критиком Гарольдом Розенбергом в 1952 году –
«живопись действия», определение, точно подчеркивающее физический акт
создания картины.
Другим стилем абстрактного экспрессионизма, получившим широкое
распространений в США, стала «живопись цветового поля», яркими
представителями которого были Марк Ротко (Приложение № 27), Барнетт
Ньюман (Приложения № 28, 29), Роберт Мазервелл и Эд Рейнхардт.
В живописи цветового поля, как и в живописи действия, существенную роль
играл размер полотен, на котором писали художники, опираясь в своей работе
на религию и мифологию, и создавали простые композиции с большими
областями, заполненными одним цветом, призванные вызвать у зрителя
созерцательное, медитативное настроение.
Внутри данного течения не было единообразия, это движение включало
в себя множество отличающихся стилей, каждый из которых был присущ лишь
одному или нескольким художникам, и исполненных в разных техниках.
Во второй половине XX века абстрактный экспрессионизм становится
своего рода международным движением в искусстве, захватывая практически
все континенты. Полная свобода нанесения красок на полотно или обращения с
пластическими формами породила бесчисленное множество последователей
этого направления, наводнивших музеи и галереи всего мира.
Абстрактное искусство абсолютизировало эстетическую значимость
цвета и абстрактной формы и тем самым в целом значительно сузило
изобразительно-выразительные возможности живописи. В дальнейшем
возможны только вариации тех или иных приемов, методов и способов
живописи, уже имевших место в истории искусства, но не какие-либо
принципиально новые открытия.
На сегодняшний день границы абстрактной живописи иногда довольно
сложно определить. Технические приёмы заимствуются, интегрируются и

44
переходят из одного течения в другое. Художники пытаются выйти за грани
жанров и видов искусства. Диапазон выразительных средств неограничен. В
современной живописи существует масса различных техник с использованием
различных материалов. Самым интересным и любопытным в работе художника
является – эксперимент, возможность соединять различные техники.
Концептуальным принципом современного искусства становится принцип
абсолютной свободы творчества.
Быть художником – это большой вызов, и это означает, что у тебя есть
миссия в жизни, ты должен всё время исследовать, изучать и прибывать в
поиске. Моя история началась пять лет назад, с поступлением в
Государственный Педагогический Университет в Кишиневе.
Всю свою жизнь я любила рисовать и за все эти годы учебы в
Университете, процесс обучения, изучаемые дисциплины и мои преподаватели
помогли мне в создании собственного стиля. Именно в период обучения у меня
начался более углубленный поиск выразительных средств. Поиски по
средствам создания эскизов, более успешных композиций. Различные
эксперименты с графическими и живописными материалами сильно помогли
мне в написании моей дипломной работы. Ведь только с накопленным опытом
художник хорошо познает материал и находит в результате свою собственную
комбинацию различных материалов и техник, что помогает ему создать
картину внешнего мира, состояния души, показать ту или иную эмоцию
зрителю, так произошло и у меня.
Если говорить об идеях моих работ на протяжении всего времени
обучения, можно отметить следующее: мое творчество – это интерпретация,
способ передачи фантазий, переживаний на холст посредством изображения в
основном абстракции (Приложения № 30 – 33).
В ранних работах я изучала материалы, исследовала их возможности.
Пробовала применять различные техники, как самостоятельно, так и
комбинировать их между собой, добиваясь большей выразительности.

45
Постоянное сомнение и поиск идеала и есть суть моих работ. Наверно, это и
является целью творчества: сомневаться, создавать свою собственную
действительность, независимую от общественного мнения, пытаться выразить
чувства, явления природы, эмоции, с помощью собственного характерного
способа.
На начальных этапах обучения произошло моё непосредственное
знакомство с различными живописными и графическими техниками и
материалами, с их особенностями, возможностями. Работа над творческой
частью Дипломной работы на тему «Разнообразные техники современной
станковой живописи» была самым интересным, трудным и требующим много
сил процессом.
Все это в совокупности и привело меня к трудно сдерживаемому
желанию написать свою картину для Дипломной работы в стиле абстрактного
экспрессионизма.
Моя выпускная картина – это абстрактная композиция под названием
«Диалог» (Приложение № 36).
Работа над композицией началась с выбора темы, затем происходил
подбор необходимой литературы для изучения и анализа абстрактного
искусства.
После изучения, обобщения и анализа собранной информации
последовало формирование идеи живописной композиции, а также техники, в
которой она будет выполняться: опытный мастер на сразу берет кисть и
начинает творить шедевры, как считают обыватели. Так и при создании моей
дипломной работы была проведена серьезная подготовка: в начале были
сделаны наброски, эскизы, колористические разработки (Приложения № 34,
35).
Целью разработки эскизных материалов был поиск композиционной
структуры, подбор колорита и образности.
Фактор спонтанности, озарения также играет важную роль в

