ИСКУССТВО:

В конце 19 и в начале 20 века в културе происходит то же самое что и в литературе.

В конце 19 века все было частное.
Существовали меценаты: Савва Мамонтов, Третьяков, Сергей Щукин. Самый
известный меценат был Савва Мамонтов. Он жил в Абрамцево, область которая
находится недалеко от Москвы. До Мамонтова там были братья Аксаковы. В период с
1870-1890 годов Абрамцево было центром художественной жизни России.Там часто
бывали и работали русские художники: Репин, Васнецов, Серов, Врубель, Левитан и
музыканты - Шаляпин. Существовала и платформа для экспериментов театра,
Станиславский ставил спектакли.
Для творчества художников и музыкантов того времени характерен повышенный
интерес к народной культуре Древней Руси.
Мамонтовский кружок существует с 1872 года.
Академия художников играла болшую роль в русском искусстве. Она была открыта в
Петербурге в 1757 году и с еѐ деятельностью связано творчество большинства
художников. В 60-е годы 19 века происходят перемены. В 1863 году группа 14 самых
талантливых художников во главе с Крамским покинули Академию в знак протеста
против академических догм. Это событие назявается „Бунт 14“. Они отказались
написать работу на мифологическую тему и так начали борьбу с официальным
искусством. Они образовали „Артель художников“, снимали общую квартиру,
работали в основном в области бытового жанра. Эта артель, как и многие другие
подобные объединения, возникла под влиянием Чернышевского и его романа „Что
делать?“ Передвижники не хотели подражать антике, а вести просветительскую
деятельность, хотели просвящать широкие народные массы. Для них важнее идейное
содержание картины, чем декоративность. Они делали пейзажи, потреты,
историческую живопись, бытовой жанр. Выступали за свободу творчества, хотели
чтобы искусство перестало быть секретом.
В 1871 году формировалось „Товарищество передвижных выставок“ под
руководством Крамского. Занимались современной тематикой, главная – социальная.
Они заговаривали о необходимости распространения искусства. Их последняя
выставка была в 1924 году.
• пейзаж: Саврасов, Шишкин
• портрет: Перов, Крамский, Репин
• бытовой жанр: Серов
• исторические темы: Репин, Суриков
Академизм – направление основанное на догматическом следовании внешним формам
классического искусства.Для академизма характерны возвышеная тематика, сюжеты
делекие от реальности, что подчѐркивалось условностю рисунка и колорита,
театральностью композиций, жестов и поз.
„Мир искусства“ – журнал, который издаѐтся с 1899 года на средства княгини
Тенишевской. Журнал существует до 1905 года. Вышло 12 номеров. Журнал знакомил
читателей с искусством 17 и 18 веков. Он пропагировал художников, но и поэтов
символизма и серебрянного века. Издателем был Дягилев, а редактором Александр
Бенуа.
„Мир искусства“ – объединение возникшее в конце 90-х годов в Петербурге.
Художники „Мира искусства“ отвергнули саллоность академизма и тенденциозность
передвижничества. Их интересует 18 век, как европейский, так и русский. Также,
открыли русскому обществу красоту древнерусской живописи, иконы. Они были за
независимость искусства. В их среде процветал культ Петра I, как основоположника
русской европеизированной культуры, культ Петербурга, как средоточия этой
культуры и культ Пушкина, как найболее полного выразителя „петербургского
периода“ русской истории.
Это объединение сыграло большую просветительскую роль – познакомило людей с
искусством 18 и начала 19 веков.
Сергей Дягилев был и театральным и художественным предпринимателем. С его
именем связаны выставки, балеты, и благодаря ему мы познакомились с иконами.
Устраивая выставки русских художников на западе познакомил их с русским
искусством. Себя посвятил культуре и после закрытия журнала начинает собственную
пропаганду русской культуры.
С 1897–1899 г были 3 выставки, чтобы русские художники познакомились с
иностранными художниками:
• в 1898 году была выставка русских и финских художников.
• в 1899 г организована большая международная художественная
выставка.
В 1905 году в Питере была организована выставка русских портретов. Быо показано
4000 портретов в Таврическом дворце.
И Европу надо было познакомить с русским искусством.
В 1906 году Дягилев организовал выставку ''Два века русской живописи и культуры'' в
Париже. Были показаны картины Кузнецова, Малявина, Репина, Серова, Бенуа.
Отдельые залы были посвящены Сомову и Врубелю. Также были показаня иконы.
Это был раздел древнерусского исусства под названием „Русские примитивы“,
который открыл западу русскую икону.
В 1907 году в Питере организована выставка английских и немецких акварелистов,
выставка скандинавского искусства.
В том же году в Париже проводятся русские исторические концерты. Выступали
Глазунов, Рахманинов, Шаляпин и так парижане познакомились с русской музыкой
от Глинки до Скрябина.
Благодаря Дягилеву Европа узнала и о русской опере. В 1908 Дягилев вывез русскую
оперу по всей Европе и в Париж. Исполнялись сцены на оперы:
• Снегурочка
• Садко - Корсаков
• Сказка о царе Солтане - Корсаков
• Ночь перед Рождеством
• Руслан и Людмила - Глинка
• Борис Годунов (Шаляпин исполнял роль Годунова).
Он ставил русский балет в Париже с 1909 года. Это были „Русские сезоны“. Они
существовали до 1914 года. В 1911 году Дягилев сформировал свою труппу под
названием „Русский балет Сергея Дягилева“. Начинается война и труппа уезжает в
США. Потом Дягилев собирает новую труппу, которая сущестует с 1924-1929 года.
Балеты поставлены в Париже:
• „Павильон Армиды“ Черепнина
• „Клеопатра“ Аренского
• „Половецкие пляски“, „К князью Игорю“ Бородина (весѐлое
варварство, первая попытка синестезии)
 • „Шехерезада“ Корсакова
• „Жар-птица“,“Петрушка“, „Весна священная“ Стравинского (его
открыл Дягилев)
•
Они придумали новую танцовщицу Иру Рубинштейн в 1908 году. Ее портерт написал
Серов. Она была непрофессиональная танцовщица. У нее была интересная линия тела.
Была худая, высокого роста. Ее образ понадобился для образа Клеопатры. Это вызвало
скандал в балетной среде. Она порочная красота, это создало женщину вамп.
Балетмейстеры: Михаил Фокин (хореографии)
Вяцлав Нижинский
Анна Павлова
Одним из главных композиторов Дягилева был Стравинский. Дягилев заметил
Стравинского в 1908 году. Он сразу понял, что это человек который ему нужен.
Стравинский написал музыку для „Жар-птицы“ и таким образом начинает их
сотрудничество.
Балет ''Весна священная'' вызвала страшные споры среди публики. Стравинский
пытался новыми авангардными звуками изобразить язический мир древней России.
Парижская публика не была готова к таким звукам, она негодовала, топала ногалми,
кричала. Первое название было ''Великая жертва: картины язической России''.
Пытались изобразить обычаи древних примитивных людей, которые привествуют
весну. Приносят жертву Ярилу – богу солнца. Музыика была неожиданной на
хореографию Нижинского. Все это привело в ужас. 29 мая 1913 года, премьера
состоялось в театре Елисейских Полей. Выступали пластика и новый вид красоты.
Дягилев похоронен в Венеции, рядом с Стравинским.
Он сотрудничил и с Пабло Пикассо, Анри Матисс, Коко Шанэль, Клод Дебюсси.

