***

Первые десятилетия 20 века – уникальный период совмещения художественных

течений. Стиль новой эпохи формировался в противоборстве взаимоисключающих
художественных направлений: консервативного и авангардного, традиционного и
радикального, лирического и конструктивного. Особенную силу в эти годы приобрел
русский авангард, в основе которого лежит экспериментальный подход к творчеству.
Художники русского авангарда искали способ выразить идеи духовного становления
творческой личности, отразить его взаимоотношения с жизнью. Этот период
представляют произведения ведущих мастеров – Аристарха Лентулова, Ильи
Машкова, Александры Экстер, Ивана Клюна, Роберта Фалька и других.
ЛЕНТУЛОВ Аристарх Васильевич
НЕБОЗВОН. ДЕКОРАТИВНАЯ МОСКВА. 1915
Аристарх Лентулов – яркий представитель русского авангарда начала 20 века. Он
одним из первых в русском искусстве открыл связь цвета и звука. Источником
вдохновения для художника часто становилась старая русская архитектура. Лентулов
стремился представить архитектурное сооружение «как бы сразу отовсюду, со всех
сторон», – вспоминала его дочь. В его работах создаются причудливые цветовые
структуры, воплощая одно из главных открытий авангарда – идею «цветодинамики».
«Небозвон» относится к «московской» серии работ 1913-1917 годов и выделяется
среди остальных грандиозных полотен этого цикла относительно небольшим
размером. Написанная в разгар Первой мировой войны, картина полна национальной
самобытности. В самом центре Московского Кремля, на колокольне Ивана Великого
звонят колокола. Башни, терема и соборы, как ликующая толпа, раскачиваются в такт.
Их праздничная пестрота, как разноголосый хор, дробит и множит звуковые волны.
Звоны возносятся ввысь и, рассыпаясь золотом бубенцов-куполов, играют в небе
многоцветной радугой, светоносной энергией, «небозвоном». Щедрая нюансировка
каждого цвета, выразительность переходов и контрастов погружают в чисто
живописное наслаждение.

***
ФАЛЬК Роберт Рафаилович
ПЕЧКА. 1922
Живописец, график, художник театра, педагог Роберт Фальк был членом
объединений «Бубновый валет», «Мир искусства», Общества московских
художников. Натюрморт «Печка» написан Фальком в Москве в его мастерской на
Мясницкой улице зимой 1922 года. Эта работа открывает зрелый период художника,
отмеченный творческой сосредоточенностью и психологизмом живописи. Атмосфера
первых послереволюционных лет ощущается уже в сюжете. Остывшая печка, пустая
бутыль и сухие рыбы, торчащие из миски, – всё это знаки оскудевшей и разоренной
жизни. Это состояние усилено экспрессией балансирующих на краю печки ножей,
которые словно охраняют этот хрупкий мир от вторжения. Сурова гамма серых,
чёрных, охристых и зелёных тонов. Её аскетизм сосредотачивает внимание
художника на сложной и неистощимой «внутренней жизни» цвета.

***
КЛЮН (КЛЮНКОВ) Иван Васильевич
СУПРЕМАТИЗМ. 1916
Иван Васильевич Клюн, друг и соратник Казимира Малевича, был одним из самых
последовательных приверженцев супрематизма (от лат. supremus - наивысший) –
направления в авангардистском искусстве, которое выражается в комбинациях
разноцветных плоскостей простейших геометрических форм (квадрата, круга).
Сочетание разноцветных фигур разного размера образуют пронизанные внутренним
движением асимметричные композиции. Полотно Клюна «Супрематизм» отличают
почти квадратные пропорции и концентрация форм, что напоминает о «Чёрном
квадрате» Малевича. Клюн словно проник внутрь Чёрного квадрата, исследуя его
таинственный мир. Взаимодействие цветоформ друг с другом и с чёрным фоном
наполняет композицию внутренней динамикой, её центром становится белый
квадрат. Можно предположить, что произведение написано в 1916 году сразу вслед
за ошеломляющим появлением «Чёрного квадрата».