46
формировании образа и композиции в целом. В результате, полагаю,
получилась весьма нестандартная композиция, и, впоследствии, она была
использована для реализации моей дипломной работы.
Основной целью создания была передача эмоции, ведь первое, что мы
улавливаем, смотря на любое произведение – эмоциональный строй
произведения. Зритель заряжается, заинтересовывается, испытывает чувства
погружения. Конечно, для дальнейшего анализа нужно уловить именно
эмоцию, чтобы была возможность погрузиться в произведение.
Следующей стадией, также немаловажной, было определение
поверхности для изображения: поиск более удобного, выгодного для меня, как
мастера, и для картины материала, с учетом манеры письма, применяемых
техник и используемых материалов.
Несомненно, правильно выбранная художником основа под картину во
многом влияет на качество, свободу и легкость реализации творческого
замысла.
В результате, мой выбор в качестве основы для картины пал на льняной
холст размерами 100 х 130 см.
Следующим этапом стала грунтовка холста: качественно
загрунтованный холст сделал поверхность моего полотна более прочным и
однородным для дальнейших работ над ним.
Вытекающим из предыдущего этапа является подбор инструментов для
создания большей выразительности. Почти все мои работы большие по
формату, поэтому я использую широкие малярные кисти, мастихин, валики,
шпатель.
Если говорить об инструментах, использованных мной при написании
«Диалога», более конкретно, то, в основном, при написании картины были
использованы мастихины разных размеров и форм, а также огромный выбор
широких кистей.

47
 Следующим этапом было перенесение эскиза, были обозначены
основные составляющие композиции. Широкой кистью намечены главные
цветовые массы.
Далее большие цветовые массы усложнялись при помощи проработки
деталей.
Последний этап самый непредсказуемый и сложный: смотришь на
плоды трудов и работа кажется незаконченной, неясной, и не экспрессивной.
Поэтому нужно просто доверится своим чувствам, своей интуиции,
почувствовать свободу. Строя композицию в произведении я подчас
ориентировалась на свои внутренние ощущения, пронося все изображение
сквозь саму себя. Без четко заданного плана я продолжила работу интуитивно,
добавляя свежие мазки. Результаты данного этапа выполнения работы
сформировали усложненную поверхность и фактуру.
Все усилия были направлены на поиск оригинального композиционного
решения. Первоначальная структура композиции не имела четкого
композиционного центра. Широкой кистью была определена новая структура,
нанесены цветовые, спонтанные большие мазки, чтобы отразить своего рода
эффект физического присутствия самого зрителя.
По нескольку раз перекрывались отдельные части полотна, с помощью
которых я добивалась нестандартной композиции. Вся композиция элементов
находится в движении и в тоже время все элементы этого полотна гармонично
согласованы с друг другом, то есть находятся в открытом и честном диалоге, от
чего и родилось название моей дипломной картины.
Активным художественным средством в дипломной работе выступает
цвет, он играет роль создания многомерности и текстуры в данной композиции.
В таком гармоничном по цвету полотну присутствуют яркие контрастные
цвета, которые призваны выразить равновесие современной среды. Ритм
темных и светлых пятен задает композиционную структуру холста.

48
 Важным моментом является ощущение от поверхности полотна и от
того как нанесен материал, этот тонкий нюанс дает возможность воспринимать
все эти сложные оттенки цвета в согласовании с друг другом. Тема данной
абстрактной композиции «Диалог» – выражение мысли в современной
коммуникации, в том числе и как реализация авторского замысла: диалог
художника со зрителем. Такая концепция проливает новый свет на
традиционные интерпретации человеческого общения.
Кроме того, моя картина «работает» как инструмент раскрытия
воображения человека: что увидит каждый зритель, рассматривая мою картину,
зависит от его воображения или даже – мироощущения. Кто-то, цепляясь за
детали, увидит или мирную беседу двух людей, или жаркий спор оппонентов,
или обмен мнениями на отвлеченные темы. Для меня же лично важнее
внутренний диалог – как восприятие и оценка происходящего и при этом –
взгляд в себя, разговор с самой собой, внутриличностная автокоммуникация.
Главная цель работы разбудить человеческие эмоции и не оставить
равнодушным.