После „Мира искусства“ крупнейшим выставочным объединением являлся „Союз

русских художников“. Союз был учреждѐн в 1903 году в Москве. Они не
противопоствляли себя передвнижникам. Представителем Союза явлаяется Грабарь.
Участниками первых выставок были Врубель и Борисов-Мусатов.
Врубель (1856-1910) – Он вдохновлен Лермонтовым, его Демоном, который
одновременно соединял мужской и женский облик, в то время как Тамара
изображалась по разному. Его интересует отношение земного и небесного, в этом был
выбор Тамары. Первое полотно –„Демон сидящий“. Тема лермонтовского Демона
переплеталась с темой пушконского Пророка, по мотивам которого Врубель написал
картину „Пророк“. „Демон поверженный“ – 1902 год. Врубель видит героическую
личность, отвергнутого пророка, трагически ощущающего одиночество – картина
„Демон“.
Виктор Борисов-Мусатов (1870-1905) – картина „Призраки“ (1903), не важен сюжет,
атмосфера зачарованности, состояния между миром нашим и потусторонным.
Картины носят названия как музыкальные произведения: ''Осенный мотив'',
''Гармония''. Он пытается изобразить скорбь, тоску, отчаяние – картина „Гобелен“. Его
творчество передаѐт абстрактное через конкретное. Он представил мир призраков, мир
далек от реальности, мир душевных переживании. Основная техника которую
пользует Мусатов это пастель и темпера. Использует гвашь - добавка белого. Не
можно точно определить где что происходит, где передний, задний план. Впечатление
дает фактура холста. Замечаем наслоение краски, переплетение ниты. Эти
произведения похожие на ковер. Персонажи из мира не живых: умершие, появляется
ощущение что время остановилось.
С 1907 года одним из крупнейших художественных объедининий явилась „Голубая
роза“ –союз московских художников.Название объединению по одноимѐнной
выставке, организованной на средства Рябушинского в марте, в доме Павла
Кузнецова.
Такое название объединению дал Брюсов, итог десятилетнего творчества художников
Кузнецова (ученик Борисова-Мусатова), Анатолия Арапова, Николая Сапунова,
Сергея Судейкина. До „Голубой розы“ эти художники составляли часть саратовской
группы, которая называлась ''Аллые розы''.
Это было объединение 16 молодых выпускников и студентов Московского училища
живописи, ваяния и зодчества. Для них характерно стремление возвратитсься к
изначальной простоте ощущений реальности, дать живописи конструктивную основу.
Художники стремились к символизму на классической основе.
На выставке были представлены и произведения мастеров старших поколений
Врубеля и Борисова-Мусатова, которы они считали своими предшественниками. На
выставнке звучали стихи Брюсова, музыка Скрябина, Черепнина. В журнале „Весы“
их критиковали за то, что они далеки от мира реальности. Грабарь (критик и
художник) критиковал их за то, что они призвали все, кто смотрел выставку уйти в
потусторонный мир, а он говорил что надо возвращаться обратно в мир реальности.
На эту критику отвечает Василий Дмитриевич Милиоти (художник) в журнале
''Золотое руно''. Милиоти говорит, что эта выставка важный этап в развитии русского
искусства. Малеевич считал, что это было самое лучшее, что можно было увидеть.В
журнале ЗР были представлены их картины.
На рубеже 1910-1911 годов появилось ещѐ одно художественное объединение -
„Бубновый валет“. Члены: Кончаловский, Куприн, Николай Кульбин, Ларионов,
Гончарова, Бурлюк, Лентулов, Малевич, Илья Машков, Роберт Фальк, Василий
Рожденственский. Главные жанры: натюрморт, пейзаж, портрет. Это объединение
проповедало конструктивную живопись. Художники этого направления возвращали
предмету массу, стремились к синтезу цвета и формы. Отсюда большой интерес к
нарюрморту. Для художников Бубнового валета характерны устойчивость зрительного
образа, полнозвучность цвета, конструктивная логика построения картины.
Художники искали вдохновения в лубке, фольклоре, т. е. в русском народном
искусстве.
Организаторима и участниками „Бубнового валета“ были также Ларионов и
Гончарова, но скоро они порвали с этим объединением организуя выставки под
названием „Ослинный хвост“ и „Мишень“ (1913, Москва). Эти художники являются
представителями русского примитивизма. Они буквально восприняли традиции
лубка, детского рисунка, отбрасывая ненужные детали, подчѐркивали главное. Они
использовали чистые цвета и орнаментальные элементы.
Михаил Ларионов – являается основателем нескольких направлений. Он создал
лучизм – стремление изобразить не предмет, а его отражение в лучах, т. е. художник
на полотне изображает не предмет, а только падаѐщие на него лучи. Лучи
изображаются цветными линиями на плоскости. Лучизм представляет выход за грань
беспредметного мира. Первое произведение лучизма: - „Лучистские колбаса и
скумбрия“. Он тоже написал брошюру „Лучизм“ и статю „Лучистская живопись“.
В 1910-е годы берѐт начало и русский абстракционизм, лидерами и теоретиками
которого становятся Малевич и Кандинский.
Все вышеназванные течения и художники объединяются понятием „русский
авангард“, хроника которого начинается ц 1907 года, с посмертной выставки
Борисова-Мусатова и объединением „Голубая роза“. Самые известные мастера:
Кандинский, Малевич, Филонов, Ларионов.
Абстракционизм – освобождает картину от предметности. Художники этого
направления работали в основном с цветом, создавая абстрактные формы. Его суть в
гармонии цвета и формы.
В 1910 годы главный теоретик и основоположник этого направления Кандинский
создаѐт своѐ первое абстрактное полотно (он их называл композициями).
Кандинский вдохновлен экспрессионизмом разрабатывает абстрактивизм. Своѐ
понимание такой живописи он изложил в работе „О духовности в искусстве“ 1911
года. Он стремился найти новые формы, которые являются „вечными и чистыми“ и
выявить „чистый язык“ живописи. Он не хотел полностью изгнать предмет из
живописи, потому что это привело бы к оскуднению еѐ выразительных средств.
ЖИВОПИСЬ:
Василий Кандинский (1866 – 1944) – русский живописец, график и теоретик
изобразительного искусства. Василий родился в Москве, но в Одессе учился в
гимназии. После посещения выставки Клода Моне (картина „Стог сена“) в Москве, в
1985 году, и под влиянием музыки Вагнера, покидает Юридический факультет,
начинает заниматся искусством и переезжает в Мюнхен (1986).
В Мюнхене он поступил в частную школу Антона Ашбе. Потом поступает в
мюнхенскую академию в 1900 году и там обучался у Франца фон Штука.
Он основал художественно-творческое общество „Фаланга“ в 1901 году, и при нѐм
школу, где и преподавал. Это общество организовало 12 выставок за 4 года. Также он
публикует свои художественно-критические „Письма из Мюнхена“ в МИ и сообщает о
новых выставках в Париже и Мюнхене и о новинах в культуре.
С 1904-1910 он организует выставки в Париже.
В 1910 году он создаѐт первые абсрактные картины.
В 1911 году происходить встреча с Францом Марком и Августом Маке и
композитором Шембергом. Кандинский вместе с Марком и Маке огранизуют группу и
альманах „Синий всадник“ в том же году. Это была группа представителей
экспрессионизма. Они хотели освободитя от окаменелой традиции академической
живописи. В некоторых выставках участвовали Гончарова и Малевич.
В 1911 году пишет критики и решает организовать свою выставку. Она организована
год спустя.
Первая его персональная выставка была в Берлине в 1912 году.
В 1914 году, перед началом Первой мировой войны он переезжает из Германии в
Москву. С 1914-1921 он живѐт в России, был членом ИЗО Наркомпросса. После этого
живѐт в Германии, а потом до конца жизни во Франции. В Германии онсоздал
композиции на стекле „Амазонка“ в 1918, и „Амазонка в горах“ 1919.
На него повлияли русские и немецкие художники ориентации. Он был философом и
иследователем живописи. На него влияли и философы Шелинг и Фихте.
Участвовал в „Осеннем салоне“ и „Салоне независимых“. Это были самые важные
выставки. Он сближается с футуристами и неопримитивистами.
В 1924 году участвует в выставке „Четверо синих“. Эта выставка принесла ему
мировую славу.
Написал цикл стихов „Стихи без слов“ (1903-1904), идея синестезии - через музыку и
слово выражать живопись. На него повлиял Верлен и его „Романс без слов“. Эта идея
о стихах связана с идеей синтестезии.
Его 4 рассказа напечатанные в сборнике „Пощѐчина общественноу вкусу“ (1912) без
его разрешения.
В 1912 году выходит его книга „О духовном искусстве“ и опубликовал статью „Куда
идѐт новое искусство?“ „Об духовном в творчестве“ – книга, которая сыграла
большую роль в творчестве Кандинского. Он призывает к освобождению человека. Во
первых она представляет разрушение вего материального (XIX) , а во вторых
построение духовной жизни (XX век). Мы должны стремиться к освобождению,
потому что только на освобождѐнном месте может что-то вырости.
В его творчестве заментны и апокалиптические мотивы.
o o
В 1913 году создаѐт композиции N 5, N6 и No7.
Был теоретиком искусства, писал статьи – „Искусство беспредметного“, „Статья о
художнике“.
Он художник беспредметного. Пишет автобиографскую книгу „Ступени“.
Его главная книга – „Точка и линия плоскости“ (из точки и линии возникает
живопись) написана в 1926 году. О точке говорил, что она сама по себе ничего не
обознаачает, на чистом листе бумаги она гражданин, читатель становится зрителем,
точка вне контекста. А о линии сказал, что может стать и пятном или даже разными
формами, когда из точек делаем штрих – тире, говорит о настроениях.
Для него важно стремление к неоромантизму. Его картины переходят в
импресионистское. Художники ''Синего всадника'' были ориентриованы на
примитивизм: изображают животных, мир первоначального земного шара
Кандинский в символизме видит возрождение романтизма, неоромантизма. Его
модернизм перерастал в экспресионизм, потому что он тяготел к беспредметности. Он
пользуется кричайщими цветами – зелѐный, красный, жѐлтый. Его картины поделены
на импресии (впервое впечатление, интуитивное начало), композиции (проявление
творческого движения, как молитва; найболее сложный этап), импровизации (более
активное участие фантазии).
В 1920 году сделал доклад „Об основных элементов живописи“. Основные элементи –
объѐм и цвет.
• Линия выражает: общий характер (радость, ясность, тоска)
движение (может представить быстроту)
направление (вверх, вниз)
• Плоскость: геометрическая плоскость
плоскость, которая формируется от сдвига геом. плоск.
свободная плоскость (утрачена связь с геом. формами)
• Цвет: отвлечѐнный
как в природе
цвет в распоряжении живописца
Его картины:
• „Лунная ночь“ - 1907
• „Гуслярь“ – 1907
• „Мурнау“ – 1908
• „Импровизация“ – 1909
Марк Шагал (1887 – 1985) – один из самых известных представителей авангарда 20
века. Он занимался живописью, графикой, был сценографом, писал стихи на идише.
Его стиль уникалный, он был под влиянием экспрессионизма, кубизма, примитивизма.
Он был русский и французский художник, родился в еврейской семье. Для евреев
нельзя изображать живое (в синагогах нет картин, только мотивы растительности и
виноград).
Он родился в Витебске и поэтому многие его картины посвящены Витебску (бедный
европейский кварт).
Попытки выйти за границу реального. Употребляет яркие краски, бросающиеся в
глаза. Он изображает чуда, его задача как художника, оно спрятано за обыденным,.
Его задача – демонстрация чуда, потому, что мы не можем его видеть всегда, но оно
чувстуется. Шагал глубоко понимал роль художника. Для него художник как ангел
посланец, небесное находит в земных вещах посланец, художник - вестник новостей о
небесном. Он пытается преодолеть земное, войти за пределы реального, изображал
невесомое состояние. Он показывал быстроту, стремительность движения
(символичен его приказ ног человека).
Первая выставка в которой Шагал участвовал была в редакции журнала „Апполон“ в
1910 году – сюреалистические картины.
После этой выставки он получил стипендию и ушѐл в Париж. С 1923 года он жил в
