3.

Искусство 20 века
-Направления внутри авангарда

Программу составила:
преподаватель ДХШ
Згеря Оксана Сергеевна
В нач. 20 в. возникло множество авангардных направлений: фовизм, кубизм, футуризм,
экспрессионизм, абстракционизм, сюрреализм и др. Часть исследователей считает 1920-е гг.
завершающим этапом авангардизма, другие отодвигают его временные границы до
появления постмодернизма .

Х. Грис. «Натюрморт с бутылкой бордо». 1919 г.

Частное собрание. Берлин

Грис Хуан. Рюмки, газета и бутылка вина

Чтобы создать здесь необычную интерпретацию жанра натюрморта художник использовал
нарезанные полоски газет. Предметы - рюмки, газета и бутылка вина - были взяты целиком, а
затем разбиты на фрагменты, вновь склеены воедино и изображены в границах параллельных
друг другу вертикальных плоскостей в кубистической манере. Грис создает впечатление
перспективы и различных ступеней пространства, располагая эти плоскости одну за другой.
Значение картины - в новаторском методе изображения различных граней предмета
одновременно, без традиционной светотеневой моделировки. Художник создаст таким образом
новый вид реальности. Хотя Грис никогда не стремился работать в кубистической манере,
картина является образцом стиля кубизма. Испанец по национальности, Грис провел большую
часть жизни в Париже, а его творчество оставалось близким кубизму по трактовке формы.
Авангардизм возник во Франции, затем распространился в Германии, Италии, России и др.
странах. Участники этого движения стремились разрушить все общепринятые нормы, правила,
идеалы. Молодые бунтари призывали «выбросить на свалку истории» не только отжившие
традиции, но и все художественное наследие. Идеолог итальянского футуризма Ф. Т. Маринетти
призывал: «Суньте огонь в библиотечные полки! Отведите течение каналов, чтобы затопить
склепы музеев. О, пусть плывут по ветру и по течению знаменитые картины». Выступления
авангардистов часто сопровождались скандалами. Выпускались дерзкие манифесты (сборник
стихов В. В. Маяковского, А. Е. Крученых, В. Хлебникова и братьев В. Д. и Д. Д. Бурлюк
«Пощечина общественному вкусу», 1912). Художники сознательно дразнили публику.
Шокирующим было все: раскрашенные лица, морковки и расписные ложки в петлицах их
костюмов; названия групп («Ослиный хвост », «Бубновый валет »); способы привлечения
публики («бубнововалетцы» подражали скоморохам, итальянские футуристы разбрасывали
листовки с колоколен). Однако за дерзкими выходками скрывалась серьезная работа над
созданием принципиально новой художественной системы. Каждая из группировок - в полемике
со всеми остальными - отстаивала свой творческий метод, свое видение дальнейшего развития
искусства.
Преобразования охватили все виды творчества, но изоискусство постоянно выступало
инициатором новых движений. Мастера постимпрессионизма предопределили важнейшие
тенденции авангарда; его ранний фронт наметился групповыми выступлениями представителей
фовизма и кубизма. Футуризм укрепил интернациональные контакты авангарда, ввел новые
принципы взаимодействия искусств (изоискусства, литературы, музыки, театра, фотографии и
кинематографа). В 1900-10-е годы новые направления рождаются одно за другим в широком
географическом диапазоне - от России до Нового Света (с Москвой, Берлином, Нью-Йорком и
другими центрами, которые все решительнее оспаривают ведущую роль Парижа как
законодателя художественных мод). Экспрессионизм, дадаизм, сюрреализм - с их чуткостью к
бессознательному в человеческой психике - обозначили иррациональную линию авангарда, в
конструктивизме же, напротив, проявилась его рациональная, строительная воля.Однако оба
начала постоянно сочетаются в сфере художественного эксперимента, захватившего также
литературу (приемы «автоматического письма», «потока сознания», зауми), музыку (атональная
музыка, додекафония), театр, дизайн и другие виды творчества.