КРАТКИЕ ВЫВОДЫ К ГЛАВЕ II

Резюмируя содержание второй Главы Дипломной работы констатируем

следующее:
На протяжении всей истории станковой живописи, ее эстетическое
начало тесно связано с использованием различных приемов, художественных
материалов и средств.
Основными материалами станковой живописи, оказавшими свое
влияние на классификацию станковой живописи в целом, являются:
- Живопись гуашью;
- Акварельная живопись;
- Живопись пастелью;

49
 - Живопись маслом;
- Живопись акрилом;
- Смешанная или комбинированная живопись.
Старые мастера прошедших времен смогли создать образцовую технику
в живописи, многие из принципов, которыми они пользовались в написании
работ, вошли и в современную технику.
Диапазон выразительных средств неограничен. В современной
живописи существует масса различных техник с использованием самых разных
материалов. Самым интересным и любопытным в работе художника является
эксперимент, возможность соединять различные техники. Концептуальным
принципом современного искусства становится принцип абсолютной свободы
творчества.
Абстрактный экспрессионизм – это течение в абстрактном искусстве,
возникшее в США. Истоки течения берут свое начало в раннем творчестве В.
Кандинского, признанного основоположником данного течения.
Для художников этого направления главным является экспрессивность
их манеры письма. Их техника – рисование в быстром темпе, большими
кистями и на больших полотнах, капая и проливая краски на холст. По их
мнению, только таким образом можно достичь предельного выражения чувств
и эмоций. Картины в стиле абстрактного экспрессионизма являются
отражением свободного, спонтанного и личного эмоционального переживания
и отличаются свободой в технике исполнения.
Собственное творчество это сложный, но увлекательный процесс. В
результате кропотливой подготовки, включавшей в себя изучение
значительного теоретического пласта информации, ее обобщение и анализ,
была создана база для написания картины, отвечающей, на мой взгляд,
принципам абстрактного экспрессионизма, описанным выше.
Долгий, захватывающий процесс написания картины – от рождения
замысла до его реализации и воплощения идеи на холсте, доставляет мне

50
истинное удовольствие. Достигнутым результатом – «Диалогом», я
удовлетворена. Надеюсь, у зрителей данная картина найдет положительный
отклик, и она будет тепло принята.

ЗАКЛЮЧЕНИЕ

Итогом написания теоретической части настоящей Дипломной Работы,

посвященной исследованию темы станковой живописи, стали следующие
выводы:
Сегодня станковая живопись является самым распространенным видом
изобразительного искусства. В первой главе подробно описано возникновение,
становление и дальнейшее развитие станковой живописи, на которую повлияли
многие факторы, такие как религия, география исторические события, а также
прогресс, достигнутый в разработке живописных материалов, как, в целом,
неотъемлемая часть научно-технического прогресса.

51
 Кроме того, было описано все жанровое богатство станковой живописи,
в том числе – современной. Для современной станковой живописи все жанры
имеют значение, так как, я в этом абсолютно уверена, принципиальным для
живописца является свобода: свобода идеи и свобода ее воплощения в жизнь.
Безусловно, талант может пробиться сам по себе, так как прекрасное не
спрятать от пытливых умов ни за какими «железными занавесами»,
искусственными или объективными препятствиями.
Но, все же, я считаю, что для художника определяющее значение имеет
также и теоретическая подготовка, и академические знания, что существенно
сокращает поиск «по наитию», расширяет возможности автора при поиске
материалов, инструментов написания и используемых техник.
Вторая глава была посвящена истории развития технологий живописных
материалов и техник в современной станковой живописи, а также исследована
образцовая техника в живописи старых мастеров прошедших времен, многое из
принципов которых вошло и в современную технику.
Диапазон выразительных средств неограничен, в современной живописи
существует масса различных техник с использованием различных материалов.
Основными материалами станковой живописи являются живопись гуашью,
акрилом, пастелью, маслом, акварельная живопись, а также смешанная и
комбинированная живопись.
Каждый материал был описан по-отдельности, начиная от его
возникновения в живописи, поверхности, которые с ним совместимы,
заканчивая приемами и техниками в которых он может применятся и с какими
другими материалами его можно комбинировать при работе.
Умение пользоваться живописными материалами возникает не сразу, а
только в результате упорного ежедневного труда, в процессе которого
происходит накопление необходимых знаний и опыта. И данный вывод
полностью коррелирует с моим мнением о необходимости получения