Париже.
Первый творческий период – парижский, без метафизической окраски. Картины:
• „Продавец газет“ 1914 – изображает человека, предчувстующего
трагические события; красное небо, грустный вид продавца
• „Ворота еврейского кладбища“ 1917 - открытые двери
• "Над городом“ - он и возюбленная жена (Белла, его жена, еѐ образ
на многих картинах)
• „Я и деревня“
• „День рождения“
• „Над Витебском"
Он возвражается на родину, был во главе школы в Витебске. Он покупал
картины новых художников.Приобретал бездомных детей к искусству.
Он оформил зал еврейского театра в Москве в 1920 году. Вахтангов был
постановщиком театра. Этот театр задуман как стилизованный древный эпос.
Шагал создал пано и сценографию к первым представлениям.Костьюми были
психопластичные, он сам их так называл. Они должны возродить еврейскую
традицию и, с другой стороны, повлият на создание сюреализма. Быстрота
движения показывалась как 4 треугольника – диагональность, горизонтальность
и вертикальность.
Шагал занимался иллюстрацией книг – Гоголь „Мѐртвые души“, рисовал
потолок оперы в Париже, витртажи в европейском университете.
Сюрреализм – совмещение сна и реального, использование илюзий.
„Уновис“ ( утвердители нового искусства) – объединение созданое Малевичем в
Витебске. Они имели и журнал.
Шагал написал мемуары „Моя жизнь“, когда ему было 36 лет. Он еѐ публикует
в Берлине. ''Моя жизнь'' глубоко пронизывает его творчество. Для него была
очень важна свобода общения с пространством и временем, поэтому он сочитает
разные пространства, разные времена. Он считал, что это символизирует
 человеческий дух. После этого отказывается от сюреализма.
После смерти Беллы, он 9 месяцев не писал. В 1945 году Шагал познакомился с
второй женой Вирджинией и с ней вернулся в Париж в 1945 году. Она его
покинула. Он женился и третий раз с Валентиной Бродской. Но Белла всегда
осталась его музой.
Со всем творчеством Шагала связано движение вперѐд и оглядывание назад.
Наряду с новым, всегда изображал и старое. В его картинах центральное место
занимал человек, он должен подняться до Бога. Человек должен выйти из
инерции собственного существования, чтобы был близок Богу . Скитание
Избранного народа должно проявиться в религиозном экстазе. Музыкальное
начало одно из ключевых еврейской жизни. Роль музыки связана с танцем с
прослвлением жизни.
Библейские мотивы в картинах:
• „Авраам и три ангела“ – Шагал хотел, чтобы она всегда осталась во
Франции, в Ницце.
• „Ангел над Витебском“
На всех его картинах есть мотив связан с Витебском:
• „Дом в Витебске“1922
• „Дом деда“ 1922
• „Прогулка“ 1917/8
• „Коровы над Витебском“ 1966
Шагал не попал под влияние кубизма и других направлений того времени.
Нешто:
• Он поссорился с Малевичем. Он занимлся устройством
художественной жизни, школой в Витебске. Малевич занял все позиции и он
решил покинуть Россию. И тогда пишет аутобиографическую книжку ''Моя
жизнь''.
• В 18 веке в Восточной Европе появляется мистическое учение
ХАСИДИЗМ – мелосердие, любовь обозначает. Хасидизм стал приемником
кабалы. Хасидизм говорил на языке притч, преданий, о том что Бог проявляется
в быковых вещах. Что Богу угодны чувства, а не рассудок унылые. Музыка и
пение (прослвление Бога) дают возможность достичь эстетического состояния.
Хаситская легенда гласила так что Бог создал мир в виде сосуда, он был
наполнен, благодатью, но сосуд не выдержал под тяжестью и разбился. Витебск
стал центром хасидизма. Мартин Бубер собирает хасидских притч. Бахтин жил в
это время на этих просторах. Радосное понимание жизни. Его понимание неба и
земли. В этих притчах юмор сочитается с печальным лиризмом. У него
восприятие времени как потока и прошлое и настоящее и будущее связаны,
могут превращаться друг в друга. Для Евреев запрещалось изобразить образ
живой, но Шагал был довольно настойчивый. Все что касается дома для него
важно.
• В 1942 году Шагал был в Юью-Йорке. Участвовал в оформлении
балета „Алеко“ (декорация).
Сделал и потолок оперы в Париже.
Ему потом заказывают оформление спектакля „Жар-птица“ Джорджа Баланчина, но
Стравинскому не понравились картины, только костюми, которые и взяли, а
декорация была Пикассо.
 • В 1964 году Шагал расписал плафон Гранд оперы в Париже, а в Чикаго
украсил здание Национального Банка мозаиком „Четыре времени года“ в 1972 году.
В 1973 году посетил Москву и Ленинград, организовали ему выставку в Тредяковской
галерее.
Казимир Малевич (1878 – 1935) – польского происхождения , родился в Киеве.
Его интереесуют человек и его отношение к космосу.
Он пытался сменить всю конструкцию живописи, считал, что предметность делает
живопись вторичнойи что это ограничивает живопись.
Он промкнул к руссим футуристам и хотел сделать что-то невыразимое. Так возникли
декорации и костюмы для „Победы над Солнцем“ (футуристическая опера).
Максимальное упрощение и геометризация форм в эскизах привели Малевича к
открытию супрематизма. Его новое направление супрематизм – беспредметность
(suprematis – высшая наука). В простейших формах выражена абсолютная реальность.
Малевич выводил супрематизм из кубофутуризма.
Беспредметное искусство – освобождение искусства от всего чужого,
нехудожественного. Малевич делает шаг к полному алогизму искусства. Чистое
искусство можно видеть лишь тогда, когда освободим наше сознание.
Цель супрематизма – выражение художника через самые простые формы: линия,
квадрат, треугольник, круг, точка. Они лежат в основе всех других форм.
Супрематизм выражается через комбинацию цвета и геометрические формы.
Его интересуют человек и космос, космос в малом.
В 1915 году была выставка 10 художников кубофутуристов „0-10“ . На выставке
преставлена картина „Чѐрный квадрат“ на белом фоне - она была на месте иконы, так
как она икона современного мира, которая отражает абсосютный ноль.
Свобода за пределами предметного; новое искусство – победа ощущения над
предметами. Его квадрат вне времѐн и направлений.
• „Девушка без службы“ 1904
• „Церковь“ 1905
• „Купальщик“ 1911
• „Англичанин в Москве“ 1914 – кубизм
• „Три фигуры“ 1920
• „Сложное предшествие“ 1928-1932
Сборник стихов „Трое“ 1913 – Кручѐеных, Малевич сделал илюстрации.
Малевич умер в 1935 году. Хармс написал стихи по поводи его смерти,
используя мотивы его творчества.
Последняя футуристическая выставка картин „0-10“ – участовали 10
художников, показаны работы Малевича и других, которые представили новое
направление в русской авангарде – супрематизм. Выставка была в 1915 году в
Петрограде (Марсово поле, Дом Адамини).
Картины:
• „Чѐрный квадрат“
• „Белое на белом“
• „Чѐрный круг“
Он близок Обэриутам, бесвязность мира, что характерно и для Малевича.
После ревоюции был членом Наркомпоса, сделал декорации и костюми для
постваки Мейерхольдом „Мистерии-буфф“, пьесу Маяковского.
Некоторое время преподавал в Витебской народной художественной школе,
 которой руководил Шагал (1919).
В 1930 году, когда вернулся в Москву, его арестовали и уничтожили его
рукописи. Его обвиняли в шпиюнаже.
У Малевича быили 3 периода творчества: - импрессионистический период
кубистический период
супрематизм
В начале 20 века быил близок к импрессионизму, слизился и с
символистическим движением „Голубая роза“. К этому периоду относятся 3
серии, выставлены в Московском салоне:
• „Жѐлтая серия“
• „Белая серия“
• „Красная серия“
Его импрессионистические картины:
• „Девушка без службы“ 1904
• „Церковь“
• „Купальщицы“ 1908
• „Купальщик“ 1911
• „Отдых. Общество в цилиндрах“ 1908
• „Поломѐры“ – религиозные мотивы
Кубизм – Пикассо
• „Почильщик“ 1912
• „Лесоруб“
• „Англичанин в Москве“
• „Каменная баба“ – сходство с „Три девушки“ Пикассо
В 1914 году сказал, что уходит от разума в живописи и начинается его
кубофутуристический период.
„Супрематизм. Мир как беспредметность или вечный покой“ – его статья, так
он определяет супрематизм.
Появляются картины с крестьянском тематиком. ''Крестьянка с ведрами и
ребенком''. Участвовал на выставках ''Ослиный хвост''.
Нешто:
• Малевич прятал свои картины. Он никого не пускал в мастерскую. Когда
вешивали его картины, он хотел, чтобы все художники в зале подписались под
супрематизмом. Никто из них не соглосиля. Он развесил наклейки на которых написал
что такое супрематизм. Для него само главное было выйти за пределы предметного
мира. Предметный мир т.е. картины которые это изображают представляли борьбу
против Мишенского. Мишенский требует, чтобы художник рисовал по заказу.
Малевич отменяет это отношение. Живопись должна сосредоточится на себе. Вводит
плоскости разные. Сначала это был супрематизм безцветный, потом появляется
супрематизм с краской. Для него цвет и динамизм фундаменты живописи. Пытается
сознание художника перевести на другой уровень. Шагнуть за земное, в космическое
пространство, нет там отношения вверх-вниз, время-пространство. В космическом
пространстве происходит восхищение. Виспитательное оно, чтобы художник/человек
мог пробудить себе, должен шагнут за нуль. Это была возможность ответить как
живопись может отвечать вопросами науки (наука обратилась космическому
пространству, наука заговорила о четвертом измерении, о теории относительности,
она вышла за пределы земного). Векторы движения, плоскости которыми мы
определяем логику движения в ксомос. Он делает архитектоны, это не плоскости, а
построения, это единсто, что воплощалось в архитектуре. Мы их замечаем в Новом
Белграде, небоскрѐбы с одной страны это конструктивиское, для Малевича это
возможность выхода за пределы земли и архитектонические постройки.
• Шагал в 1918 г., организовал школу, которая объединила масу
художников, которые занимались краской, ткани. Эль Лисицкий пригласил Малевича
видет и в тот момент все перешли Малевичу и стали подражать ему. ''Моя жизнь'' –
Шагал. Школа Малевича просуществала в Петербурге. Под влиянием Малевича
возникла школа.
• Черные, красные, белые краски использовал.
• ''Спортсмены'', ''Красная конница'' – его картины.
• Александар Родченко – черное на черном. 1919 год.
Павел Филонов (1883 – 1941) – был художник, теореетик искусства, поэт.
С 1910 года участвует в выставках „Союз молоѐжи“, до его распада в 1914 году. Был
лидером группы, в неѐ вошли петербургские и московские художники.
В 1912 году пишет статью „Канон и закон“, где сформировал уже принципы
аналитического искусства.
В 1913 году нарисовал декорации для постановки трагедии „Владимир Маяковский“.
Когда сблизился с Хлеебниковым пытался подражать футуристами. Написал
„Проповедь о проросли“ (1912). Написал и портрет Хлебникова, но он не сохранился.
Сделал костюми и декорацию для второй постановки „Победы над Солнцем“ в 1915
году.
В 1915 году сделал „Цветы мирового расцвета“, которая войдѐт в цикл картин „Ввод
в мировой расцвет“ в 1919 году.
Вместе с Малевичем, Матюшиным, Татлиным организует ГИНХУК –
Государственный институт художественной культуры в 1923 году. Он создал группу
МАИ в 1925 году – мастера аналитического искусства. Они выставляли в Доме печати.
Он работал с Игорем Трентьевым в постановке „Ревизора“ в 1917 году, но розошлись,
не поняли друг друга.
Аналитический метод – он сформировал в статье „Канон и закон“. Тут спорит с
Пикассо (кубофутуризм). Его учение антикубизм, принцип „органического“. Каждый
мазок представлляет единицу действия, всѐ которое о том надо разработать. Думает,
что надо идти от частного к общему (к сделаной картине). Он создаѐт идею
аналитической структуры вселенной. Филонов не отрывается од природы, как
кубисты, но стремится постичь еѐ, анализируя элементы формы в их непрерывном
развитии. Он подражает принципами жизни природы, а не природе.
Он говорит о принципе сделанности – каждый сантиметр должен быть нарисован
(точность, совершенность)
Искусство – это труд, которую делаль надо разработать до конца.
Основная тема – принцип жизни (это надо разработать).

