Министерство образования и науки Российской Федерации

Федеральное государственное образовательное учреждение высшего

образования
«Московский педагогический государственный университет»

И.К. Старкова

Temas de conversación: Las Artes

(Испанский язык)

Учебное пособие

МПГУ

1
 МОСКВА • 2021
Рецензенты:

Учебное пособие предназначено для студентов IV курса факультетов

иностранных языков педагогических университетов, а также для
студентов специальных (лингвистических) вузов. Лексический и
грамматический материал соответствуют требованиям стандартов ФГОС
ВО по направлениям подготовки «Педагогическое образование» и
«Лингвистика», а также Рабочей программе дисциплины «Практика
устной и письменной речи». Учебные тексты имеют
лингвострановедческую направленность. Упражнения, представленные в
пособии, нацелены на дальнейшее совершенствование навыков
подготовленной и спонтанной устной и письменной иноязычной речи на
данную тему.

© МПГУ, 2021

2
 © Старкова И.К., 2021

SUMÁRIO

Введение……………………………………………………………. 4

Unidad 1 La pintura ……………………………………………

Unidad 2 La música ……………………………………………

Unidad 3 La cinematografía……………………………….

Список литературы ……………………………………………

3
 Введение

Учебное пособие предназначено для формирования у обучаемых, в

соответствии с ФГОС ВО1, общекультурной компетенции (ОК-4):
способности к коммуникации в устной и письменной формах на русском
и иностранном языках для решения задач межличностного и
межкультурного взаимодействия.

В результате обучения студент должен:

ЗНАТЬ:

 нормы коммуникативного поведения носителей иноязычной

культуры;
 специфические особенности, модели и схемы вербального и
невербального поведения в иноязычном социуме;
 прагматические параметры высказывания (адаптация к предмету
ситуации, типу адресата, условиям ситуации, интенции адресанта),
разновидность регистров и уровней изучаемого языка;
УМЕТЬ:

 видеть общность и особенности национальных культур, уважать

своеобразие иноязычной культуры и ценностных ориентаций
иноязычного социума

1
Приказ № 1426 от 04 декабря 2015 года Министерства образования и науки
Российской Федерации «Об утверждении Федерального государственного
образовательного стандарта высшего образования по направлению подготовки
44.03.01 Педагогическое образование (уровень бакалавриата). Квалификация:
академический бакалавр. Зарегистрирован в Минюсте России 11.01.2016 № 40536.
Приказ № 940 от 07 августа 2014 года Министерства образования и науки
Российской Федерации «Об утверждении Федерального государственного
образовательного стандарта высшего образования по направлению подготовки
45.03.02 Лингвистика (уровень бакалавриата). Зарегистрирован в Минюсте
России .

4
  свободно и аргументировано выражать свои мысли в письменной и
устной форме с учетом кодов иноязычной культуры и в
соответствии с прагматическими характеристиками речи
(адекватная реализация коммуникативного намерения, ясность,
логичность, содержательность, связность, смысловая и структурная
завершенность, соответствие языковой и стилистической норме);
 адекватно понимать и интерпретировать вербальное и невербальное
содержание иноязычной речи;
ВЛАДЕТЬ:

 необходимыми интеракциональными и контекстными знаниями,

позволяющими преодолевать влияние стереотипов и адаптироваться
к изменяющимся условиям при контакте с представителями
различных культур;
 продуктивной устной/письменной речью художественного,
нейтрального, административного и официального характера;
 навыками межкультурной коммуникации в ее языковой,
предметной и деятельностной формах, принимая во внимание
стереотипы мышления и поведения в культуре изучаемого языка.

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 LA PINTURA

UNIDAD 1

LÉXICO

Pintura, pictórico, museo, galería, pinacoteca, pintor, dibujante, artista;

cuadro: díptico, estampa, lámina, (el) mural, retablo, (el) desnudo, cuadro de
género, (el) grupo, (la) marina, naturaleza muerta, bodegón, paisaje, cuadro de
batalla, la batalla, (el) orante, obra maestra; boceto, bosquejo, croquis, esbozo,
esbozar, borrón, ambiente, campo, plano, cercas, primer plano, fondo, celaje,
claro, claroscuro, paños, pliegues, sombra, mancha, pincelada (dar la última ~),
toque, matiz, matizar, mediatinta;

estudio: caballete, ~ de campo, bastidor, lienzo, tela, tablero, tabla, paleta,

maniquí, modelo (m., f.), posar, barniz, color, óleo, aguada, acuarela, temple,
pincel, brocha, pintor de brocha gorda, pintamonas, pintapuertas, obra de
brocha gorda.

INTRODUCCIÓN

El hombre prehistórico reproduce las formas de los animales que ve a su

alrededor y en las escenas de caza y de baile en que toma parte; pinturas llenas
de ingenuidad, pero no extentas de un cierto vigor, que con el nombre de

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"pinturas rupestres", constituyen el lejano origen del arte de la pintura. De los
antiguos asirios y caldeos no se tienen restos de decoración pictórica de
policromía; el esmalte de colores de los ladrillos adquirió entre ellos una
perfección asombrosa, y sus artífices esmaltadores sobresalían en los motivos
de ornamentación, combinando las figuras geométricas con motivos del reino
vegetal, género decorativo que posteriormente extendieron los árabes. Entre los
egipcios fue un arte auxiliar de la arquitectura y de la escultura con un absoluto
alejamiento de toda perspectiva. El color es admirable, brillantísimo; la línea, él
dibujo lo era todo y el color una cosa puramente сonvenсional.