***
МАШКОВ Илья Иванович
НАТЮРМОРТ. 1922
Илья Машков был членом творческих объединений «Мир искусства» и «Бубновый
валет». На раннем этапе своего творчества мастер испытал влияние Поля Сезанна и
кубистов, обращался к традициям лубка. «Натюрморт с фарфоровыми фигурками»
отмечает поворот Машкова к классическому искусству. С редким мастерством
художник воссоздает фактуру дерева, фарфора, плодов, наслаждаясь
разнообразием предметного мира и неиссякаемыми возможностями живописи.
Живописец стремится к большей достоверности изображаемого, к воплощению
материальной насыщенности мира. Картине присуща своеобразная метафоричность.
В мир изысканных антикварных вещей неожиданно и смело вторгаются обычные
овощи и фрукты. Расстояние между двумя мирами – искусства и природы –
преодолевается творческой волей художника, объединяющего изображение в
целостную стройную композицию.

***
КУЗНЕЦОВ Павел Варфоломеевич
ПОРТРЕТ Елены Михайловны БЕБУТОВОЙ. 1918
Произведение написано в год бракосочетания художников Елены Бебутовой и Павла
Кузнецова и открывает целую серию созданных живописцем портретов жены.
Полотно представляет собой интересное сочетание мотивов древней восточной
культуры и приемов новейшего искусства. Строгая, торжественно отрешенная
Бебутова изображена многорукой, подобно индуистскому божеству Шиве. Веера
делают сюжет декоративным. Фон портрета добавляет изображению экспрессии,
которая контрастирует с величественным спокойствием героини. Взмахом рук с
веерами Бебутова создает движение, раскалывающее фон картины на радужные
плоскости. Обилие синего в произведении связывает его с символикой кузнецовских
работ периода его участия в знаменитой выставке русских символистов «Голубая
роза». Он, как лидер живописного символизма, придавал этому цвету большое зна-
чение, возвращая синему древнюю мистическую природу.

***
ГЛЕБОВА Татьяна Николаевна, ПОРЕТ Алиса Ивановна
ДОМ В РАЗРЕЗЕ. (РАЗРЕЗ НАШЕГО ДОМА). 1931
Полотно «Дом в разрезе» написано в 1931 году двумя талантливыми ученицами
Павла Филонова Татьяной Глебовой и Алисой Порет. Работа создана в Ленинграде
на набережной реки Фонтанки, где жили художницы, где у них был своеобразный
салон, где бывали живописцы, поэты, музыканты… Произведение поступило в музей
из наследия Татьяны Глебовой разделенным на несколько частей со значительными
утратами и было восстановлено в процессе сложной реставрации. «Дом в разрезе»
состоит из нескольких сюжетных композиций. Три из них отражают жизнь улицы и
двора - это фрагмент похоронной процессии в нижней левой части холста с утратой,
над ней по вертикали сцена тушения пожара, и выше - парк с влюбленными и
прохожими. Семь других сюжетов представляют жизнь в квартирах многоэтажного
дома. Картина автобиографична. Как в памяти на полотне воссоздаются
разновременные фрагменты из жизни друзей, знакомых и портреты творческих
людей своего круга. В сцене семейного обеда изображена двоюродная сестра
художницы Тамара Глебова (дама в шляпе), известная в те годы актриса; рядом в
халате - её муж Александр Авербах (будущий отец кинорежиссёра Ильи Авербаха).
Рядом с догом по кличке Хокусай за столом сидит Алиса Порет, а справа вверху
Татьяна Глебова изобразила себя – в образе художника, сидящего за мольбертом
(спиной к зрителю). Знаменитой пианистке Марии Вениаминовне Юдиной художницы
«подарили» отдельную комнату и изобразили в нескольких ипостасях: за роялем, за
столом, лежащей на кушетке, летящей по воздуху в венке. Юдина часто играла в
этом доме на Фонтанке. В образе дирижёра в сцене домашнего концерта авторы, по-
видимому, изобразили своего учителя Павла Филонова. Глебова была из
музыкальной семьи. Отец, будучи талантливым учёным, делал скрипки и занимался
живописью. Мать пела, играла на фортепиано - возможно, в сцене с домашним
концертом художница изобразила своего отца, а в пианистке – мать. Глебова и Порет
были дружны с поэтами-обэриутами Даниилом Хармсом и Александром Введенским,
с писателями Евгением Шварцом, Михаилом Зощенко, Самуилом Маршаком.
Атмосферой игры, остроумных розыгрышей, мистификаций был пронизан этот 1931
«обериутов» год, год создания «Дома в разрезе». И сегодня рядом с сохранившемся
домом располагаются два сада - Измайловский и Юсуповский с прекрасными
островами на пруду. Вполне возможно, что именно они могли стать прототипами
изображенного на полотне райского сада. Картину «Дом в разрезе» можно
расценивать как одно из уникальных, загадочных и ёмких по содержанию
произведений школы Филонова.