52
художниками академического образования, значительно повышающим знания,
увеличивающим техническую базу, но и расширяющим кругозор мастера.
Последний параграф второй главы настоящей Дипломной работы
посвящен изучению столь известного и популярного, а когда-то и очень
модного, течения в художественном искусстве, как абстрактный
экспрессионизм, а также поиску моих собственных выразительных средств при
написании творческой части Дипломной работы.
Абстрактный экспрессионизм подвергается анализу как новый этап
развития абстрактного искусства, явление которого стало самым плодотворным
источником стереотипов и необоснованных обобщений в истории искусств
начиная со второй половины двадцатого века.
Абстрактный экспрессионизм стал мощным международным движением
в арт-производстве, захватив практически все континенты. Полная свобода
нанесения красок на полотно или обращения с пластическими формами,
декларируемая и реализуемая абстрактными экспрессионистами, породила
бесчисленное множество последователей этого направления. Изучение
особенностей современных течений абстрактного искусства, нюансов
творчества представителей данного направления, помогло мне в выборе темы и
технологии создания дипломной живописной композиций.
В отношении творческой части замечу, что ее выполнение позволило
утвердиться в своих творческих силах, усовершенствовать технические и
художественные приемы.
Создание абстрактной композиции «Диалог» способствовало
совершенствованию техник, приобретению опыта ведения длительной работы
по созданию самостоятельного произведения, объединенного одной идеей, от
замысла до его воплощения в жизнь. При создании итоговой творческой
работы, мне помог весь практический опыт, накопленный за годы обучения в
Университете.

53
 В любом случае, художники всегда будут смешивать – краски, жанры,
виды искусства. Ведь это и есть творчество. Чтобы стать художником,
недостаточно только иметь талант и уметь хорошо рисовать, разбираться в
композиции, владеть перспективой и чувствовать цвет и тон. Как и в любой
другой профессии необходимо постоянно учится, знать в совершенстве
применяемые материалы в живописи и уметь ими пользоваться.
Написание дипломной работы предоставило мне возможность
познакомиться с приемами и техникой ведущих живописцев современности, а
также обобщить и пополнить запас своих теоретических знаний и практических
умений.
Я в самом начале своего жизненного и творческого пути и, уверена,
обучение в Государственном Педагогическом Университете «Ион Крянгэ», в
целом, и написание «Диалога», в частности, позволит мне открыть маленькую
дверь в мир больших возможностей и самореализации.

СПИСОК ЛИТЕРАТУРЫ

1. Власов В.Г. Станковое искусство // Власов В.Г. Новый

энциклопедический словарь изобразительного искусства. В 10 т. – Санкт-
Петербург, Российская Федерация, 2008 год.
2. Аполлон. Изобразительное и декоративное искусство. Архитектура.
Терминологический словарь. – Москва, Российская Федерация, 1997 год.
3. Н.А. Кун. Мифы Древней Греции. – Москва, Российская
Федерация, 2009 год – 240 с.