Он писал многочисленные работы на бумаге и картоне, которые называл формулами,

например:
• „Мужчина и женщина“ – город делает человека очужденым друг от
друга
• „Понятие смотреть и видеть“
• „Пир королей“
 • „Тайная вечера“
• „Живая голова“
• „Мать и дети“
• „Запад и восток“ 1912 - в духе примитивизма
• „Восток и запад“ 1913 - всѐ в движении
Город это враждебная человеку среда, русская природа его главная тема.
Цикл картин: „Коровницы“ – выражение лица у женщин – корова, а у коровы жена.
От аванградистов отличает его то, что не может отречься от реалистических образцов.
Уважал творчество Репина. На него очень повлиял и Андрей Рублѐв.
• „Пир королей“ 1913 – влияние иконописи
• „Человек“ – Христос, его видение
• „Тайная вечера“ – его видение
Одна из главных его тем была русская деревня, которая для него была идеалом.
Филатов был против продажи картин, их надо отдать в музей, потому что там
проходит учѐба. Свои картины завещал Русскому музею. Пытался оформить
прямую связь между музеем (место работы и учѐбы) и фабрикой.
Владимир Татлин – был светским дизайнером, живописцем, графиком, художником
театра. Он один из крупнейших представителей русского авангарда, родоначальник
конструктивизма. Для него главное – это вещь и стремление к земному. По его
мнению художник должен служить общественным потребностям. Практика и
творчество идут вместе. Надо творить ново новыми средствами. В 1915 году он
участвовал в “0-10“ выставке.
„Памятник III Интернационала“ – один из символов мирового авангарда и визитная
карточка конструктивизма. Этот проект остался нереализованным, только идеей.
Конструктивизм – характеризуется строгостью, геометризмом, сжатостью,
лаконичностью форм, монументальностью внешней формы.

