Как изменилось отношение к форме в живописи начала 20-го века по

сравнению с 19-м?

Теоретики пришли к выводу, что искусство исторически развивалось не

только как эстетическое явление, и не только ради его художественной
ценности. Наряду с художественным содержанием, в нём присутствуют и
другие смысловые моменты, не имеющие прямого отношения к
художественности. Это религиозное, политическое, социально-критическое
содержание.
Как нам хорошо известно, искусство неотделимо от исторического
фона, в котором оно создаётся, а также от заказчика на это искусство. Так
можно вспомнить приход динамичного, пластичного, эмоционального
эллинизма на смену гармоничному, духовно возвышенному,
идеализированному древнегреческому искусству. Эта смена была
обусловлена завоеваниями Александра Македонского, повлекшими
разрушение греческих мирных полисов, и, как следствие порабощение, боль,
страдания, отразившиеся в форме произведений искусства. Или же
реформация церкви Мартина Лютера Кинга, вместе с появлением
книгопечатного станка, послужившая началом Северного Возрождения.
Что же повлияло на столь стремительное изменение в форме искусства
20-го века по сравнению с 19-м? Если говорить о художественной среде, то
это, конечно, протест засилию академического искусства. В Европе
импрессионисты создают свой Салон отверженных, а в России Бунт 14-ти
положил начало передвижничеству. Интересное совпадение, в том, что оба
этих знаковых события произошли в 1863 году. Стремительный технический
прогресс, механизация, развитие фотографии, а также 1-я Мировая война,
Революция в Росси 1917 года – те исторические реалии, в которых родились
художественнее направления, характерные для начала 20-го века: модерн,
дадаизм, перформанс, кубизм, футуризм, фовизм, абстракционизм,
супрематизм, сюрреализм и многие другие.
Вспомним, от каких течений так неистово отрекались художники 20-го
века. Это популярные в 19-м веке салонная, классическая живопись, также
романтизм, реализм и даже импрессионизм.
Генрих Семирадский Танец среди мечей 1881 г Государственная Третьяковская галерея, Москва

Клод Моне Женщина читает 1872 г. Художественный музей Уолтерса, Балтимор

Каспар Давид Фридрих Двое мужчин созерцая Луну 1830 г. Галерея новых мастеров, Метрополитен-музей

Оноре Домье Вагон третьего класса 1864 г. Художественный музей Уолтерса

В Великолепном академическом произведении Генриха Семирадского

всё прекрасно: обнажённая танцовщица, играющие на музыкальных
инструментах девушки, наблюдающие за танцем мужчины в расслабленных
позах и умиротворением на лицах. На фоне южный пейзаж, полный солнца и
зноя, изумрудная вода и скалистые холмы, покрытые дымкой. Мягкая
цветовая гамма, гладкий, невидимый, лессировочный, без экспрессии мазок
кисти, абсолютная гармония в композиции, нет никакой идеи, кроме услады
глаз зрителя.
В свою очередь, импрессионисты, воссоздавая пресловутую свето-
воздушную среду, отказываются от чётких контуров предметов и даже от
рисунка, как такового. Движение воздуха, мимолётность мгновения
передаётся через множество пастозных, несмешанных мазков. Можно
сказать, что импрессионисты победили в борьбе с академизмом за выбор
сюжетов своих произведений. Но их живопись, за редким исключением,
например в работах Эдуарда Мане в его “Завтраке на траве” или “Олимпии”,
ничего не изобличает и всё также остаётся лишь радостным впечатлением в
наших глазах от “неуловимого, мимолётного момента в движении”.
Романтизм на заре своего возникновения противопоставляет власти
свободу, а разуму вдохновение. Герои картин – страдающие души
художников, мечущиеся в поисках идеала на фоне лунных пейзажей.
Реализм же отвергает идеализацию и стремится к точному,
бескомпромиссному, часто гротескному, критическому отображению
социальной действительности.
Как мы видим, до начала 20-го века живопись имеет исключительно
фигуративную основу, её целью служит отражение реальных предметов
действительности через призму восприятия художника.
Предвестником радикальных изменений в отношении к форме в
искусстве явился дадаизм. Причиной возникновения направления послужила
реакция интеллигентной, образованной, прогрессивной европейской
молодёжи, находящейся в эмиграции, на ужасающе-кровопролитную и
бессмысленную 1-ю мировую войну. Провозглашение дадаистов звучит
крайне нигилистически:
«Дадаисты не представляют собой ничего, ничего, ничего,
несомненно, они не достигнут ничего, ничего, ничего».