54
 4. Д.И. Киплик. Техника живописи. – Москва, Российская Федерация,
2008 год – 536 с.
5. Китайская тушь. – Москва, Российская Федерация, 2013 год – 240 с.
6. П.П. Ревякин. Техника акварельной живописи. Учебное пособие. –
Москва, Российская Федерация, 2015 год – 248 с.
7. И.В. Федорова, Е.А. Юдина. Методы удаления копоти с
произведений станковой живописи. Методическое пособие. – Москва,
Российская Федерация, 2015 год – 24 с.
8. Макс Дернер. Художественные материалы и их применение в
живописи. – Москва, Российская Федерация, 2017 год – 448 с.
9. Ю.И. Гренберг. Технология станковой живописи. История и
исследование. Учебное пособие. – Москва, Российская Федерация, 2017 год –
336 с.
10. Дэвид Хокни и Мартин Гейфорд. История картин. От пещеры до
компьютерного экрана. – Москва, Российская Федерация, 2017 год – 28 с.
11. Грег Кройц. Живопись маслом. Натюрморт, портрет, пейзаж,
обнаженная натура и сюжетная композиция. – Москва, Российская Федерация,
2018 год – 160 с.
12. 100 художников XX века. – Екатеринбург, Российская Федерация,
1996 год.
13. Барбара Хесс. Абстрактный экспрессионизм. / пер. с англ. Борис Л.
– Москва, Российская Федерация, 2008 год – 25-43 с.
14. Роз Б. Американская живопись ХХ века / Б. Роз. – Skira booking,
1995 год – 56 с.
15. Рыков А.В. Западное искусство ХХ века. – Санкт-Петербург,
Российская Федерация, 2008 год – 37 с.
16. Хренов Н.А. Эстетика и теория искусства XX века / Н.А. Хренов,
А.С. Мигунов. – Москва, Российская Федерация, 2008 год – 123 с.

55
 17. Шедевры искусства XX века. – Москва, Российская Федерация,
1997 год – 234 с.
18. Киплик Д.И. Техника живописи ЗАО «Сварог и К», 1999 – 47 с.
19. Анциферов В.Г., Анциферова Л.Г., Кисляковская Т.Н. Станковая 3.
композиция. Примерная программа для ДХШ и изобразительных отделений
ДШИ. М., 2003 – 117 с.
20. Василенко Н.В., Яйленко Е.В. Живопись эпохи Возрождения / Н.В.
Василенко, Е.В. Яйленко. М.: ОЛМА Медиа Групп, 2014 – 12 с., 27 с.
21. Киплик Д.И. Техника живописи ЗАО «Сварог и К», 1999 – 47 с.

Электронные ресурсы:

Станковая живопись: история и техника выполнения (доступ

15.02.2022):
– https://syl-ru.turbopages.org/turbo/syl.ru/s/article/199869/new_stankovaya-
jivopis-istoriya-i-tehnika-vyipolneniya

Станковая живопись – определение, материалы, жанры и тонкости

написания (доступ 15.02.2022):
– https://masterkrasok-ru.turbopages.org/turbo/masterkrasok.ru/s/posts/
stankovaya-zhivopis

Материалы и техника станковой живописи (доступ 15.02.2022):

– https://p-ivlin.ru/o-texnikax-zhivopisi/materialy-i-texnika-stankovoj-
zhivopisi.html

Станковое искусство (доступ 16.02.2022):

– https://izoandmhknkz.blogspot.com/2017/02/blog-post.html?m=1

56
Станковая живопись (доступ 16.02.2022):
– https://artchive.ru/encyclopedia/149~Stankovaja_zhivopis

Основные техники изобразительного искусства (доступ 16.02.2022):

– https://lektsia-com.turbopages.org/turbo/lektsia.com/s/10x2ccc.html

Станковая живопись (доступ 16.02.2022):

– https://ru.m.wikipedia.org/wiki/Станковая_живопись

ПРИЛОЖЕНИЯ:

57
 Джотто ди
Бондони
«Мадонна
1. Оньиссанти
(Маэста)»
(1306 – 1310)

Дерево, темпера
325 х 204 см

Место
нахождения:
Галерея
Уффици
Флоренция

2. Ян ван Эйк
«Портрет четы
Арнольфини»
(1434)

Дубовая доска,
Масло
82 x 59.5 см

Место
нахождения:
Национальная
галерея Лондон

58
3.
Мазаччо
«Мадонна с
младенцем»
(1424 – 1425)

Древесина
тополя, темпера
135.5 х 73 см

Место
нахождения:
Вашингтон,
Национальная
галерея

4.
Фра
Анджелико
«Коронация
Богородицы»
(1432)

Темпера на
панели
112 х 114 см

Место
нахождения:
Галерея
Уффици
Флоренция

59
5.
Сандро
Боттичелли
«Весна»
(1482)

Доска, темпера
203 х 314 см

Место
нахождения:
Галерея
Уффици
Флоренция

6. Леонардо да
Винчи
«Тайная
Вечеря»
(1495 – 1498)