Татлин противник концепции Малевича. Татлин - связь искусства и живописи, а

Малевич – цвет, форма.
Истинный анегдот: Татлин выбил стул из-под Малевича, предложил ему посидеть на
геометрии и цвету.
Александр Родченко – скульптор, фотограф, художник театра и кино,
конструктивист. Он родоначальник рекламы и дизайна в СССР. Он инженер
искусства, для него искусство – изобретение новых форм и возможностей. Будущее
единственная цель. Они приветствуют революцию (Октябрская революция -
единственный двигатель жизни). Искусство должно служить обществу. Новый мир -
это новые предметы.
Он сначала работал с плоскостью, в 1919 году пишет „Чѐрное на чѐрном“.
В 1920 году ввѐл линии и точки, как самостоятельные живописные формы.
Родченко занимается фотографией, он один из руководителей новой группы
фотографов – „Октябрь“ (1924-1925). Фотографии: „Пионерка“, „Пионер-трубач“.
Делал и рекламные плакаты. С женой участвовали в создании (авторы пано) „Дома
Моссельпрома“ в 1923 году. Это памятник русского конструктивизма и авангарда.
Сотрудничал с Маяковским.
Его самое знаменитое фото – „Девушка с лейкой“.
Родченко и жена его Варвара Степанова были творческий дуэт , они разработывали
новый быт для новой жизни, чтобы предмет служил новому быту (комбинезон,
реклама).
Он применял фотомонтажи для илюстрирования книг, нпр „Про-это“ Маяковского.
Был профессором ВХУТЕМАС-а – Высшее художественно-технические мастерские.
Он не вписался в социалистический реализм, его исключили из Союза художников.
Эль Лисицкий – представитель русского и европейского авангарда, один из главных
конструктивистов. Совестно с Малевичем разрабатывает основы супрематизма.
Он занимался илюстрацией произведений современной еворпейской литературы, в
особенности детской поэзии.
Увлекался фотографией, фотомонтажем и архитектурой.
Он преподавал в Народном училище в Витебске и в БХУТЕМАС-е.
В 1922 году был редактором журнала „Вещь“ в Берлине. Журнал представляет собой
международное обозрение современного искусства. Лисицкий его оформил и был
редактором. Вышли 3 номера. В одном есть декларация конструктивизма. Цель –
осведомление русских художников в последних достижениях европейского
мастерства, хотел познакомить художников с этими достижениями.
Он разработал книжные иллюстрации, так называемые ПРОУНЫ – проект
утверждения нового искусства. Это объѐмно-пространственные композиции, в
живописной или графической форме. Они станут основой для мебельного дизайна,
проектов театральных макетов.
Новая архитектура должна отражать новую реальность. Это например горизонтальные
небоскрѐбы (Трибуны), Софисные здания.
МУЗЫКА:
До 18 века:
До 18 века музыку связывают с традицией и с византийской духовной музыкой.
Церковь считала музйкантов нечистой силой.
Скоморохи – певцы, музыканты, комедианты, акробаты в древней Руси. Их
выступления сопровожданись игрой на инструментах – на дудках (фрула) и волынках
(гајде), гуслях, гудках, трубе, бубнах, свирели.
С принятием христианства развивается церковное одногласное пение (византийская
традиция) – знаменное пение. Музыка записывалась особым нотным письмом –
знаменное/крюковое письмо.
В 16 веке развивается многоголосное пение. - КАНТ. Это вид нецерковного пения.
Приходит через Украину. Содержание канта сначала было религиозным, но
постепенно становится светским (любовные, петриотические песни). Кант источник
жанра русского романса.
В 17 веке появился новый вид многоголосого пения – партесное пение, это пение по
голосам, т.е. по хоровым партиям. Этот вид развивается под влиянием Украины и
западноевропейского гармонического пения. кант
Это подразумевает пение для 4, 6, 8, 12 или больше голосов. Исползуется киевское
письмо – пятилетная нотация , где ноты как квадратики.
18 век: В 18 веке развивается светское искусство. Тога было огромное западное
влияние. Кроме вокальной появляется инструментальная музыика. Новые жанры:
соната (для одного или несколько инструментво), романс, симфония, опера на русском
языке.
В 1755 году – первая опера на русском либрето – „Цефал и Прокис“ композитора
Франческо Арайа. Это был античный сюжет, текст которого написал Сумароков.
Первые русские оперы быили пьесы с музыикальными эпизодами, европейская
модель, русские сюжеты.
Композиторы 18 века: Василий Пашкевич, Е. Фомин, Дмитрий Бертянский, Иван
Хандошин.
19 век:
В 19 веке становится русская музыкальная школа. Два первых классика:
1. Михаил Глинка – основоположник русской оперной классики. Его оперы:
• „Жизнь за царя“ (или Иван Сусанин)
• „Руслан и Людмила“
Благодаря этим двум операм создаются два жанра: исторический и волшебно-
сказочный.
Симфонические сочинения:
• „Испанские увертюры“
• „Камаринская“
• „Вальс фантазия“
• „Патриотическая песня „ – часть оперы „Жизнь за царя“ стала
основой гимна
2. Александр Даргомынский – написал оперу „Русалка“ по поэме Пушкина. Это
новый тип оперы – бытовая психологическая. „Каменный гость“ – опера-диалог =
камерная речититивная опера.
В 60-ые годы 19 века основана Консерваторя. 1861 основана в Питере, 1866 в Москве.
Директоры были Антон и Николай Рубенштейн.
„Антреприза“ – оперная группа, которая нанымается за деньги. Это быила Московская
частная группа Саввы Мамонтова.
В 1907 году „Антреприза“ Сергея Дягилева.
Во вотрой половине 19 века основаны све основные композиционные школы:
- в Питере – петербургская или „Могучая кучка“
- в Москве – московская, во главе с Чайковским
„Могучая кучка“ – содружество композиторов. Они себя считали наследниками
Глинки. Их идея была воплощение русской народной школы через музыку. Это
название им дал Владимир Стасов в статье „Славянский концерт господина
Белакирева“. Представители „Могучей кучки“:
• Милий Белакирев
• Модест Мусоргский
• Александр Бородин
• Николай Римский-Корсаков
• Цезарь Кюи
Центр – бесплатная музыкальная школа основана в 1862 году. Они были
композиторами и критиками. Петербургская школа более новаторская. Принцип
народности. Интерес к восточным темам. Оперы и симфонии.
• Белакирев: симфония „Тамара“
фантазия для фортепиано „Исламей“
• Бородин: опера „Князь Игорь“, которую закончил Корсаков
• Мусоргский: опера „Борис Годунов“, „Сорочинская ярмарка“
• Римский-Корсаков: 15 опер: „Снегурочка“. „Садко“, „Моцарт и
Сальери“, „Сказка о царе Солтане“, „Золотой петушок“
сюита: „Шехерезада“
• Кюи: закончил оперы: „Каменный гост“ и „Сорочинская ярмарка“
Московская музыкальная школа более консервативная. Представители:
• Чайковский: оперы: „Евгений Онегин“„ Мазепа“„Чародейка“
„Пиковая дама“
балеты: „Лебединое озеро“ „Спящая красавица“ „Щелкунчик“
• Сергей Танеев – ученик Чайковского, учитель Рахманинова и
Скрябина. Его теоретические труды посвящены полифонии.
20 век:
Композиторы 20 века уходят от Чайковкого от ''Могучей кучки''. Отходят от
рационального. Последний представитель этой великой национальной школы был
Глазунов. Он создает балет ''Раймонд'' и пишет поэму ''Стенька Разин''. Глазунов
продоложает народную традицию. Лядов пишет музыку на фольклорные темы. Его
поэмы: ''Баба-Яга'', ''Волшебное озеро''. Попытка проникнут в менталитет.
Двадцатый век это век поиска новых приѐмов, обращение к каким-то другим истинам,
которые скрыты. Обращение к мистицизму. Первый сборник Мережковского
„Символы“ являлся воплощением этой идеи символа которым заканчивается вторая
часть ''Фауста'' Гете. Философский характер искусства является ядром без которого
нельзя подойти к символизму. Творчество обращено к свету, радости