En el Egeo (archpiélago del Mediterráneo comprendido entre Asia,

Macedonia y Grecia), se aprecia la importancia que en la iconografía tenían los
temas religiosos inspirados en la naturalеza. La técnica es la del fresco con los
muros alisados con finísima cal, y al realismo vivo y palpitante de esta pintura
se une la delicadeza de los colores y el sentido de la belleza, calificada por
algunos como maravillosa.

En la antigua Grecia, es un hecho que la escultura fue poliсromada; la

pintura sobre cerámica reviste gran importancia artística en sus variadas
manifestaciones de técnica, dibujo, temas y coloración. Se carece de obras
antiguas de pintura griega, por cuya razón solo pueden admirarse en la
cerámica, en la policromía estatuaria y en algunas reproducciones que hay entre
los frescos de Herculano, Pompeya y en los retratos funerarios de Faiúm
(Egipto). En el siglo V antes de J.С. aparecen esсenas de la vida сotidiana:
сасerías, banquetes, juegos, danzas y luchas сon los personajes vestidos
pomposamente сon las túniсas floreadas у оrladas сon suntuosidad.

La pintura, romana quedo, completamente helenizada, y si en algunos casos

los aspectos de la. decoración mural ofrecían algunas innovaciones., estas
tenían un carácter marcadamente arquiteсtóniсo pero, con todo, Roma crea en
la pintura el cuadro de historia., que por su carácter atrae el interés público.

En el arte bizantino el mosaico invade todo Вisancio en el siglo VI, y por

ello, se encuentran por doquier obras maestras de este arte. Prescindiendo del
mosaico, se limitó la pintura bizantina a la Ilustración de manuscritos con
miniaturas inspiradas en el arte heléniсо.

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 La pintura románica fue intensamente cultivada en el periodo carolingio en
la miniatura. por los monjes, y la normal y sobre tabla por los pintores laicos,
desarrollándose ambas paralelamente. En dicho período la pintura gana en
brillantez, pero a costa del dibujo cada vez más tosco y grosero; las caras de
las figuras apenas tienen expresión, y los paños con pliegues torpemente
caídos revisten una extraordinaria exornación de dudoso gusto.

A mediados del síglo XIII aparece en Italia Giotto (1266-1337), quien,

rompiendo la falsedad bizantina da expresión a sus figuras y energía a sus
сomposiciones. Es religioso, pero expresa con formas nuevas las esсenas
sagradas. Al principio del siglo XV se rompe esta tradición con Paulo Ucello,
para dar paso a la pintura que reproduce con verdad, así la Naturaleza como la
forma humana, dándole la exactitud anatómica, de perspectiva, de claroscuro
de que carecía la pintura de Giotto. Ya en pleno siglo XVI surgen Rosseli,
Вoticelli, Perugino, Pinturiссhio y Piero di Cosimo, en cuyas obras pictóricas
se revela un pensamiento libre y una personalidad propia en cada autor. La
escuela flamenca nace con Van Eyck, а quien se atribuye la pintura al óleo y
cuyos cuadros son una maravilla de dibujo y de color siguiéndole Van de
Weyden, su disсípulo, Van der Goes, Metzys, iniciador del cuadro de género,
Juan de Flandes, Bouts y Gerardo David, entre otros.

Los pintores del Renacimiento, y posteriores, que señalaron el apogeo del

arte pictórico en Italia fueron principalmente Leonardo de Vinci, Miguel Ángel
y Rafael de Urbino, Andrés de Sarto, Вronsino, Antonio Allegri (el Coreggio),
Giorgione, Tiziano, Tintoretto, el Veronés, Tiepolo... En Alemania, florecían
en el siglo XV las escuelas pictóricas de Augsburgo con Hans Hoibein, la de
Dresde con Lucas Cranach, y la de Nuremberg, con Alberto Durero. La
escuela flamenca floreció con Rubens, Van Dyck, y la holandesa con Frans
Hals, Rembrandt. En Francia aparecieron durante el siglo XVI los Clouet; en el
XVI I., Watteau. En España se formaron las escuelas: valenciana durante el
siglo XVI, con Vicente Masip (Juan de Juanes), al que siguieron los Ribaltа
(1551-1628) y José de Ribera ( 1588-Í656), llamado el Españoleto, la de
Toledo, representada por Domingo Theotocopulus (el Greco); la de Sevilla.,
fundada en 1450 por Juan Sanches de Castro y que llegó a su más alto grado de
esplendor con Velázquez, Murillo y Zurbarán; la de Madrid (instituida por
Вerruguete (1480-1561), en la que se formaron Sánchez Coello, Pantoja y

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Pareja, sucediéndoles Claudio Coello (1621-1693). El siglo XVIII se
caracteriza por su debilidad y amaneramiento, servil trasunto del gusto galante
que la fastuosa corte francesa imponía por toda Europa y que se conservaba
desmayadamente fiel a las dulzonas escenas consagradas por la maestría de
Watteau. La única, nación que se escapa a éste denominador común es
Inglaterra, que ve florecer en su suelo la técnica elegante y sobria de Hogarth,
Reinolds y Gainsborough.