***
ЮОН Константин Федорович
КУПОЛА И ЛАСТОЧКИ. 1922
Жизнерадостное и самобытное творчество Юона сложилось под воздействием
московской живописной школы и всецело посвящено России. Его работы вобрали в
себя лучшие черты русского искусства: любовь к окружающему миру, оптимизм,
эмоциональность и звучность колорита. Полотно «Купола и ласточки» – второй
вариант одноименной картины 1921 года, находящейся в Государственной
Третьяковской галерее. Сергиев Посад – сердце русского православия, город,
возникший вокруг монастыря, где подвизался святой Сергий Радонежский, город, всю
жизнь вдохновлявший Юона. И в 1921 году, когда закончилась изнурительная
Гражданская война и воскресла надежда на нормальную жизнь, художник воплотил
свои чаяния в пейзаже. Он писал его, поднявшись на колокольню Троице-Сергиева
монастыря, выше куполов древнего Успенского собора, и превратил натуру в
поэтический образ. Линия горизонта делит пейзаж пополам, уравновешивая землю и
небо. Взгляд зрителя движется, как бы повторяя траекторию полёта ласточек. В
русском искусстве, возможно, нет другого пейзажа, написанного со столь высокой
точки. Перед нами мир, увиденный сверху, открытый только птицам и Богу. В картине
сказалась глубокая вера художника в Россию, в её Воскресение, в незыблемость
православных устоев. Поэтому художник вновь вернулся к этому сюжету, полностью
повторив его. От первого варианта полотно Ярославского художественного музея
отличается только числом ласточек и их расположением в пространстве.

***
Вы находитесь в зале, представляющем работы советских художников, расцвет
творчества которых приходится на 30-40-е годы 20 века. Это полотна соцреалистов
Александра Герасимова, Петра Котова, Сергея Луппова, а также произведения
мастеров, имевших свою творческую позицию и невостребованных государством –
Михаила Соколова, Антонины Софроновой, Александра Морозова. Коллекция музея
сегодня позволяет представить более объективную картину искусства советского
периода первой половины столетия. Современному зрителю открываются
произведения художников с разными позициями и взглядами на искусство. Не
претендуя на всеобъемлющее отражение всех сторон и явлений искусства,
коллекция музея позволяет дать образ эпохи с позиции нашего времени, внести
коррективы и восстановить историческую справедливость.