Скрябин – композитор, пианист. С него начинается 20 век в музыке. Он был новой

страницей в мировой музыке. Талант унаследовал от матери. Его воспитанием
занималась тѐтя. Матерью Скрябина восхищался Антон Рубенштейн. Скрябин
сочинял музыку уже с юных лет, играл на пианино с импровизациями. Он учился в
кадетском корпусе. Он сочинял свои композиции под влиянием теософских и
философских идеи. В то время он читает Вагнера, слушает его. Он пишет синфонии.
Первая синфония предствляла собой отношение которое мы обнаружываем в
философии символистов. Искусство – это религия. Его третья симфония,
''Божественная поэма'', говорит о развитии души и о подвиге, который она должна
совершить над телом. Он использует для названия своих произведениях понятия из
литературы жанровые определения (поэма) т.е. вписывается в этих требованиях
синестезии, как главного приема, главного принципа который становится
организующим началом всей символистской поэтики. Поэзия влияла как своей
метрикой, так и повторами, изменчивости образа, звуковой организацией. Все
строится на повторах. Повтор один из главных мотивов музыкального творчества.
Скрябин вел новый жанр в музыку фортепяная поэма. Синтезис музыкального и
литературного начала. Фортепяная поэма это выход за пределами существующей
формы. Скрябин вводит понятие цветосвет. Обладает цветовым слухом.

Космогоническая концепция – через музыику преобразовать мир. Художник – это

творец который пытается создать мистерию. Художник – литургия – действие.
Творчество происхосить через синтез разных художественных средств. Идея
светомузыки Скрябина – это синтезия, сочетание звука, света и цвета. Выразить звук
через цвет. Всеискусство – соединение всех искусств. Он создал жанр поэмы.
• „Третья симфония“
• „Божественная поэма“
• „Экстаза“ – поэма, это радость творчества
• „Прометей или Поэма огня“ 1910 – его попытка создать синтес
звукового и визуаьного впечатления
 • „Мистерия“ Скрябина осталась незаконченной
Рахманинов – композитор, дирижѐр, пиянист. Он соединил принципы московской и
петербургской школы с традицией западной музыки. Вывел русскую музыку на
мировой уровень. Оперы:
• „Алеко“
• „Скупой рицарь“
Стравинский – модернизм, ранний, центральный (неоклассицизм) и новые подходы к
музыке → додекафония – 12 тонов. В 1909 году встретился с Дягилевым, что
повлияло на Стравинского. Стравинский написал музыку для „Жар-птицы“. Балет
„Петрушка“
В 1913 году – премьера балета „Весна священная“
Прокофьев – новатор; диссонанс и полифония. Сотрудничал с Дягилевым.
В 30-ые годы контроль музикальных произведений. В России многие произведения
запрещаются. Искусство должно служить государству. Произведения Прокофьева
подверглись критике. Его обвиняли за „Шестую симфонию“ и за оперу.
Композиторы после революции:

Шостакович – закончил консерваторию. Жанры: симфония и струнные квартеты.

Оперы:
• „Нос“
• „Леди Макбет Мценского уезда“
Симфонии: Первая, 5-ая, 7-ая, 12-ая (1917) и 11-ая (1905).
Его два раза обвиняла партийная критика. Он писал для кино и театра. Работал с
Мейерхольдом. Протест личности против тирании. Писал музыку для „Маскарад-а“ в
театре имени Вахтангова.
*Хачатуриан – симфонии, концерты, сюиты, балеты; музика для фильма и театра
КИНО:
В декабре 1895 года появилось кино. Братья Люмьер сделали первые показы. Первые
кинопоказы в России состоялись в 1896 году, сначала в Москве, потом в Питере. Эти
первые фильмы были похожи на раѐк. Они завозились из Гранции, Англии, Италии и
Германии. Автором первых киносъѐмок в России был Макаров.
Сначала снимались исторические фильмы, документальные, о царской семье. Кроме
хроники царской семьи появились документальные съѐмки жизни напр. Льва
Толстого.
В 1907 году была первая попытка организации отечественного кино. Александр
Дранков снял фильм „Стенька Разин“. Это был первый художественный фильм в
России. Фильм представляет собой экранизацию исторической билины
Гончарова.Несколько фильмов снимали в день, так как не надо было менять
декорацию, нет много текста (короткие реплики).
В Москве киноателье „Дом Ханжонкова“, создал первую в России конофабрику. Здесь
произошла экранизация классических литературных произведений (Пушкин, Гоголь,
Достоевский, Островский) и исторических („Смерть Иоанна Грозного“ он снят в 1909
году, ''Дом Романовых'' в 1913 г. ''Ярмарк'', ''Жизень и смерть Петра Великого'',
''Наполеон в России'' 1910). Киноателье Ханжонкова выпустил киноэпопею „Оборона
Севастополя“ в 1911 году. Это был первый русский полнометражный фильм. Его
вместе поставили Ханжонков и Гончаров.
„Прекрасная Люканида“ 1912 год, выпустил коноателье Ханжонкова. Это первый в
мире сюжетный мультфильм, представляет начало анимационного кино. Его поставил
Владислав Старевич.
Главные звѐзды русского кино: Мозжухин, Гончарова, Громов, Вера Холодная.
Режисѐры: Василий Гончаров, Владислав Старевич
Актеры кино были звездами театра.
Большой популярностью пользуются психологические мелодрамы, на которые
оказалось влияние декадентского искусства. „Умирающий лебедь”, экранизация
„Пиковой дамы“, „Дворянского гнезда“.
Издавали киножурнал ''Сине-Фото'' с 1907 г по 1918 г. Вестник кинематографии
выходил в Москве с 1910 по 1917г., ''Пегас'' (1915-1917).

И Мейерхольд снималя в кино – „Портрет Дориана Грея“. Его театр был условным.
Для него важнейшим компонентом был зритель, а главным врагом – жизнеподобие.