El siglo XIX nace bajo el signo de renovación. El fugaz retorno a un frió y

falso ideal clásico no hizo más que aumentar el ímpetu de la reacción
romántica. Ya a principios del siglo, aparece en España, el alucinante Goya,
con su realismo despiadado y grotesco, que anticipa las técnicas impresionistas.
Mientras Inglaterra con Constable y Turner, se conserva fiel a su apacible
tradición paisajista, en Francia se desencadena, la. más profunda y dinámica
de las revoluciones artísticas. Se rompe con todos los cánones y se declara
guerra a muerte al academismo. Se suceden nombres gloriosos que afirman
con su pincel genial los caminos vírgenes de la inspiración liberada de trabas
Rosseau, Milley, Corot, Monet, Degas, Cesarnne, Gauguin, Van Gogh y otros
tantos que no se mencionan por no hacer una lista interminable. Esta corriente
modificadora, variada y cambiante, se prolonga hasta entrar triunfante en el
siglo XX, durante el cual todas las tendencias desde la clásica a .la abstracta
en las que caben todas las gamas imaginables, están permitidas. Pasan en
veloz desfile cubismo, dadaísmo, futurismo, surrealismo, y tantos otros
"ismos", siempre a la busca más o menos sincera, de recursos inéditos de
expresión. Entre las figuras más avanzadas del momento actual se citan los
españoles Picasso y Dalí, universalmente aceptados, aunque todavía inmersos
en el campo de la polémica. Movimiento muy interesante del presente siglo ha
sido el aportado por los países americanos, а сuyo frente se encuentra México
con los muralistas Оrоsсо, Rivera y Siqueiros que, con valentía poco usual,
plantean un nuevo concepto del arte y lo elevan a los más altos niveles de la
rebeldía y la protesta.

Ejercicio 1. Leer y traducir el texto.

Ejercicio 2. Hablar de una de las etapas del desarrollo de la pintura a

vuestro escoger, buscando datos complementarios y material gráfico
correspondiente.

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 MUSEO DEL PRADO

Lo más señero del hermoso Paseo del Prado es el célebre Museo que lleva
el mismo nombre Ocupa un noble edificio, de estilo neoclásico piedra y
ladrillo, gris y rosa , que se alza en uno de los lugares más bellos de Madrid, a
la sombra de San Jerónimo el Real. Velázquez a un costado, y Goya al otro,
montan guardia de honor desde el bronce de sus estatuas en las dos puertas,
hermanando en su inmortalidad artística. El pórtico que se abre al Paseo del
Prado es de estilo dórico, al igual que la fachada meridional, en tanto que la
fachada norte es de estilo jónico.

El edificio fue construido durante el reinado de Carlos III bajo la dirección

del arquitecto Juan de Villanueva y estaba destinado en principio a albergar el
Museo de Ciencias Naturales, a cuya circunstancia se debe la proximidad del
Jardín Botánico. Durante la guerra de Independencia sufrió grandes
desperfectos. Posteriormente Fernando VII y su esposa, Isabel de Вrаgаnzа,
tomaron la decisión de ceder a la nación la mayor parte de los tesoros artísticos
que se conservaban en los Palacios Reales, para ser destinados al Real Museo
de Pintura y Escultura, siendo inaugurado el edificio como tal el año 1819.

Posee una de las pinacotecas más importantes del mundo, tanto por lo que
respecta a la cantidad - cuenta en la actualidad con más de 3.000 cuadros y no
menos de 400 esculturas, como a la calidad de las obras. Gran número de
obras maestras de la pintura, universal se exhiben en el Museo del Prado.

La pintura española está soberbiamente representada, figurando Velázquez

con más de 50 obras; Ribera con otras tantas, Murillo con 40, el Greco con 33,
Goya con 114 cuadros, y 50 dibujos. La gran pintura universal figura también
con destacada presencia de Rubens (83 obras), de Breughel (40) de Tiziano
(36), el Veronés (14), del Bosco (6 cuadros y 60 dibujos), etc. Asimismo existe
una inapreciable colección de numerosos pintores primitivos de las más
diversas escuelas .

En dos pequeñas salas pueden contemplarse magníficas muestras de la

pintura románica, de las que destacan seis fragmentos de la decoración mural -
traspasada al lienzo - de la Ermita de San Baudilio de Casillas de Berlanga
(Soria) y la decoración mural del ábside de la Ermita de Santa Cruz de
Moderuelo (Segovia).

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 De la. pintura, gótica sobresale el retablo del Arzobispo don Sancho de
Rojas - de autor desconocido y el de la Virgen y San Francisco, obra del
maestro Nicolás Francés.

El visitante puede contemplar cuadros de fama universal, tales como "El

caballero de la mano en el pecho", "Cristo con la Cruz a cuestas", "La Venida
de Espíritu Santo" o "Bautismo de Cristo" de el Greco, "San Buenaventura,
recibiendo el hábito de San Francisco", de Herrera el Viejo; "Los trabajos de
Hércules" o "Santa Casilda" de Zurbarán; "La. rendición de Breda"
comunmente conocida por el título "Las Lanzas , "Las Meninas, "La. Fragua,
de Vulcano", "Los Borrachos" o el "El retrato ecuestre del Conde Duque de
Olivares"» de Velázquez, "La inmaculada Concepción", "El caballero de
golilla" o "Los Niños de la Concha" de Murillo o "La Virgen y el Niño
adorados por San Luis", "El Milagro del Pozo'', de Alonso Cano, "La maja
desnuda", "La maja vestida.", "La familia de Carlos IV" y "Los fusilamientos
de la Moncloa", de Goya.