***

ЛУППОВ Сергей Михайлович

ВОДНАЯ СТАНЦИЯ. 1930-е
Сергей Михайлович Луппов был известным живописцем, представителем
социалистического реализма. Он работал как пейзажист, портретист, писал картины
на темы советского быта, индустриальные темы, сюжеты из истории революции и
Гражданской войны. Темы произведений Луппова – созидательный труд, красота и
сила советского человека. Человеческое тело, в динамике и в спокойном состоянии,
привлекало художника на протяжении всего его творчества. Именно поэтому многие
свои работы мастер посвятил спорту и развивавшемуся в стране физкультурному
движению. Картина «Водная станция» была создана для клуба «Текстильщики»
города Ногинска Московской области. В 1970 году она была показана на
персональной выставке художника в Москве, а впоследствии по решению
Министерства культуры поступила в собрание Ярославского художественного музея.

***
ЛАБАС Александр Аркадьевич
В МЕТРО. 1935
ЛЕТЯТ. Из серии «Авиация» по эскизам 1928 года. 1979
«У Лабаса глаз чуток к необычному», - такое определение сути творчества художника
дал один из критиков. Не только увидеть необычное, новое, но и заставить зрителя
пережить его как чудо - именно это стремление привело молодого художника
Александра Лабаса в группу живописцев-новаторов, основавших в 1925 году
Общество художников-станковистов. «Станковисты» стремились заниматься
живописью, а не уходить в так называемое «производство вещей» (к чему призывали
конструктивисты). Эта живопись, отражая меняющуюся на глазах жизнь, должна
была решительно обновиться, найти новый, острый язык, соответствующий духу и
смыслу этих изменений. Движение, скорость... Как передать это впечатление в
неподвижной живописи? Как выразить ощущение полёта, высоты, зыбкой пустоты за
тонкими стенами кабины аэроплана? Лабас едва намечает эту повисшую в
бесконечности кабину, будто в разрезе, - с пассажирами, спокойно сидящими на
почти невидимой опоре; чуть угадываются и крылья, растаявшие в золотистом
мареве. Художник изображает не механику, но чудо полёта. Он пишет паровозы,
самолёты, дирижабли, бесконечно струящиеся вверх и вниз сквозь гигантскую трубу
полосы эскалаторов... - пренебрегая техническими подробностями, но ловя
ощущения новизны, подвижности, непривычных точек зрения на вещи – снизу вверх
или сверху, с высоты полёта. Живопись Лабаса легка, подвижна, обращена не к
предмету, а к чувствам. Конец 20-х - начало 30-х годов - взлёт творчества мастера,
когда это ощущение пестроты и стремительности жизни было для него наиболее
органичным.

***
Михаил Ксенофонтович Соколов – один из самых ярких русских художников
первой половины 20 века. Родившийся в Ярославле в семье ремесленника, он был
аристократом в искусстве. Мастер шёл к своему, «соколовскому» стилю по пути,
характерному для многих творцов начала 20 века: через импрессионизм, кубизм,
футуризм, супрематизм… Однако в истории искусства Соколов сохранился как
отдельная художественная «единица». Образы его романтических пейзажей,
причудливых голгоф, старомодных женщин в красивых шляпах живут в
произведениях живописи, графических листах, миниатюрах. «Одинокий мечтатель»,
он воспринимал мир через эстетические традиции, которые не вписывались в
идеалы государства его эпохи. Соколов всегда работал циклами, среди них
«Страсти», «Французская революция», «Музыканты», «Прекрасные дамы»,
«Уходящая Москва», серии натюрмортов. В «Натюрморте с кетой» 1934 года автор
не ставит себе задачу передать материальность. Подобно музыканту художник через
гамму розовых и серебристо-серых тонов стремится выразить, по выражению самого
мастера, «музыку цвета на холсте, пользуясь куском рыбы только как поводом».
Соколов следовал своим идеалам, в творчестве был непреклонным «эстетом и
аристократом». Бескомпромиссность в вопросах творчества, его позиция, не
укладывающаяся в рамки тоталитарной системы, предопределили его судьбу. В 1938
году Соколова арестовали по ложному доносу и приговорили к семи годам лагерей.
Пройдя «голгофский путь», художник смог выжить, сохранить себя духовно и
творчески. Наследие мастера вписано в контекст 20 века как альтернатива
официальной линии искусства, является достоянием крупнейших музеев нашей
страны и зарубежных коллекций, но большая его часть хранится в Ярославском
художественном музее.