У. Боччони. «Восставший город». 1910 г. Музей

современного искусства. Нью-Йорк

Боччони Умберто. Голова + Свет + Окружение

Формы - фрагментарные, изорванные - мечется, увлекаемые каким-то вихрем. Из красных, синих
граней проступает человеческая голова: это мир, увиденный во вращающемся калейдоскопе.
Картина воплощает идею движения сквозь пространство и время - идею, которой Боччони был
всецело увлечен. Он был одним из основателей итальянского футуристического искусства и в 1910
году поставил свою подпись под Манифестом Футуризма. Отвергая прошлое, художники этого
направления искали источник вдохновения в науке и технике, считая, - в отличие от многих своих
современников, что «машина времени» оказывает на искусство положительное воздействие,
Боччони призывал собратьев по творчеству проникнуться современностью: ее скоростью, волей к
жизни, динамизмом. В этой картине художник пытался воспроизвести всю целостность
единовременных впечатлений от реальности. Боччони посвятил себя в равной степени живописи и
скульптуре. В 1915 году он добровольно ушел на войну и по иронии судьбы стал жертвой падения
с несущейся лошади.
В период войн и революций 1910-х годов политический и художественный авангарды активно
взаимодействуют. Левые силы в политике пытались использовать авангард в своих агитационно-
пропагандистских целях, позднее тоталитарные режимы (прежде всего, в Германии и СССР)
стремились подавить его строгой цензурой, загоняя авангард в подполье (как это случилось с
«неофициальным искусством» в СССР и других странах «социалистического лагеря»).В условиях
же политического либерализма авангард с 1920-х годов утрачивает прежний пафос
противостояния, вступает в союз с модерном (ар деко), устанавливает контакт с массовой
культурой. Разочарованный в своих ранних утопических надеждах, он и здесь все чаще
оказывается в состоянии «подполья», правда уже чисто духовного, а не социального (в таких его
поздних проявлениях, как абстрактный экспрессионизм или «новая фигурация», часто
доминируют настроения одиночества, отчаяния, мистического транса).Кризис авангарда, к
середине 20 века в значительной мере растратившего свою былую «революционную» энергию,
явился стимулом для формирования постмодернизма как основной ему альтернативы.
В 1960-70-х гг. появились новые авангардные течения: акционизм, поп-арт, концептуальное
искусство и др. (их часто объединяют термином постмодернизм). Никогда прежде европейская
культура не знала такого многообразия течений, направлений, художественных систем,
индивидуальных стилей. Авангардисты значительно обогатили язык искусства, предложили
широкий спектр новых идей. Среди них были великие мастера: П. Пикассо , А. Матисс , В. В.
Кандинский , К. С. Малевич , М. З. Шагал , С. Дали и др. При всем многообразии
индивидуальных стилей, совместными усилиями они разработали новую художественную
систему, в основе которой не подражание природе, а творческое самовыражение художника.
Авангардисты приучили публику к острым, неожиданным эстетическим впечатлениям, к
активному соучастию в восприятии художественных произведений, к «интеллектуальной игре».
Они стали подлинными первооткрывателями искусства современности.
В резких цветовых сочетаниях, в жестких
изломах линий запечатлелась мучительная
боль, исказившая лицо охваченной
страданием женщины. Взгляд зрителя
фокусируется на блеклой синеве вокруг рта
и зубов; формы глаз и лба расколоты -
буквально сломлены горем. Этот образ
перекликается с персонажами
монументального панно Герника,
написанного в том же году и
изображающего гибель женщин и детей во
время гражданской войны в Испании.
Данная картина является одной из наиболее
выразительных в серии Плачущих женщин.
Раздробленные, сдвинутые объемы лица -
прием, восходящий к кубизму,
направлению, основанному Пикассо и
Браком. На протяжении своей долгой,
сопровождавшейся шумным успехом
творческой деятельности Пикассо создал
огромный корпус работ. Будучи испанцем
по происхождению, он приехал в Париж в
1901 году и оставался во Франции до конца
жизни. Пикассо признан величайшим
художником XX века.
Пикассо Пабло. Плачущая женщина
Шквал основных цветов обрушивается на зрителя в этой ослепительно великолепной картине,
которая изображает интерьер комнаты с женщиной, накрывающей на стол. Живописная
поверхность холста приведена к единой гармонии вибрацией чистого цвета, мастерски
вписанного в композиционную структуру и заполняющего собой все пространство комнаты.
Скатерть сливается со стеной, предметы кажутся совершенно плоскими, художник упрощает и
искривляет их форму. Это усиливает впечатление лирического наплыва орнаментальных форм и
переливающихся радугой красок. Цвет для Матисса - не столько средство изображения, сколько
средство выражения, он сознательно пренебрегает традиционными правилами рисунка и
перспективы. Он и его последователи получили прозвище фовистов, или диких, благодаря
первозданной дикости их стиля.
Фовистская манера Матисса охватывает
1905-1908 годы, стиль художника
продолжал развиваться на протяжении
всей его долгой творческой жизни. Цвет
всегда играл в работах Матисса, какими
бы они ни были, главную роль. Это
очевидно и в великолепных коллажах,
которые он делал в поздний период.