Muchos otros pintores españoles podrían citarse de entre los que allí
figuran, pero la lista, resultaría prácticamente interminable.

También es muy importante el acervo escultórico del que destacan la

estatua ecuestre de Carlos II, bronce de Lorenzo Barnini, la de "Carlos V
dominando al Furor", de Pompeo Leóni y otras muchas más.

No puede olvidarse tampoco el llamado "Tesoro del Delfín”, compuesto

por joyas y diversos objetos de gran valor y extraordinaria belleza, herencia
que Felipe V recibió de su padre, Gran Delfín de Francia, igualmente salas con
importantes colecciones particulares cedidas al estado.

Ejercicio 1. Buscar en el texto todos los vocablos relativos a la arquitectura y

explicar su significado. Recordar los estilos arquitectonicos estudiados el año
pasado, las épocas históricas correspondientes y dar la opinion sobre la
relación que existe entre diferentes artes de una misma época.
Ejercicio 2. Determinar que significado tienen en el texto las siguientes
palabras y expresiones: inmortalidad artística, albergar el museo, tesoros
artísticos, pinacoteca, obra maestra, exhibirse en, pintura universal, cuadros y
dibujos, pintores primitivos, magníficas muestras, decoración mural, traspasar

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al lienzo, cuadros de fama universal, acervo escultórico, estatua ecuestre,
bronce.

Ejercicio 3. Traducir los nombres de los cuadros según nuestra norma

lingüística; buscar en el texto los nombres de los pintores, autores de estos
cuadros

La Venida del Espíritu Santo; San Buenaventura recibiendo el hábito de San

Francisco, La Fragua de Vulcano, Los Borrachos; La Virgen y el Niño
adorados por San Luis; El Milagro del Pozo, Los fusilamientos de la
Moncloa.

Ejercicio 4. Buscar en el texto y en el vocabulario los

equivalentes españoles para: шедевры живописи, великолепно
представлена испанская живопись, Веласкес представлен 50 полотнами,
бесценная коллекция древних художников, заалтарное украшение,
всемирно известные картины, "Портрет рыцаря с рукой на rруди", "Иисус
Христос с крестом", "Сдача Бреды", "Менины", "Портрет rерцоrа
Оливареса на коне", "Непорочное зачатие", "Дети с раковиной",
скульптурное достояние музея, картинная rалерея, rравюра, жанровая
живопись, натюрморт, художник—маринист, эскиз, фон, передний план,
светотень, полутон, мольберт, холст, палитра, натурщик, натурщица,
манекен, акварель, масло, темпера, пастель, кисть, делать набросок,
позировать.

Ejercicio 5. Buscar más nombres de cuadros de diferentes pintores en ruso y

en español y traducirlos de una lengua a la otra.

Ejercicio 6. Buscar en el texto los nombres de personalidades históricas,

hablar sobre ellas y las épocas en que vivieron, basándose en el curso de "La
civilización”(Страноведение).

PINTURA ESPAÑOLA

Ribalta fue el primero de la pléyade de artistas insignes que integran el

Siglo de Oro de la pintura, española, el que en realidad no dura sino poco mas
de media centuria. Exhibe un evidente inf'lujo de Caravaggio, lo mismo quе su
sucesor inmediato, Ribera. Este artista de robusto temperamento tiene una.
primera etapa, intensamente realista, de raíz popular y los cuadros de este

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periodo muestran una viva imagen del pueblo, captada con simpatía y
penetración. Racimos de pueb1o se amontonan y presentan con enérgicos
trazos. Todos los tipos de la calle están expuestos con plena, desnudez de
rasgos, carácter y sicología. Pero al mismo tiempo Ribera, expone en un
cautivante arquetipo, "El Pati zambo", toda la punzante humanidad popular,
sobrellevando su triste destino con inalterable bondad y resignado buen humor.
Esta, manera, de expresar con simpatía y compasión el dolor de los seres
inocentes, injustamente tenidos por inferiores, marginados y objeto de burla,
por medio de la representación de personas deformes y lisiadas, constituye un
recurso a que apelan ocasionalmente los artistas hispanos, entre otros el propio
Velazquez. También Murillo se sentirá atraído por los pillos y el populacho
callejero. Se trata a todas luces de una versión pictórica de la literatura
picaresca, entonces en plena sazón.

Mas, la Contrarreforma. impuso una tendencia contraria, al realismo. Asi,

por ejemplo, las Ascensiones, Asunciones e Inmaculadas de Ribera y Murillo
adquirirán rostros idealizados, derivando hacia una estilización abstracta cada
vez más carente de la vida, real, hasta alcanzar en Murillo una dulzoneria
empalagosa. Por eso la pintura de la época fluctúa entre el realismo y el
idealismo.

Zurbaran fue un campesino extremeño que vistió el hábito dominico. Su

pintura refleja cabalmente el origen del autor y el sentir y el pensar de la orden
a que perteneció. Predominan los monjes. Al revés de la de los jesuítas, es
estática y contemplativa; y la. composición bien trabada, firme e inmóvil
común silogismo de Santo Tomás. Está, impregnada del éspiritu monástico
que aún perduraba en su orden, la cual condenaba las innovaciones y las
simplificaciones por razones prácticas, preconizadas por, los jesuítas. Además
conservó cierta rudeza y un sencillo naturalismo campesino, cuando lo
permitía el tema, hasta la última fase, en la que se resintió el influjo de la
Contrarreforma.