***
ГЕРАСИМОВ Александр Михайлович
ПОРТРЕТ КОМБРИГА Тимофея Тимофеевича ШАПКИНА. 1935
На портрете изображён советский военачальник, участник Первой мировой,
Гражданской и Великой Отечественной войн. В 20-30-х годах Шапкин командовал
кавалерийской дивизией, 7-й отдельной Туркестанской бригадой, 20-й кавалерийской
дивизией. Портрет комбрига Шапкина является одним из этюдов к большому
групповому парадному портрету организаторов и командиров Первой Конной армии
из собрания Третьяковской галереи. Полотно создано самым именитым художником
сталинской эпохи Александром Герасимовым. Герасимов учился в Московском
училище живописи, ваяния и зодчества у Архипова, Коровина, Серова. У них он
заимствовал широкую этюдную манеру письма, экспрессивный мазок, сочный
колорит. Художник имел дар легко схватывать сходство, ощущал себя портретистом.
Постепенно у него стали преобладать изображения высокопоставленных людей.
Особую известность Герасимов получил как автор многочисленных изображений
вождей страны - Ленина и Сталина. Незаурядный талант, жизнерадостная, «сочная»
манера письма – всё это по мере продвижения художника по карьерной лестнице
обретало парадный лоск. К концу 30-х годов Герасимов достиг официального успеха,
стал лауреатом нескольких Сталинских премий. Он являлся председателем
правления Московского отделения Союза художников, затем председателем
оргкомитета Союза советских художников. Когда в 1947 году была создана Академия
художеств СССР, Александр Михайлович был назначен первым её президентом.

***
КОТОВ Пётр Иванович
ЭЛЕКТРОСВАРЩИЦЫ. СОРМОВО. 1937
Творчество Петра Ивановича Котова – мастера портрета, исторической и батальной
картины, автора широко известных индустриальных полотен. Не отступая от
идеологического контекста искусства своего времени, Петр Котов оставался
превосходным живописцем. В поисках тем для творчества художник совершал
длительные поездки на строительство крупных предприятий страны, общался с
рабочими. Картина «Электросварщицы. Сормово» была написана в городе Горьком в
рамках создания полотна «Красное Сормово» для выставки «Индустрия
социализма». Сбору материала для этого произведения художник посвятил два лета,
выезжая на горьковский завод «Красное Сормово» и создав целую серию работ,
посвящённых его труженикам. В своей картине художнику удалось выразить, в
соответствии с требованиями эпохи, вдохновенное отношение к труду молодых
строителей социализма. Впечатление свободы, широты сообщает картине залитый
солнцем речной пейзаж, который как бы раздвигает ее рамки.

***
САМОХВАЛОВ Александр Николаевич
ВСТРЕЧА ДРУЗЕЙ. 1945
Александр Самохвалов – художник широкого дарования. Его работы стали классикой
советского искусства. Темы и сюжеты его произведений созвучны эпохе, в которую он
жил. «Встреча друзей» - этюд, написанный Самохваловым сразу после окончания
Великой Отечественной войны к картине, которая не сохранилась. Сам автор ценил в
нём «правдивость и человечность», «цвет и ритмику». Цветосветовой фейерверк
передает не только радость встречи друзей, но и мироощущение, и эмоциональный
подъем людей, переживающих радость победы. Этот небольшой этюд
выразительнее многих монументальных полотен, посвящённых поколению
победителей.