Матисс Анри. Красная комната

(Десерт. Гармония в красном)
В этой полуабстрактной, необъяснимо притягательной композиции очертания холмов и фигуры
казаков с саблями включаются в движение отвлеченных форм, линий и цветовых пятен. Есть
особая красота в простоте ее построения и удивительная раскованность в манере наложения мазка.
Кандинский считал, что подлинный художник стремится к выражению исключительно
внутреннего, сущностного видения. Получив первоначально юридическое образование,
Кандинский вскоре осознал, что его настоящее призвание - искусство, и стал одним из
выдающихся первооткрывателей "чистой" абстрактной живописи.
После длительного пребывания в Мюнхене
он вернулся в Россию, где в 1914-1922 годах
занимался педагогической деятельностью,
основал Российскую академию
художественных наук.
Влияние русской культуры сказалось в его
обращениях к иконописи, к мотивам
народного творчества. Некоторое время он
преподавал в Баухаузе, прославленной
школе современного дизайна. Кандинский
осознал значение абстрактного искусства,
когда обнаружил в нем "необычайную
красоту, излучающую внутренний свет", еще
не поняв, что то был свет его собственного
творчества, увиденного изнутри, в обратной
перспективе.

Василий Кандинский. Казаки

Геометрические элементы, написанные основными
цветами, как будто плавают, подвешенные на холсте.
Малевич создал сложную композицию из
перекрывающих друг друга форм, чтобы передать
ощущение глубины и перспективы. Супрематическая
работа изгоняет всякий след предмета, опираясь
исключительно на взаимодействие формы и цвета.
Малевич был основателем супрематизма - системы,
которая стремилась достичь абсолютной чистоты этих
двух начал. Для Малевича супрематизм означал
воплощение чистого художественного чувства, того,
что он называл "чувством беспредметного". В 1918
году он довел развитие нефигуративного искусства до
логического вывода в серии композиций "Белое на
белом", состоящих из белых геометрических форм на
белом фоне - своего рода абстракция абстракций.
Осознав, что дальше развивать концепцию некуда,
Малевич вернулся к фигуративной живописи.

Малевич Казимир. Супрематизм

Над городом, состоящим из простых деревянных домов и сараев, летят по небу две фантастические
фигуры. Мужчина рукой нежно обнимает женщину за грудь. Кажется, это любовники, которые,
может быть, совершают тайный побег. Странный и наивно упорядоченный город, изображенный
посредством цветовых пятен, с его чудными деревянными заборами и теплыми красками,
обнаруживает интерес Шагала к сказкам и фантастическому. Шагал родился в России, и многие его
образы крепко укоренены в мире еврейского фольклора ранней поры его жизни. Его стиль сложен и
вместе с тем по-детски прост, в его красочных композициях смешиваются реальность и сон. Шагал
был вынужден покинуть Россию, поскольку государству требовалось искусство определенного
типа; после отъезда он делил свое время между США и Францией.

Он был очень плодовитым

художником и занимался
живописью, мозаиками,
театральными декорациями
и гобеленами.
Его произведения можно
встретить во многих
общественных зданиях, в
том числе в парижской
Гранд-Опера и в здании
Штабквартиры ООН в Нью-
Йорке.

Шагал Марк. Над городом

В этой фантастической интерпретации сна мы видим только голову спящего на фоне образов
сновидений. Ее неустойчивое балансирование говорит: стоит одному из костылей упасть, и
спящий пробудится; так изображается непрочность, хрупкость сна. Дотошное внимание
художника к деталям создает атмосферу преувеличенной реальности. Будучи участником
сюрреалистического движения, Дали активизировал в своем искусстве роль бессознательного и
идею абсурдности. Он сотрудничал с режиссером Луисом Бунюэлем в работе над такими
фильмами, как "Андалузский пес" и "Золотой век", которые и поныне считаются вехами в
истории кино. Несмотря на то, что он часто бросал вызов общественному мнению, репутация
Дали и его вклад в искусство несомненны. Долго работавший в Париже и в Нью-Йорке, в 1955
году он вернулся в свою родную Испанию и обосновался здесь вместе со своей верной подругой
Гала, запечатленной на многих его таинственных и удивительных картинах.