Velázquez constituye un caso aparte. Refugiado en el palacio real con la

amistad la protección de Felipe IV, monarca sensible al arte, pudo dar
rienda, suelta a su genio excepcional. Poco religioso., según se desprende
de sus obras, no le conmovieron ni el patetismo, ni las cruzadas de la
Contrarreforma. En el primer período, en el que se advierte la influencia de

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Caravaggio, tuvo veleidades dionisiacas, como demuestra su cuadro "Los
Borrachos". Después de pasar por las escuelas flamenca y de Rubens, su
pintura se apropia del rico cromatismo y la soltura de los venecianos. El artista
se convierte en el acucioso cronista de la Corte, en el penetrante y sereno
observador que con un lenguaje pictórico jugoso, rico, cálido, certero, suelto y
por momentos ameno, deja uno de los testimonios de mas alta calidad humana
y más valiosos de la historia.

No sabemos si colocar a Goya en el siglo XVIII o el XIX. De hecho, está, a

horcajadas entre ambas centurias. La mayor parte de su vida transcurrió en la.
primera y en muchos respectos pertenece a ella. Pero su carácter es tan
rebelde, su contenido tan revolucionario y su pintura tan cargada de
innovaciones que desde el punto de vista artístico le correspondería el siglo
XIX, sobre cuya pintura ejerció un influjo decisivo decisivo, a pesar de ciertos
"resabios del setecientos francés. Fruto ideológico del racionalismo de
fisiócratas y enciclopedistas, se adhirió a la Revolución Francesa y tuvo la
clarividencia de comprender el contenido revolucionario del regimen de José I,
impuesto a España por Napoleón. El cuadro con el globo de Mongolfier, cuyo
vuelo había asombrado al mundo de entonces, lo revela como un progresista, al
paso que aun hoy en día son pocos los que se atreven a pintar un avion.

Fue rebelde toda su vida por convicción, pero también

temperamentalmente, por lo que debe ser considerado un romántico.

Su arte es una critica punzante y atrevid del régimen entre Carlos III y
Fernando VII, que en España se esforzaba por sobrevivirse a si mismo, con
desmesuradas distancias clasistas, una estructura, feudal caduca., una
administración inepta y corrupta basada en favoritismos familiares y nutrida,
роr impuestos aplastantes e irracionales, una economía inadecuada, un clero
que sumía la población en una crasa ignorancia y un pueblo consumido por la.
miseria. Pero todas estas condiciones de por si no valdrían nada si no las
аcompanara la gracia. Y la gracia le brota a borbotones, retozona y pimentada,
a Goya. Su sátira chispeante no se detiene ni apaga, ante ninguna jerarquía, y
lo mismo se burla de la majestad reinante pero vulgar de Carlos IV que de las
más empingorotadas damas de la Corte, de petimetres y lechuguinos, Al
propio tiempo se recrea con el jolgorio de la España popular y el espectáculo
taurino, a la vez que denuncia el horror de la miseria y el sumidero moral e

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intelectual del oscurantismo. Se ha dicho que es el Quevedo de la pintura, pero
un Quevedo sin la hiel aunque más poderoso en su demoledora burla, y
penetración sicológica. Como si esto no fuese suficiente, es un artista
revolucionario desde el punto de vista pictorico también. Sus innovaciones en
el fraccionamiento de los colores y la atmósfera luminosa habrían de repercutir
en escuelas ulteriores, del siglo XIX, sobre todo en el impresionismo. Relevó
asimismo las calidades cromáticas del blanco y negro, recogidas luego por
Gericault. Su empleo del grabado como vehículo de las ideas fue secundado
por el impar Daumier.

Ejercicio 6. Determinar qие significado tienen en el texto las siguientes

palabras y expresiones:

Siglo de Oro de la pintura española, centuria, robusto temperamento,

enérgicos trazos., tipos de la calle, punzante humanidad popular, ser un
marginado, sentirse atraído por los pillos y el populacho, versión pictórica de la
literatura. picaresca, Contrarrefoma, imponer una. tendencia contraria al
realismo, Ascensión, Asunción, Inmaculada, hábito dominico, orden (f) de
jesuítas, derivar hacia una estilización abstracta, veleidades dionisíacas , rico
cromatismo, estar a horcajadas entre, pintura cargada de innovaciones, ejercer
un influjo decisivo, desmesuradas distancias clasistas, favoritismo fаmiliar,
espectáculo taurino, sumidero moral e intelectual del obscurantismo, ser un
Quevedo de la pintura, atmósfera luminosa.

Ejercicio 7. Buscar en el texto los equivalentes españoles

para:

Плеяда выдающихся художников, обнаруживать влияние кого-либо;

изображать уродливых или увечных людей; прием., к которому
прибеrают испанские художники; далекий от реальной жизни; излишняя
слащавость; колебаться между реализмом и идеализмом; полностью
раскрыть свой исключительный талант; сочный живописный язык; иметь
дар ясновидения; острая и смелая критика; остроумие бьёт ключом;
искрометная сатира; обличать ужас нищеты; новые способы разложения
цвета; выиrрышно использовать хроматические свойства белоrо и черноrо
цвета.

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 Ejercicio 8. Hablar de la importancia del Siglo de Oro español
para la pintura y cultura mundiales.