***

ШИНДЫКОВ Александр Константинович

СУМЕРКИ. 1947
Живописец Александр Константинович Шиндыков окончил Ярославский
художественно-педагогический техникум, в 40-50-х годах занимал пост председателя
правления Ярославского Союза художников. Его произведения хранятся в собраниях
многих центральных и провинциальных музеев, частных коллекциях. Художник не раз
обращался к облику Ярославля. В пейзажах Шиндыкова органично соединяется
документальная точность с искренней поэтичностью и мироощущением жизни
послевоенной эпохи. На живописном полотне «Сумерки» предстаёт панорама
Волжской набережной с Семёновским спуском, Волга – с дебаркадером, катерами и
буксирами на глади воды. Сегодня на этом месте можно увидеть другую панораму -
новые здания речного вокзала, благоустроенную набережную. Так художник
сохранил память о послевоенном времени в пейзаже, где и сейчас виден узнаваемый
городской мотив.

***
Начиная с 70-х годов, наряду с работами официально признанных живописцев, в
собрание музея стали поступать произведения художников филоновской школы,
московского и петербурского поставангарда. Их творчество отличалось новизной
проблематики, стилевым многообразием и широким диапазоном творческих поисков.
Владимир Стожаров, Гелий Коржев, Евсей Моисеенко входят в ряд признанных
мастеров, классиков советского искусства данного периода. Имена других авторов, в
частности, Владимира Волкова, Игоря Купряшина, Олега Ланга широкому зрителю
известны мало, но их творчество не менее значимо в современном художественном
процессе.
КОНДРАТЬЕВ Павел Михайлович (1902-1985)
СЕСТРА МИЛОСЕРДИЯ. 1985
Павел Михайлович Кондратьев – художник, прошедший школу у трёх ярчайших
мастеров русского авангарда – Павла Филонова, Михаила Матюшина, Казимира
Малевича и достойно продолживший их традиции в своём творчестве. В 80-е годы
Ярославский художественный музей наряду с Государственным Русским музеем
получил часть его творческого наследия – более 350 произведений живописи и
графики. «Живопись, цвет – явление духовно-нравственное», - утверждал художник.
Средствами живописи мастер смог передать ощущение времени и свое понимание
истины, противопоставить катастрофам 20 века нравственные и духовные ценности –
милосердие, жертвенность, разум. Серия «Сестры милосердия» возникла как итог
всей жизни Кондратьева. Этот всеобъемлющий образ явился ёмким художественным
символом 20 века в России, её истории, культуры и стал завершающим взлётом в
творчестве мастера.

***
СТОЖАРОВ Владимир Фёдорович
БРАТИНА С КВАСОМ. 1964
Творчество московского художника Владимира Стожарова было посвящено одной
теме – России, российской деревне, родной земле. С 50-х годов художник много
ездил по стране, особенно по Русскому Северу. Из поездок по Ярославской,
Костромской, Владимирской, Псковской, Архангельской областям он привозил этюды,
которые воплощались в картины. Обладая недюжинным творческим темпераментом,
он создал свою, стожаровскую живопись – не подражание природе, а саму природу.
Язык его живописи сильный, простой и ясный. Его работы одновременно
материальны и поэтичны. Особое место занимает натюрморт. Стожаровские хлеба,
братины, самовары, крынки, кувшины с квасом, прялки хранят тепло человеческих
рук. В натюрморте «Братина с квасом» мир человека предстаёт в единстве
каждодневного и вечного, непреходящего. Художнику присуще глубокое, «почвенное»
ощущение народной жизни, её традиционного уклада. И крепкая живопись, её
плотная фактура, насыщенный колорит сродни умной добротности крестьянского
быта.