Дали Сальвадор. Сон

Как и предварившие его направления модернизма, авангард был нацелен на радикальное
преобразование человеческого сознания средствами искусства, на эстетическую революцию,
которая разрушила бы духовную косность существующего общества, - при этом его
художественно-утопические стратегия и тактика были гораздо более решительными, анархически-
бунтарскими.Не удовлетворяясь созданием изысканных «очагов» красоты и тайны,
противостоящих низменной материальности бытия, авангард ввел в свои образы грубую материю
жизни, «поэтику улицы», хаотическую ритмику современного города, природу, наделенную
мощной созидательно-разрушительной силой, он не раз декларативно подчеркивал в своих
произведениях принцип «антиискусства», отвергая тем самым не только прежние, более
традиционные стили, но и устоявшееся понятие искусства в целом. Постоянно влекли авангард
«странные миры» новой науки и техники - из них он брал не только сюжетно-символические
мотивы, но также многие конструкции и приемы. С другой стороны, в искусство все активнее
входила «варварская» архаика, магия древности, примитив и фольклор (в виде заимствований из
искусства негров Африки и народного лубка, из других «неклассических» сфер творчества, прежде
выносимых за рамки изящных искусств). Мировому диалогу культур авангард придал невиданную
остроту.
Знаменитые художники-авангардисты и особенности их стиля

Художники-авангардисты не рисовали, а «думали» свои картины. Целью творчества они видели