Марсель Дюшан “Фонтан”, 1917 г. Современная галерея Тейт, Лондон

Жан Арп “Без названия”, 1917 г.

Макс Эрнст “Лоплоп и молодая девушка”, 1930 г. Центр Помпиду

 Курт Швиттерс “Мерзбилд 1А. Психиатр”, 1919 г.

Макс Эрнст “Без названия”, 1917 г.

Произведения и картины художников, работающих в стиле дадаизма,

демонстрировали спонтанность, иррациональность, абсурд и парадокс,
предоставляя зрителю свободу интерпретации увиденного. Художники
использовали коллаж, а также изобрели ряд новаторских техник, в том числе
редимейд – использование уже существующих предметов или их сочетание,
которые наделялись новыми смыслами. Например, одна из версий
смыслового значения писсуара Марселя Дюшана – это аллегория с
фонтанами, славившими Европу. А надпись “Дурак” обличает современную
политику в механическом истреблении целого поколения, к которому
принадлежали дадаисты.
Своим хулиганским, на первый взгляд, искусством и эпатажными
перформансами в цюрихском “Кабаре Вольтер”, дадаисты открыли двери
таким направлениям в искусстве, как сюрреализм, экспрессионизм,
постмодернизм, концептуализм.
Эпиграфом к новому искусству я бы взяла слова известного
авангардиста и основоположника супрематизма Казимира Малевича:
“Вещи исчезли как дым для новой культуры искусства, и искусство
идет к самоцели — творчества, к господству над формами натуры.”
Казимир Малевич “Черный супрематический квадрат”,1913- 1915 г.г. Третьяковская галерея, Москва.

Апогеем беспредметности в искусстве и отправной точкой развития

супрематизма по праву считают чёрный квадрат Казимира Малевича.
Произведение несёт скорее концептуальную ценность, нежели
изобразительную. Чёрный квадрат как будто вбирает в себя все ранее
созданное в искусстве и обнуляет его. Белое и черное, как единица и ноль:
ноль означает ничто, но вместе с единицей, превращается в бесконечность.

Казимир Малевич “Супрематическая композиция”, 1915 г. Городской музей, Амстердам

Иван Клюн “Без Названия” 1917 г.

Александра Экстер “Синий, черный, красный”, 1917 г.

 Супрематизм понимался Малевичем как высшая форма искусства,
сущность которого — беспредметность, осмысленная через ощущения.
Концепция новаторского направления заключалась в отказе художников от
рационального, разумного восприятия мира. Идея основывалась на том, что
внешняя оболочка предмета — это скорлупа, скрывающая его суть, а цель
художника — увидеть эту суть и донести ее до зрителя. Прежний подход к
живописи объявлялся устаревшим, а картины с материальными образами —
не соответствующими требованиям современности. Предметное искусство
вторично, поскольку содержит лишь образы ощущений, тогда как
супрематизм передает сами ощущения в их чистом виде. Супрематисты
стремились передать окружающую действительность с помощью цвета и
геометрических форм: прямой линии, квадрата, круга и прямоугольника. В
сочетании эти фигуры придавали работам асимметричность.
Ещё один знаковый художник в направлении абстракционизма
Василий Кандинский сопоставлял живопись с самым абстрактным из
искусств – музыкой. “Настройте свои уши на музыку, раскройте глаза для
живописи и… перестаньте думать!”, призывал он.

Василий Кандинский “Первая абстрактная акварель” 1910 г. Центр Помпиду

Василий Кандинский “Этюд для "Композиции VII", 1913 г.

Василий Кандинский “Композиция”, 1913 г., Государственный Эрмитаж

Василий Кандинский “Фуга”, 1914 г, Музей фонда Бейелер, г.Риен, Швейцария

 Толчком к появлению его первых образцов абстрактной живописи
стали именно музыкальные произведения. Художник пытался достичь
эффекта, который производила на слушателя музыка. Не имея физической
или какой-либо другой осязаемой формы, то есть будучи понятием по сути
абстрактным, звуки музыки, тем не менее, могут заставить человека ощутить
вполне реальные эмоции: плакать от радости или грусти, поднимать
настроение или воодушевлять. Хотя художник и описал в нескольких своих
теоретических трактатах воздействие определённых цветов и форм на
эмоциональное восприятие человека, но все же, на мой взгляд, его
произведения далеки от концептуальных, как у К. Малевича.
Напоследок, хочется рассмотреть изменения формы в живописи на
примерах изображения обнажённой натуры.