Звуковое кино – не нужна гестикуляция. Ленин объявил кино главным видом

искусства, и главным искусством его идеологии. После 1917 года главный вид
искусства, кино, агитирует большевистскую идею – кино, а прежде всего
документалное кино. Сначала снимается хроника, разные события, праздник первых
лет революции.
С помощью документального кино легко агитировать идеи большевиков, кино как
средство пропаганды. Михаил Кольцов – возглавил группу кинохроник. Каждую
неделю создавали кинохроники.
Художественные фильмы снимаются с 1918 года:
• „Барышня и хулиган“ – Маяковский написал сценарий и снимался в
нѐм
• „На фронт“ 1920
• „На красном фронте“ 1920
• „История гражданской войны“ 1921
В 1920 году в Питере сняты театрализованные пантомимы – „Взятие зимнего дворца“
– Евреенов.
Всѐ снималось любительски, потому что не было образованного кадра, интеллигенция
убежала в эмигацию.
Тиссэ Эдуард – знаменитый кинооператор, советский. Он лауреат трѐх Сталинских
премий первой степени. Снимал документальные, хроникальные и научно-популярные
фильмы. На фильме „Стачка“ встретился с Эйзенштейном. Участвовал в постановках
„Да здравстует Мексика“ (оператор) и „Бессмертный Гарнизон“ (режиссѐр).
Горький разработал план киносценария по истории и культуре. . Он считал, что эти
культфильмы должны приблизить неграммотным людям историю и культуру. Для
подготовки кадра была открыта первая государственная киношкола. ГИК в 1918
старейший в мире институции кинематографии.
В Петербурге были сняты театрализованные пантомимы. ''Взятие зимнего дворца''
Евреинова в 1920 году к третьей годовщине революции.
Сергей Эйзенштейн – светский режиссѐр кино и театра. Для него важно метафора,
киноязык, натурщики. Он снял первый фильм, где масса является главным героем.
Нет подразделения на роли, нет профессиональных актеров.После 1917 года он
воспроизводить события 1905 года (“Крововое воскресение“). Он был идеологически
близок советскому пониманию кино. Эйзенштейн разработал теорию массы.
Его учителем быил Мейерхольд, и он называл его мастером. Когда Мейерхольда
арестовали, Сергей хранил све его работы.
У него был и опыт театральной постановки – „Мексиканец“ – как декоратор.
Он превратил пьесу „На всякого мудреца довольно просоты“ Островского. Это быила
его свободная интерпретация. В 1923 году он эту комедию превратил в „Монтаж
атракционов“. Атракцион – это любой элемент зрелища, который воздействовал
сильно на зрителя. „Монтаж атракционов“ – это смысловая нагрузка,
интелектуальный монтаж.
Монтаж противопоставляется сюжету. Масса – пролетарское искусство, которое
отказывалось от фабулы, психологизма, чувств.
Эйзенштейн снимает програмные фильмы. Его фильмы:
• Немые: „Стачка“ 1925
„Броненосец Потѐмкин“ 1925 – эпопея
„Октябрь“ – 1928 – посвящѐн Ленину
„Старое и новое“ – 1929
• Звуковые: „ Сентиментальный романс“ 1930
„Бежин луг“ 1935 – цензура – по свенарию Бабеля
„Александр Невский“ 1938
„Иван Грозный“ 1944/46
„Да здравствует Мексика!“ 1931/32
Полемика между Вертовым и Эйзенштейном, он обвинял Эйзенштейна в том, что он
берѐт материалы документального кино.
Дзига Вертов – советский кинорежиссѐр, основатель документального кино. Для него
документ соответстует времени и документальное кино должно передавать
действительность и только оно может быть пролетарным.
„С настоящими людьми и фактами, без актѐров, декорации и прочего“. Хотел
показать настоящие действия. Опубликовал манифест „Мы“ в 1922 году в журнале
„Кинофот“.
Вертов создал „Теорию киноглаза“. Киноглаз – это инструмент научного исследования
мира. Дзига является основателем документального кино. Он думал, что надо снять
маску с лица, снимать людей, когда они этого не подозревают.
Вертов был монтажѐром кинохроник в начале карьеры. Таким образом, он
демострирует возможность кинокамеры и монтажа.
Вертов снял первый советский звуковой фильм: „Симфония Данбасса“ 1931 год. Этот
фильм первый советский документальный фильм, посвящѐн событиям в рудокопе. Он
предтеча телевидения – желание моментально показать то, что происходить.
Его фильмы:
• „Киноглаз“ – очень важный
• „Годовщина революции“
• „Человек с киноаппаратом“ 1929 - он изображает как просыпается
город. Показывает жизнь киноапарата, что можно сделать киноаппаратом
Дзига Вертов один из основателей мирового документальног кино. Он основал группу
„Киноки“. Это группа кинооператоров, которые отправлялись во все уголки страны.
Это называется жизнь в расплох, без инсценировки просто жизнь. Он снимали разные
сцены и страшные сцены голода, постройки чего-то, все то что происходило в стране.
Потом делали кинохронику которую показывали в кино. Его идея была не отставать от
исторических собитий.
Лев Кулешов – Кулешов создал теорию натурщика, т. е. кино с непрофесиональными
актѐрами, его актѐры физически подготовлены, потому что тело это инструмент игры..
Он использует биомеханику Мейерхольда в кино.
Кино как искусство - кино должно ориентироваться на пластическое искусство, не на
литературу. Для него, кино – это искусство движения и ритма Его эксперименты
вошли в учебники кинематографии. Его книга „Основы кинорежиссуры“
Больше всего Кулешова интересовал монтаж („Монтаж Кулешова“). Монтаж – это
основа киноискусства. Основа кино - это монтаж, монтаж реального материала
поэтому нужен план работы, который подразумевал точность во времени, в
пространстве, чтобы это был реальный материал, чтобы зритель мог поверить его.
Кулешов проводил опыты. Известным опытом был „Опыт с тарелкой горячего супа“
– человек ест суп, а выражение лица меняется в зависимости от контекста, он
показывает страдание, страсть и голод, а выражение лица одно. Кулешов смонтировал
разные кадры „Белый дом“, „Памятник Гоголю“,„Берег Москвы реки“.
„Эффект Кулешова“ – сопоставление кадров, поставленных рядом; показал коллегам
крупный кадр актѐра Мозжухина и 3 плана: горячий суп, ребѐнка в гробу и девушку на
диване. Содержание последующего кадра меняло смысл прошлого. Он сделал вывод,
что монтаж всесильный и всемогущий.
„Весѐлые ребята“ – сценарий Эрдмана.
Его фильмы:
• „Проект инженера Прайта“ 1918
• „Приключения мистера Веста“ 1924 - комедия, вестерн из Америки
• „Луч смерти“ 1925 – сопротивление кадра. Первый кадр – движение
актѐра на фоне храма, а потом женщина и только тогда мы понимаем, что они
идут друг другу навстречу.
• „По закону“ 1926
• „Великий утешитель“ 1933

В 30-ые годы появляются и музыкальные фильмы.