Ejercicio 9. Destacar lo característico de cada una de las etapas

del desarrollo de la. pintura Española, valiéndose del texto y del
material gráfico correspondiente.

Ejercicio 10. Preparar un informe sobre la trayectoria artística de

uno de los pintores, mencionados en el texto o de algún otro
pintor a vuestro escoger.

VELÁZQUEZ: “LAS HILANDERAS”

Oleo sobre lienzo, 1657.
Esta pintura que se conoce como “La tapicería de Santa Isabel”,
recientemente ha sido referida al Mito de Aracne. Representa la competicion de
Palas Atenea, diosa de las artes, y la joven Aracne, habilísima en las artes
textiles. Envanecida Aracne, cuando para celebrar la belleza de sus labores
decian que la propia diosa le habia ensenado su arte, se encrespaba y segun el
texto de las “Metamorfosis” de Ovidio, respondia: “Venga Palas aquí, si tanto
como presume sabe, y contienda conmigo que no me tengo en menos que ella”.
La diosa metamorfoseada de vieja aconseja a la envanecida joven que pida
perdon a Palas, que como es buena se lo concederá. Ante su negativa Palas
recobra su aspecto divino y acepta la competición. Figura en el tapiz una
historia glorificadora de su padre Zeus, mientras Aracne presenta su aventura
amorosa cuando transformado en un blanco toro rapta a Europa. Profunda-
mente dolida la diosa por la ofensa, inferida a su padre, ataca violentamente a
la irrespetuosa Aracne, que desesperada se hubiese ahorcado si Palas, en el
último momento no lo impidiera, metamorfoseándola en araña y condenándola,
a tejer eternamente.

En el primer plano una vieja, tal vez Palas, y una joven, tal vez Aracne, y en
caso contrario, obreras al sevicio de Aracne. Al fondo, a la izquierda, Palas con
cásco y escudo, con el brazo en alto, y frente a ella Aracne. Al fondo, el tapiz
con el rapto de Europa, en el que Velázquez copia el cuadro de Tiziano del que
se conserva, en el Prado la copia hecha por Rubens.

16
 Hasta que recientemente se identifico el tema se consideró cuadro
inspirado simplemente en la realidad, al contemplar el pintor unas hilanderas
trabajar en la fábrica madrilena de Santa Isabel.

Gracias al pleno dominio de la perspectiva aérea que tiene Velázquez al

final de su vida, el cuadro produce, en efecto, la impresión de la r еlidad
misma y lo explica la denominación de "Las Hilanderas" que se le ha venido
dando durante cerca de dos siglos.

Ejercicio 11. Describir: a) el cuadro de Velázquez " Las

Hilanderas", empleando las palabras y expresiones subrayadas y el
material gráfico correspondiente; b) algún otro cuadro siguiendo la
misma metodoloía.

Ejercicio 12. Traducir al español:

Картина Диеrо Веласкеса "Завтрак", находящаяся в Эрмитаже,

являeтся замечатeльным образцом испанской реалистической живописи
начала XVII в. Даны живые яркие типы, Спокойному достоинству старика
противопоставлено молодое веселье юношей. Мальчик, смеясь, поднял
бутыль с вином, как бы приrлашая дополнить стоящий стакан. Еrо
детское лицо, очерченое извилистой линией контура, полно оживления,
искорки смеха rорят в лукавых rлазах. Лицо юноши полно суровой
выразительности, прекрасно передающей национальный тип. Жестом
руки он, по-видимому, выражает одобрение приглашению брата. Смуглое
лицо старика передано более мяrко и живописно. Большими мазками
проработаны отдельные пряди волос, падающие на высокий, избо-
рожденный морщинами лоб. Спокойно и внимательно смотрят старческие
добрые rлаза. С большим мастерством и знанием натуры переданы
складки скатерти, ручка ножа, спелые rранаты. Проста и лаконична
композиция. Покоряет rармония в передаче цвета, доминируют
золотистые и темно-зеленые тона, Картина потускнела от времени,
написана на темном фоне в манере караваджнзма, натуралистической
школы Италии, увлечению которой отдал дань Веласкес.

RETRATO

17
 Soldevilla, a continuación de su saludo, aturdió al maestro con un
desmesurado elogio. Estaba admirando el retrato de la condesa de Alberca.
- Una maravilla, maestro. Lo mejor que ha pintado usted. . . y eso que está a
medio hacer.
Este elogio conmovió a Renovales. Se levantó para apartar de un empujón
el biombo, y arrastro el caballete que sostenia un gran lienzo hasta colocarlo
frente a la luz que penetraba por el ventanal de cristales.
Sobre un fondo gris, erguíase, сon la majestad de 1a belleza habituada a la
admiración, una dama vestida de blanco.
El "esprit" de plumas y brillantes parecía temblar sobre sus risos de un rubio
leonado: el pecho marcaba el arranque de las redondeces de sus montículos
entre las blondas del escote; las manos, enguantadas hasta mas arriba del codo,
sostenían: una, un rico abanico, y otra una. capa oscura forrada de raso color de
fuego, que se deslizaba de sus hombros desnudos próxima a caer. La parte baja
de la figura estaba indicada solamente роr trazos de carbón sobre la blancura
del 1ienzo.
La cabeza, casi terminada, parecía mirar a los tres hombres con sus
ojos orgullosos, pero de una falsa frialdad, delatando detrás de su pupila
apasionamientos ocultos, un volcán muerto que resucitaba a sus horas.
Era una mujer alta, esbelta, de adorables y justas carnosidades, que parecía
sostenerse en el esplendor de una segunda juventud con la higiene y las
comodidades de su elevada posición. Los extremos de sus ojos estaban
achicados con pliegue de fatiga.
Cotoner la contemplaba desde su asiento con una.calma, de hombre casto,
comentando la belleza, tranquilamente, sintiendose al cubierto de toda
tentacion.
Es ella, 1a has сlavado, Mariano. Ella misma…! Ha sido una gran
mujer!
Renovales pareció ofendido por este comentario.
- Lo es - dijo con cierta hostilidad -. Lo es todavía.
Blasco Ibáñez V. " La maja desnuda "