Фреска
460 х 880 см

Место
нахождения:
Санта-Мария-
Делле-Грацие
Милан

60
7. Рафаэль Санти
«Мадонна
Грандука»
(1504-1505)

Холст, масло
84 х 56 см

Место
нахождения:
Палатинская
Галерея

8. Тициан
«Мадонна
Пезаро»
(1519-1526)

Дерево масло
478 х 268 см

Место
нахождения:
Санта-Мария-
Глориоза-деи-
Фрари
Венеция

61
9. Диего Веласкес
«Портрет
принца Фелипе
Просперо»
(1659)

Холст, масло
128.5 х 99.5 см

Место
нахождения:
Музей Истории
Искусств в Вене

10.
Жак Луи
Давид
«Портрет
Мадам
Рекамье»
(1800)

Холст, масло
174 х 244 см

Место
нахождения:
Париж, Лувр

62
11. Пьер Огюст
Ренуар
«Бал в Мулен
де ла Галетт»
(1876)

Холст, масло
131 х 175 см

Место
нахождения:
Музей Орсе
Париж

12. Винсент Ван

Гог
«Поле желтых
цветов»
(1889)

Холст, масло
35 х 57 см

Место
нахождения:
Кунстмузеум
Винтертур
Швейцария

63
13. Леонардо да
Винчи
«Портрет
госпожи
Лизы дель
Джокондо»
(1503 – 1519)

Доска (тополь),
масло
76,8 х 53 см

Место
нахождения:
Лувр, Париж

14. Рафаэль Санти

«Голова
молодого
апостола»
(ок.1510)

Эскиз / Этюд

Место
нахождения:
Чатсуорт-Хаус,
Дербишер,
Англия

64
15. Питер Пауль
Рубенс
«Портрет
Анны
Австрийской»
(1621 – 1625)

Холст, масло
85 х 67 см

Место
нахождения:
Лувр, Париж,

16. Рембрандт
«Ночной
дозор»
(1642)

Холст, масло
379,5 х 453,5 см

Место
нахождения:
Рейксмюсеум,
Амстердам

65
 17. Тициан
«Портрет
Клариссы
Строцци»
(ок. 1542)

Холст, масло
115 х 98 см

Место
нахождения:
Берлинская
картинная
галерея

18.
Клод Моне
«Впечатление.
Восходящее
солнце»
(1872)

Холст, масло
48 х 63 см

Место
нахождения:
Музей
Мармоттан-
Моне
Париж

66
19. Роберт
Раушенберг
«Маленький
ребус (Small
Rebus)»
(1956)

20.
Ф. Стелла
Серия
Черных карти
н
(1958–1960)

67
21. Я. Ван Эйк
«Св.Варвара»
(1437)

Масло
Незаконченная
работа на
стадии
подмалевка

22. Микеланджело
«Мадонна с
младенцем,
Иоанном
Крестителем и
четырьмя
ангелами»
(конец 1490-х
гг.)

Масло
Неоконченная
работа на
стадии прописи

68
23. Рембрандт
«Даная»
(1636-1647)

Холст, масло
185 х 203 см

Место
нахождения:

Эрмитаж,
Санкт-
Петербург

24. Джексон
Поллок
«Номер 5»
(1948)

243,8 х 121,9 см

69
25. Джексон
Поллок
«Номер 8»

26. Джексон
Поллок
В процессе
создания
картин

70
27. Марк Ротко
White Center

28. Барнетт
Ньюман
Third Station

71
29. Барнетт
Ньюман
Moment

30. Ирина
Капанжи
«Ночное
сияние»

Холст, масло
75 х 25 см

72
31. Ирина
Капанжи
«Огни
большого
города»

Холст, масло
40 х 60 см

32. Ирина
Капанжи
«Космос»
(полиптих)

Холст, масло
20 х 85 см
и
40 х 60 см

Общие размеры:
105 х 160 см

73
33. Ирина
Капанжи
«В ожидании
рассвета»

Холст, масло
60 х 60

34. Ирина
Капанжи
Эскизы
Дипломной
работы

74
35. Ирина
Капанжи
Эскизы
Дипломной
работы

75
36. Ирина
Капанжи
«Диалог»
Дипломная
работа

Холст, масло
100 х 130 см

76