***
КАЛИНИН Виктор Григорьевич
СЕМЬЯ ВОИНОВ. 1982
Живописец и педагог Виктор Григорьевич Калинин принадлежит к поколению
художников, которые заявили о себе на рубеже 70-80-х годов. Его произведения уже
тогда отличала творческая зрелость. Живопись для художника - это способ выразить
свои размышления о мире, свою философию, которые, как и художественные
впечатления, закладываются с детства. Картина «Семья воинов» относится к
раннему периоду творчества художника и близка по духу, композиции и локальному
цвету произведениям древнерусской живописи. Военную тему мастер дает в
символическом воплощении: несколько поколений одной семьи предстают как
отражение всей истории 20 века, его войн и преодолений. Живопись Калинина
захватывает яркой пластической красотой. Мощная стихия цвета пронизывает
полотна, отражая тонкие градации чувств в диапазоне от напряженного синего до
нежного розового. Калинин хочет «слышать краски и видеть звук». Все творчество
художника направлено на разрешение вопроса - в чем ценность жизни? Он ищет
гармонии, ищет то начало, которое объединяет людей в их бытии.

***
ВЕЧТОМОВ Николай Евгеньевич
ПОЛЁТ КРАСНОЙ ПАРЫ. 1984
Биография художника-нонконформиста Николая Вечтомова тесно связана с Великой
Отечественной войной. После Сталинградского сражения он попал в окружение, был
взят в плен и бежал из немецкого лагеря. После окончания войны Николай
Евгеньевич окончил Московское художественное училище памяти 1905 года. В конце
50-х Вечтомов вошёл в Лианозовскую группу художников, встав у истоков
неофициального искусства. Его работы – это аллегорические композиции, основу
которых составляют условные формы и напряжённые, часто контрастные цветовые
сочетания. Художник говорил: «В основе того, что я изображаю, лежат реальные
впечатления и ощущения от реальности, окружающих предметов, живых существ,
обстоятельств. Но важно то, что я всегда ощущаю стремление приобщиться к тайнам
мира». Цвет у него всегда пронзителен и символичен. Знаменитые цветовые
контрасты Вечтомов принёс как военное воспоминание: эти вспышки взрывов –
следствие драматизма войны, жестокость которой непостижима для человеческой
психики. В ярких работах мастера одни увидят декоративный мистицизм, другие –
боль пройденного художником Сталинграда, Курской дуги, плена и партизанского
сопротивления.

***
СЕГАЛЬ Юлия Ароновна
ГОРОЖАНКА. 1987
Советский и израильский скульптор Юлия Сегаль с 1991 года живет и работает в
знаменитой деревне художников Санур в Израиле. Произведения мастера хранятся в
Русском музее, Государственной Третьяковской галерее, а также в частных
собраниях России, Германии и США. В 1998 году часть своих работ Юлия Ароновна
подарила Ярославскому художественному музею. В работе «Горожанка» скульптор
приближается к синтезу конструктивности и живых натурных впечатлений. Сегаль
свойственна тщательная композиционная продуманность, расчёт эффектов света и
тени, нервная и вместе с тем изящная лепка. Автор пластически очень точно
выражает дух своего времени. Многие её композиции безлюдны и включают
единственную, чаще всего вертикальную фигуру человека в пространстве.
Одиночество в городе – тема не новая в искусстве, но заслуга её разработки чаще
принадлежит литературе, театру и кинематографу, нежели скульптуре и живописи.
Сегаль нарушает эту традицию и, несмотря на строгость и лаконичность станковой
скульптуры, во всей полноте раскрывает мир своих молчаливых героев.

***
БУЛГАКОВА Ольга Васильевна
ПЛЯШУЩИЕ. 1977
Ольга Васильевна Булгакова принадлежит к поколению талантливых московских
художников, вступивших в художественную жизнь в 70-е годы. Ориентация на
высокий профессионализм, диалог с культурой прошлого сразу выдвинули Булгакову
в ряд значимых художников конца 20 века. Смысл её произведений всегда скрыт за
сложным языком символов и метафор, театральных масок и превращений. «Театр –
действо. И картина, мне кажется, тоже действо, - признаётся художник. «Пляшущие»
- это небольшая работа с тонкой живописной моделировкой каждого миллиметра
холста. На тёмном мерцающем фоне несколько фигур в гротесковых позах танца.
Время, пространство, цвет, форма в картине условны. Авторская режиссура
превращает разворачивающийся на полотне карнавал в интеллектуальную игру.