Ejercicio 13. Hacer un comentario al texto, hablando del ideal artístico y

moral de la época en cuestión ayudado por las palabras y expresiones
subrayadas.

18
 Ejercicio 14. Traducir al español:

Вот перед нами "Портрет рыцаря с рукой на rруди" и "Мужской

портрет" Эль Греко — произведения, раскрывающие полноту чувств
человека, блаrородство натуры. Трудно найти, лучшие примеры
блистательного начала истории испанскоrо портрета.

Портрет рыцаря с. рукой на груди темен, лишь лицо и рука светятся в

обрамлении застывшей пены жемчужных брызr жабо. Задумчиво лицо
философа, лицо благородноrо рыцаря, ступившеrо на путь чести и долrа.
Рука клятвенно прижата к rруди — символ верности долrу, совести,
таланту. В портрете искусствоведы видят самого художника, каким он
приехал с Крита в Толедо, и еще не стал знаменитым.

"Мужской портрет" можно считать символом эпохи падения веры в

человека, времени сурового самoанализа. Человек на портрете похож на
доктора, который отчаялся исцелить всех больных. Впалые щеки,
обозначившиеся морщины. Неrустая, как-то жалостливо изоrнувшаяся
бородка заиндевела сединой. Умный и rрустный человек на портрете по
мнению отдельных искусствоведов, напоминает современника Эль Греко
– Сервантеса.

TEXTOS COMPLEMENTARIOS

Texto 1.

TRES CUADROS DEL VINO

( Tiziano, Poussin y Velázuez)

J. Ortega y Gasset

Escultura, pintura y música, qiste parecen artes tan ricas, viven, en realidad,
sometidas a girar dentro de un -zodiaco de temas eternos. Los artistas geniales
no amplían el haber tradicional de asuntos y motivos; el hombre que muere, la
mujer que ama, la madre que sufre, etc.; antes al contrario, manifiestan su
vigor estético, limpiando aquellos temas de la costra baladí y grosera
que sobre ellos han ido depositando los malos artistas, y volviendo a
ponerse delante en su originalidad y simplicidad.

19
 Las gentes fíivolas piensan que el progreso humano consiste en un aumento
cuantificaivo de las cosas y de las ideas. No, no: el progreso verdadero es la
creciente intensidad con que percibimos media docena de misterios; cardinales
que en la penumbra, de la historia laten convulsos como perennes corazones.
Cada siglo, al llegar, trae apercibida una sensibilidad peciliar para algunos de
estos grandes problemas, dejando a los otros como olvidados o acercándose a
ellos toscamente.

Роr esto, aquellos temas primarios del arte pueden servir como
confesionarios de la historia. Al enfrentarse con ellos cada época y ensayar su
inerpretación declara las últimas disposiciones, la contextura radical del ánimo.
Y eligiendo un tema, persiguiendo las variaciones que en la Historia del Arte
han sufrido, vemos dibujarse la fisinomía moral de las edades, que vienen y
pasan vertiginosas con una virtud que les da vida y una limitación que les va
matando a modo de un asta, que llevan hincada en el flanco.

Un problema cósmico es el vino. ¿Os reís de que me раrezca а el vino un

problema, cósmico? Mo es extraño; pero esas sonrisas me dan la razón. Es un
problema tan grave el del vino, tan verdaderamente cósmico, que nuestra
época, no ha podido pasar junto a él sin darle su atención y resolviéndolo a su
manera. Sí nuestra época ha tomado también posición ante el problema del
vino, una posición higiénica. Ligas, legislaciones, impuestos, trabajos de
laboratorio... ¿ Cuánta actividad y preocupación no va hoy incluida en esta
palabra: alcoholismo?

Pero no seamos pretenciosos: nuestra interpretación del vino es una entre

muchas posibles, y es de todas, la más joven. Antes, mucho antes de que el
vino fuera, un problema administrativo, fue el vino un dios.

Nosotros tenemos el mundo metido en cajones; somos animales

clasificadores. Cada cajón es una ciencia, y en él hemos arrojado un montón de
esquirlas de la realidad que hemos arrancado a la ingente cantera material: la
Naturaleza.Y así en pequeños montones, reunidos por coincidencias,
caprichosas tal vez, poseeemos los escombros de la vida. Para lograr este tesoro
exánime tuvimos que desarticular la Naturaleza originaria, tuvimos que
matarla.