Первая, старейшая киношкола, „Госкиношкола“, открылась в 1919 году. Первый еѐ
руководитель был Владимир Гардин.
Нешто:
• Предшественником кино является паноптикум, он связан с ярмарочной
культуры, собрания разных чудес которые представляют с помощью восковых фигур,
живых образов. Картины Рамсеса, русалок. Паноптикум обычно показывали на
ярмарках. О паноптикуме говорил и Томас Манн в романе ''Волшебная гора''. Камера-
обскура в темной комате ставлят выпуклую линзу, перевернутая миниатура
ландшафта ставала через выпуклую линзу с головы на ног. Таким образом родился
кинозал. Записанно на камере-обскуры и произведение ''Как поссорились Иван
Иванович с Иваном Никифоровичем''. В 19 веке изобрели разные картинки и камера-
обскура превратилась в фотоапарат.
Раѐк –через линзу смотрел разные пейзажи (это стекло). ''Волшебный фонарь'' зборник
стихов Цветаевой, латерна магика – аппараты для проекции существовали еще с 17
века, можно видеть как меняется пластинка перед окуляром, пытаются возпроизвести
сюжет. Можно было посадить не стекло живую муху и тень которая отброшена
производить впечатления больших размеров. Игра света и теми. Сюжеты были
призраки, черты, духи. О волшебном фонаре говорит и Державин.
Существовали фолиоскопы – это рисунки которые оживают, стереоскопы, о их пишет
Бодлер.
Сам киноаппарат (кинопроектор, кинотоскоп) запантентовал в 1893 году Эдисон.
Экрана не было и вдоль стены были тумбы с окулярами. И каждый зритель мог
посмотреть в эту тумбу и эта был сеанс для одного зрителя. Первые эксперименты
были 1903/1904 годов ещѐ до братьев Люмьер.
• История: в Вавилоне, в Ерусалиме, Париж, Америка. Все эти
истории подаются в последствии. Кино обращается к литературе. До 1908 в
России существовали рекламный фильм, мультипликация, пародия, трюковое
кино, монтажный фильм = из кусков других фильмов исценировки разных
кинохроник, создается система кинопрокатов. Сменяется публика. Сначала
публику составляли дети, теперь большинство составляют не дети. Русское кино
развивается под влиянием литературы. Очень важным был Яков Протазанов и
его картина ''Отец Сергей'', ''Поликулиса'' Санина, ''Коллежский регистратор''
Желябунского. Все что касаетсядо революционного кино, дальше
постреволюционное кино связывается с Эйзенштейном, Дзига Вертоым.
Снимаются по Горькому, Андрееву, Толстому ''Свадьба крестьянского'' как
часть трилогии. Это было снято в отеле Дранкова. ''Мертвые души'' в
кинофабрике Хантонкова сняты. Гончаров снял картину ''Мазепа'', ''Русалку'',
''Пиковая дама'' 1910. „Оборона Севастополя“ (1909) очень важная картина
появляются глубиные мизансцены в русском кино. До этого важны были
документальные съѐмки царской семьи, кинохроника. В отличие от
дореволюционного кино, которое обращался к музыке, сатанистским темам, к
литературе, постреволюционное кино обращается к революционной
действительности. Вводится кинохроника.
Московский концептуализм – направление, начавшиеся в начале 1970-ых годов в
искусстве СССР. Термин возник в 1979 году, в статье Бориса Гройса „Московский
романтический концептуализм“, опубликованной в журнале „А-Я“. Это направление
именуется и Московской концептуальной школой. Московский концептуализм
состоит из двух чѐтко выявленных ветвей: литературоцентричной и аналитической.
Художники роматической ветви:
• Илья Кабаков
• Андрей Монастырский
• Коллективные дейсвтия – арт-группа
• Эрик Булатов
• Дмитрий Пригов
• Виктор Пивоваров
• Вадим Захаров
• Никита Алексеев
• Ирина Нахова
• Лев Рубенштейн
Художники аналитической группы:
• Комар/Меламид – уч. группы (Виталий Комар и Александр
Меламид)
• Группа Гнездо
• ТОТАРТ
• Иван Чуйков
 • Юрий Альберт
• Вадим Захаров
Представители неофициальной культуры определяли свою позицию, как
абсорбирующие творческие опыты, как образ – имидж поэта, конкретные тексты
которого являются одним из его жестов в культурном пространстве.
Термин концептуализм пришѐл к нам с Запада из сферы изобразительного искусства.
Для концептуализма, как в сфере литературы, так и в сфере искусства, характерно
использование непривычных, неконвенциональных язиков, например общественно-
политических и национальных текстов, каталогов и квазинаучных исследований,
причѐм не в качестве цитат, а как структурной основы произведения. Большое
значение приобретают жест, авторская поза - определяющие данный текст по
ведомству, скажем изобразительного искусства или литературы.
Концепция важнее физического выражения произведения. Им важна идея
(концепция). Концептуальные объекты могут быть: фразы, тексты, схемы, графики,
фотографии...
АРХИТЕКТУРА:
Барокко
В 17 веке кончается период древнерусского строительства., в центре внимания
которого был храм, городские палаты. Архитектура получает светский характер. В
архитектуре отражается экономическое состояние государства. Орденая система –
конструктивный порядок, три ордена (стиля) существует до 17 века: дорический,
ионический (виз.) и корифский.
В конце 17 века, во время правления Алексея Михайловича, появился новый
архитектурный ордер – московское/нарышкинское барокко, которое связывает
архитектуру старой Москвы с европейской архитектурой. Стиль связывает
национальные традиции с новыми европейскими влияниями. Лев Нарышкин важен, он
ориентировал на запад. Нарышкинский ордер – это первый этап русского барокко
(начальный этап).
Характеристики: ярусность (здание строится по ярусам, этапам; один ярус на
другой, что не характерно для византийского барокко)
центричность (всѐ идет кодному центру)
равновесие
симетрия
В центре новой архитектуры: палаты, усадьбы
Появляется лепестковый храм – форма лепестка „4“, фасад делитя по ярусам.
Появляются элементы западного украшения, напимер фронтон (треугольник над
входом или над окном). Чаще всего это разорванный фронтон – балюстрады с вазами,
столбы и колонны, двухвцветные сочетания (белые украшения на красном фоне).
Представители стиля:
• Церковь покрова в Филях - Москва (двухцветные украшения)
• Новодевичий монастырь – Москва
• Церковь архангела Гаврила (Меньшикова башня) – Москва
• Собор Пресвятой Богородицы
• Церковь знамения Пресвятой Богородицы
• Церковь спаса в Уборах – подмосковье
В эпоху Петра Певого архитектура развивается под нспосредственным влиянием
иностранных архитекторов. Петровское барокко/пилястровый стиль получил
название по основному элементу фасада – пилястрам, т. е. прямоугольным выступам
стен в виде колонн. В этом стиле построены 3 крепости в Питере:
• Петропавловская крепость 1703 год – с бастионами
• Крепость Кронштад - защищает Питер с морской сторны
• Адмиралтейство 1703 – вервь (бродоградилиште)
Архитектором был Доменико Трезини. Он первый употребил в архитектуре кирпич,
как основной материал.
Этот стиль связывается с Петром Первым и его строительством.
Гражданское строительство преобладает над церковным. Все строения – это работы
иностранных архитекторов. Жан Батист Лэблон - один из важнейших архитекторов.
Градостроительство играет важную роль, город строится по плану. Дома своими
фасадами выходят на улицу и должны стоят в одной линии. Разрабатываются образцы
и модели для разных сословий (дом по образсцу). Очень важен и заметен отказ от
византийских мотивах.
В центре крепости стоит церковь, у неѐ колокольня со шпилькой. Крепость почти
всегда находится на западе. Стены из кирпича, они отштукатурены и потом окрашены
в яркие цвета, чаще свего в голубой, чаще свего в голубой, зелѐныйй, красный или
жѐлтый цвет. Пилястры и другие украшения всегда белого цвета.
Характеристики: строгость декора
симметричность
без лишных деталей (из деталей разрешаются белые обрамления
около дверей и пилястры)
Самые важные здания:
• Петропавловский собор
• Летний дворец Петра
• Собор Петра и Павла
• здание Кунсткамеры (3 яруса)
• дворец Меньшикова
• здание 12 коллегий
• Кикины палаты
Вершину барокко мы видим в эпоху Елизаветы Петровны – елизаветинское
барокко. Основные типы здания это дворцы и храмы.
Характеристики: роскошь
помпезность
блеск
лишность декорации
обилие детали
Дворцовый комплекс представляет богатство страны. Состоит из дворца и сада или
парка.
Парк состоит из прямолинейных аллей, растительность подстрижена (деревья тоже).
Это называется французской моделью. Интерьер дворца отличается особой раскошью.
Характерны: многоцветные узорчатые полы – из разных видов дерева
плафонная живопись – создаѐт иллюзию поднимающегося вверх зала
фасад чаще всего двухцветный
внутри и снаружи много позолоты
стены фасада намного более рельефны (коллона, пилястра, скульптуры)
В то время восстанавливается храмовая традиция – крестово-купольный храм,
пятикуполный храм в форме луковки.
Один из самых знаменитых архитекторов того времени – Бартоломео Франческо
Растрелли. Появляются и русские архитекторы – Савва Чевакинский и Дмитрий
Ухтомский. Самые важные здания построил Растрелли:
• Зимний дворец
• Смольный монастырь
• Екатеринский дворец в Царском селе – аллеи цветов, геом.
декорации
• Болшой дворец в Петергофе
• Мариинский дворец в Киеве

Савва Чевакинский: Никольский военно-морской собор

Дмитрий Ухтомский: Колокольня в Троице-Сергиевой лавры в Сергиевом посаде
Классицизм:
В 1740ые годы происходит смена барокко на классицизм. Основа классицизма – это
рационализм и любовь к античности.
Для нового стиля характерны: простота форм
отсуствие излишеств
геометрически правильные планы
симетричность.
Классицизм равивается путѐм заимствования из антики и возрождения.
Это эпоха Екатерины II. Строятся административные, казѐнные здания,
государственные усадьбы и дворцы.
Снова особое значение приобретает планировка города. В основе плана геометризация
пространства, прямоугольные улицы и площади. Главные улицы и площади должны
застраиваться образцовыми домами. Дома ставились вплотную. В 1775 году создаѐтся
генеральный план города Москвы. Она развивается по радиально-кольцевому
принципу. В центре Кремль и радиальные улицы из центра. Архитектура классицизма
парадная. Модель классического здания – дом с портиками. Классицизм связывается
с укреплением государственности (потому в основном государственные здания
строятся). Важна монументальность пропорции.
Архитекторы:Антонио Ринальди (Мраморный дворец в Питере)
Василий Баженов (дом Пашкова, Михайловский замок)
Матвей Козаков (здание Сената в Московском кремле)
Иван Старов (Таврический дворец в Питере).
Особенности русского классицизма: жѐлтый цвет и купола на гос. зданиям
Екатерина II поставила памятник Петру I на Сенатской площади в Питере в 1782
году. Это бронзовая композиция на граните. Конь топчет змею, т. е. врагов России.
Пѐтр как св. Геогрий, который убивает змея.
Классицизм продолжается с 40ых годов 18 века до конца 18 века.
Ампир:
Ампир – стиль, который связываетя с Наполеоном. Главная характеристика –
восхваление императора и веонных успехов и завоеваний.
В России появился во время Александра I, после 1812 года.
Отличается: торжественностью, мемориальностью и раскошью.
Есть влияние Римской империи и древнеегипетского искусства. Мотивы повторяют
античные образы: грифоны, львы, военные доспехи, факелы, щиты.
Равновесие и симетрия. Это мемориальная архитектура – строятся триумфальные арки
и ворота, памятные коллоны, в честь победы императора.
Архитекторы: Карл Росси (арка генерального штаба в Питере, Александринский
театр в Питере, план центральной полщади в Питере)
Огюст Монферран (Александрийская коллона, Исаакиевский собор)
В стиле ампира также Нарвские триумфальные ворота, Биржа на Васильевском
острове, московские триумфальные ворота, здания Сената и Синода с аркой между
ними.
Ампир продолжается с 1812 до 1830ых годов.