Жан Огюст Доминик Энгр “Большая одалиска”, 1814 г., Лувр, Париж.

Эдуард Мане “Олимпия”, 1863 г., Музей Орсе, Париж

 Анри Матисс “Розовая Обнажённая”, 1935 г., Балтиморский художественный музей

Перед нами знаковые произведения известных мастеров, характерных

для своего времени: начала и второй половины 19-го века, а также первой
половины 20-го века. Работы написаны в стиле неоклассицизма, реализма и
фовизма соответственно.
Изображение прекрасной одалиски Ж.О. Энгра пронизано негой,
эротизмом, интимностью, роскошью и гармонией (хотя художник и нарушил
каноны анатомии, удлинив корпус и руку девы). Светотень, с помощью
которых виртуозно переданы объёмность тела, фактура тканей, выверенная
перспектива – всё восхищает и не позволяет отвести взгляд от картины.
Во второй половине 19-го столетия на Олимп восходит реализм с его
социально-критической составляющей во главе. Героиня отнюдь не обладает
идеальными формами и цветом кожи, это реальная, никак не
приукрашенная, живая женщина. Художник ещё не уходит от полного
игнорирования объёмности изображения, но уже придаёт ей гораздо
меньшее значение. В работе Эдуарда Мане в первую очередь привлекает
непристойный взгляд девушки, как вызов лицемерию ханжескому обществу,
делающему вид, что продажная любовь не стала нормой современности. То
есть очевиден приоритет в психологической составляющей по сравнению с
эстетической.
Розовая же обнажённая Анри Матисса – это ода женскому телу, в
традициях живописи фовизма. Эта розовая богиня занимает всё
пространства холста и даже пытается выбраться за его пределы.
Изображение абсолютно плоскостное, цвета яркие, локальные простые,
отсутствует как воздушная, так и линейная перспектива, линии чёткие,
контурные. При чём решётчатая поверхность, на которой расположена
фигура ещё больше подчёркивает плавность форм тела. Именно через цвет
фовисты выражают внутреннюю суть вещей и явлений. Цвет исходит от
чувства художника более непосредственно, чем форма, поэтому и на зрителя
воздействует скорее подсознательно, минуя логику и рациональность.
В заключении скажу, что история Европы начала прошлого столетия
была крайне насыщена трагическими и переломными событиями.
Изменчивость стала нормой жизни, благодаря чему чувство неуверенности и
неопределенности прочно вошло в сознание людей. Помимо этого,
популярные учения Фридриха Ницше, ставящие во главу угла
индивидуальность, а не общепринятое понятие норм. А также Зигмунд
Фрейд своими исследованиями совершенно изменивший отношение
общества к человеческим поступкам и мотивам. Все эти факторы безусловно
изменили отношение к художественным формам в искусстве. Заказчиком на
искусство больше не является ни церковь, ни монаршая семья. Кто же та
новая власть, заказывающая музыку на празднике? Василий Кандинский
сказал:
Когда потрясены религия, наука и нравственность (последняя
сильной рукой Ницше) и внешние устои угрожают падением, человек
обращает свой взор от внешнего внутрь самого себя.
На мой взгляд, искусство 20-го века отличается крайней
эгоцентричностью. Каждый художник стремится показать миру своё
внутренне, неповторимое “Я”, и этому больше не мешают ни условности, ни
каноны. Возможно, этот факт и дал возможность рождения столь
множественных –измов в искусстве первой половины 20-го века.
Изменилось также отношение к вещам. Они стали производится в
массовом порядке, утратив свою индивидуальную неповторимость. Под
внешностью вещей больше не надо ничего искать, кроме голой
утилитарности. Но даже данному факту художник придаёт созидательность.
В искусстве появляются такие направления, как редимейд и поп-арт.
Видимо, суть искусства всегда состоит в том, чтобы превращать нечто
во что-то иное, как в материальном, так и в интеллектуальном и духовном
смысле.
В.В. Бычков “Форма-содержание в искусстве как основа художественности”

Казимир Малевич "От кубизма и футуризма к супрематизму".

Майкл Бёрд “100 идей, изменивших искусство”

Л.Н. Миронова “Цвет в изобразительном искусстве”

Дада. Сюрреализм в живописи, кино и фотографии. Алексей Шадрин - YouTube