не просто художество, а разрушение преград между различными видами искусств, пропаганду
новых идей в живописи, музыке и театре. Их творчество создало целый мир, который, по словам
Василия Кандинского, «с виду ничего общего не имеюл с действительностью ». По его же
мнению, именно импровизация в виде цветовых пятен и линий, а не классический сюжет,
является носителем духовного начала.
Полотна знаменитых авангардистов стали отражением ярких мыслей неординарных личностей. В
тоже время почти все их работы с первого взгляда кажутся хаотичными, как это свойственно
работам гениев.
Большинство авангардистов в поисках своего изобразительного языка пытаются скрестить
остросовременное искусство и древние традиции. Так Марк Шагал в цикле литографий
именуемой «Библия Шагала» обращается к иудейской культуре, запечетлевая прародителей
еврейского народа в наивной и эмоциональной форме.
Американские авангардисты называли себя «мифотворцами », потому что изображали древние
символы индейских мифов
Творчество многих авангардистов было неотделимо от революции. Так после революции 1945
года во Вьетнаме многие художники покинули свои дома и города, отправившись вместе с
партизанами и войсками сопротивления в леса. Прямо в джунглях в 1950-ом году было
организовано художественное училище, которое возглавил один из лучших местных
авангардистов - То Игон Ван. Его ученики делали зарисовки военного быта, создавали
патриотические агитационные плакаты и листовки.
Другие художники расширили или даже вышли за рамки авангарда, создав новые художественные
течения. Так, к примеру, венгерец Виктор Визарелли стал основателем «оп-арта » - искусства,
«обманывающего » глаз и мозг зрителя с помощью оптических иллюзий.
Расширив границы современного искусства, авангардисты перенесли мировую столицу искусства
из старого Парижа в новый, динамичный Нью-Йорк. Отсутствие конкретики натурализма,
простые и яркие цвета, несложная конструкция из простых предметов так свойственные
авангардизму предвосхитили возникновение нового художественного стиля - минимализм.
Понятие «авангард» применительно к некоторым явлениям литературы и искусства
использовалось во французской критике уже с середины 19 века (Г. Д. Лавердан, Ш. Бодлер). В
современном понимании термин «авангардизм» относится к искусству 20 века; чаще всего
авангардизм трактуется как наиболее радикальная форма модернизма. При неизменном
антитрадиционализме, всегда остающемся для него отправной точкой, авангардизм не
представляет собой последовательно выстроенной системы эстетических постулатов, отличается
подвижностью границ и плюрализмом, существуя в виде многочисленных школ и направлений,
воплощающих собственные программы.
Для школ авангардизма характерна недолговечность; они часто находятся в конфликте друг с
другом, поскольку каждая притязает на уникальность предложенного ею пути в искусстве. Однако
сама установка на экспериментальность и новизну художественного языка остаётся главным
отличительным свойством авангардизма, позволяя говорить о нём как о единой тенденции, в
различных формах прослеживаемой на всём протяжении 20 века.
Принципу воссоздания мира в узнаваемых и жизненно достоверных формах авангардизм
противопоставил идею художественной деформации, дающую мощный стимул развитию
всевозможных форм алогизма и гротеска, а в крайних своих проявлениях приводящую к подмене
творческого акта неким символическим жестом, выражающим неприятие устоявшихся норм. Так
возникли особые способы построения образной системы: чрезмерная зашифрованность (либо
отсутствие) сюжета, конфликтные соотношения формальных элементов, слияние разновременных
пластов, мифологизация реальности.
Условному языку деформаций авангардизм нередко находил обоснования в первобытных
культурах, в искусстве непрофессионалов, душевно больных, в детском творчестве (смотри
Примитивизм, Ар брют), а также в техницизме и урбанизме 20 века. Авангардизм пародировал
общепринятые понятия и представления, демонстрируя ограниченность и неполноту рациональной
картины действительности (экспрессионизм, абсурда театр, чёрный юмор) и подменяя её миром
подсознательных, дорефлективных переживаний (сюрреализм).
Меняя представление о самой сущности искусства, некоторые направления авангардизма
противопоставили принципу автономности эстетического объекта идею искусства как социального
действия, как психологической терапии шокового характера (футуризм, дадаизм), в предельных
случаях вообще отказываясь от эстетических опосредований во имя спонтанности (автоматическое
письмо сюрреалистов, «слова на свободе» Ф. Т. Маринетти, «искусство прямого действия»).
Авангардизм выдвинул идею произведения как импровизационного текста, открытого для разных
интерпретаций, вовлекающего читателя, зрителя, слушателя в процесс сотворчества с автором. В
этой «открытой системе» воплотилось стремление авангардизма разрушить границы между
искусством и жизнью, произведением и публикой, вывести искусство за пределы музея, театра,
концертного зала и тому подобное.
Отвергая сложившуюся систему искусств, авангардизм нередко создавал новые экспериментальные
формы, объединяющие разные виды художественного творчества; среди них - «театр художника»
(или пластический театр), «киноживопись» (абстрактные анимации), светомузыка,
«пространственная музыка», «инструментальный театр», леттризм и конкретная поэзия. Коллаж,
открытый в живописи кубизма, вскоре был освоен другими видами искусства. Типичные
проявления авангардистского коллажа: включения кинопроекций в театральный спектакль,
звукозаписи (в том числе речи, шумов) - в «живое» исполнение музыки, словесных текстов - в
живописные полотна и хореографические постановки, цитат из живописи и литературы - в
кинофильмы.
С другой стороны, на протяжении всей истории авангардизма сохранялась программная задача
выявления видовой специфики отдельных искусств, освобождения их от «посторонних»
компонентов («самовитое слово», «театрализация театра», «чистая живопись», «фотогеничное
кино»). Формальные элементы (слово как таковое и его звуковой аспект в литературе, линия и
цвет в живописи, звуковой материал, высотная и ритмическая структуры в музыке, режиссёрский
приём и сценографические эффекты в театре, монтаж, свет и композиция кадра в кино)
выдвигались на первый план, оттесняя миметическое начало (изобразительный мотив,
драматургическую основу спектакля или фильма). С утверждением абстракционизма, особенно в
его поздних проявлениях, формальная структура, освобождённая от задач отражения реальности,
приобретает самодостаточность, выразительные средства обращаются на самих себя, становятся
единственным содержанием произведения.
Для ряда направлений раннего авангардизма были характерны устремлённость в будущее,
утопический жизнестроительный пафос и, как следствие, левая идеологическая окраска (русский
футуризм и конструктивизм, Баухауз, немецкий экспрессионизм, сюрреализм, особенно его
литературное крыло). Сознававший себя «искусством революции», авангардизм к началу 1930-х
годов был признан в странах, победивших тоталитарный режим «антинародной» и
«формалистической» тенденцией, а в нацистской Германии третировался как «дегенеративное
искусство».

Наиболее значительные школы и движения авангардизма (кубизм, футуризм, дадаизм,

сюрреализм, экспрессионизм) завершили основной цикл своего развития в 1920-30-х годах. В
послевоенный период на авансцену вышли новые течения абстракционизма: поп-арт, театр
абсурда, «новый роман», конкретная поэзия. Появились такие динамические формы, как
хеппенинг, перформанс, боди-арт.