***
МУХИН Николай Александрович
АВТОПОРТРЕТ. 1989
Николай Мухин – наш современник, живущий в Ярославле и работающий как
живописец, монументалист, скульптор. В его творчестве синтезируются традиции
древнерусской живописи и новации искусства 20 века. Художник представлен в
коллекции Ярославского художественного музея рядом работ, созданных в разные
периоды творчества. Большинство из них автобиографичны. Вместе с тем Мухин
всегда привносит вневременной аспект в трактовку образов и сюжет. Связь с
традициями русской иконописи чувствуется в «Автопортрете» 1989 года. Одинокая
фигура художника выделяется на фоне темной пещеры. Композиция напоминает
иконы с изображением истории Ильи-пророка в пустыне. Дабы наказать народ
израильский за идолопоклонничество, пророк навлёк на землю засуху. Сам удалился
в пустыню, в пещеру, где благодаря Божьей помощи смог пережить голод и жажду.
Бог, по преданию, приказал ворону умерить свой хищный нрав и приносить Илье
пищу каждый день. Сохраняя композиционную схему, в которой птица показана
устремляющейся к ногам пророка, художник вместо чёрного ворона изображает
белую птицу, возможно, голубя. Художник изображает себя готовым к началу
творчества, он держит палитру со свежими красками. Мухин значительно отступает
от традиционной иконографии. Живописная поверхность картины, испещренная
царапинами и кракелюрами, напоминает иконы. Царапины подобны ранам, а тело
художника уподобляется телу святого или мученика, подвергнутого испытаниям за
свою веру и искусство.

***
Ярославец Александр Константинович Петров – всемирно известный режиссёр,
художник, аниматор, лауреат двух Государственных премий, академик анимации,
обладатель премии американской киноакадемии «Оскар» и многих других
престижных наград. Каждый из анимационных фильмов Петрова – уникальное
произведение, где живопись является основным выразительным средством.
Александр Петров – современный художник, соединивший в своем творчестве
традиции и новации, блестящий мастер рисунка и живописец, опирающийся на
эстетику русской культуры конца 19 – начала 20 века. Уникальность Петрова в том,
что он вывел реалистическую живопись на широкий экран. В своей работе художник
использует масляные краски, пропускающие свет, и пишет ими на стекле кончиками
пальцев, что придаёт живописи этюдную лёгкость, создаёт внутреннее движение и в
самих живописных работах, и в кадре. Каждый кадр – это отдельная картина,
существующая лишь мгновение: снятая на камеру, она полностью или частично
стирается, а на её месте Петров создаёт новую. Его выпускной работой на Высших
режиссёрских курсах была картина по мотивам рассказа Андрея Платонова
«Корова». Затем - «Сон смешного человека» по Достоевскому, «Русалка». В 1996-
1999 годах Петров жил и работал в Монреале, где снимал картину «Старик и море»,
за которую и был удостоен премии «Оскар». Сегодня, представляя своё искусство в
России и за рубежом, Петров живёт и работает в Ярославле. Именно здесь
Александром Константиновичем был создан фильм «Моя любовь» по роману Ивана
Шмелёва, здесь работает «Мастерская Александра Петрова». Дебютом учеников
аниматора стал фильм «Ещё раз!», отмеченный кинопремией «Ника» и другими
призами. Ярославский художественный – первый музей, выставивший живопись и
графику Александра Петрова, первый музей-хранитель его произведений. Первый из
музеев, включивший работы художника, аниматора в состав постоянной экспозиции,
где Вы можете не только видеть работы мастера, но и посмотреть фильмы, мастер-
класс художника, а также документальные ленты о его творчестве.