20
 El hombre antiguo, por el contrario, tenía delante de si el cosmos vivo,
articulado y sin escisiones. La clasificación principal que parte el mundo en
cosas materiales y cosas espirituales no existia para él. Dondequiera que miraba
veía sólo manifestaciones de poderes elementales,, torrentes de energías
específicas creadoras y destructoras de los fenómenos. El fluir del agua no era
un rodar de gotas sobre gotas: era una manera de vivir peculiar a las
divinidades fluviales. Pues bien: en aquel mundo de una pieza se presentaba el
vino como un poder elemental. Los granos de uva parecen tumorcitos de luz:
mantienen condensada una fuersa extrañísima que de apodera de hombres y
animales y los conduce a una existencia mejor. El vino da brillantez a las
campiñas, exalta los corazones, enciende las pupilas y ensena a los pies la
danza. El vino es un dios sabio, fecundo y danzarín. Dionysos, Baco, son un
rumor de la fiesta perpetua que cruza, como un viento caliente las hondas
selvas vivas.

LA "BACANAL" DE TIZIANO

No creo que haya en el mundo un cuadro tan optimista como este. Es un

rellano que se hace junto a la ladera de un montillo. Unos arboles amenizan el
lugar; tras ellos un mar de color ultramarino, de aguas densas e inmóviles. Una
nave lente, se desiliza.

El cielo, de azul intenso, con una nube blanca en medio., es el personaje

principal: en el se destacan los árbo es, el montículo, brazos y cabezas de
algunas figuras, y cuanto de él es tocado queda libre de las penalidades
materiales,.

Hombres y mujeres has escogido este apacible rincón del universo para
gozar de la existencia: son unos hombres y unas mujeres que beben, ríen,
hablan, danzan, se acarician y duermen. Todas las funciones biológicas parecen
aquí dignificadas y con idénticos derechos. En medio casi del cuadro, un niño
alza su camisilla y realiza sus menesteres menores.

En el vértice de la loma, un viejo desnudo torta un baño del sol, y en

primer termino, a la derecha, Ariadna, desnuda y blanca, se despereza
dormida. Este cuadro podría llamarse, de otra manera más expresiva, podría
llamarse lo que es en verdad: el triunfo del momento.

21
 Estas gantes viven en una. сiudad y allí padecen los tormentos de la
existencia concreta, tienen ambiciones insaciables, sufren privaciones,
desconfían mutuamente de si, les acongoja el sentimiento de la propia
limitación y se miran con ojos torvos los unos a los otras. Pero un día van al
campo: es blanda la brisa, el sol dora el polvillo atmosférico y pone azules
sombras bajo las ramas frondosas. En esto alguien trae algunas ánforas y unos
bocales y unas jarritas de plata y oro labradas delicadamente. Dentro de estos
recipientes brilla el vino. Beben. La tensión histérica de los ánimos cede, las
pupilas van poniéndose incandescentes, las fantasías se incorporan en las
celdillas crebrales. La verdad es que la vida, no es tan adversa, condición, que
los cuerpos humanos son bellos sobre un fondo campestre de oro y azul, que
las almas son nobles, agradecidas y aptas para comprendernos y replicarnos.
Beben. Parece como si dedos invisibles tejieran nuestro ser con la tierra, el mar,
el aire, el cielo; como si el mundo mas bien fuera, un tapiz y nosotros figuras
en ese tapizy los-hilos que forman nuestro pecho siguieran más allá, de éste y
fueran los mismos que hacen la materia aquella nube radiante. Bien. ¿Qué
tiempo llevan aquí?

Vagamente recuerdan que hay una ciudad y que hay dolores y que hay
cambios, desapariciones y fenecimientos. Les parece que llevan aquí siglos y
que eternamente permanecerán aquí y que eternamente un rayo solar hariría el
anca de este jarro argentino sembrador de destellos. Como un objeto de
elasticidad ilimitada, el momento se ha ido estirando y alcanza de un lado y de
otro los vagos confines de tiempo. Esta voluntad de eterna perduración que
yace en el fondo de toda hora de placer ha servido a Nistsche para distinguir los
valores verdaderos , las nuevas tablas de lo bueno y lo malo.

Estas gentes que beben se han ido desnudando para sentir la caricia de los
elementos sobre la piel tibia, tal vez por un secreto ímpetu y deseo de fundirse
más con la Naturaleza. Y a poco más que escancian advierten con rara
clarividencia, patentes ante su percepción, los últimos secretos del cosmos, los
módulos creadores de todas las cosas. Estas gentes no han sido iniciadas en el
misterio rítmico del universo por una externa erudición; el viпо, que era un
dios sabio ,les ha dado, empero, una momentánea intuición del máxima
secreto. No se trata de unos conceptos que haya introducido en sus cerebros: al
contrario, el vino ha realizado la inmersión de estos cuerpos dentro de la

22
razón -fluida en que va fluctuando el mundo. Y así llega un minuto en que los
movimientos de sus brazos, torsos y piernas se hacen también rítmicos, en
que los músculos no sólo se mueven, sino que se mueven al compás. El
compás es una oculta lógica que yace en el músculo: el vino, la potencia, y
hace del movimiento danza.

LA "BACANAL" DE POUSSIN

Es que el vino, según Tíziano, lleva la pura materia orgánica

a una potencia espiritual. Aquí tenemos, en este cuadro espléndido,
declarada con motivo de unos hombres que se solazan en torno a unas ánforas
de vino, la filosofía del Renacimiento. La Edad Media nos habla del espíritu
como enemigo y contradictor de la materia. Matando ésta, crece aquél, la vida
es una guerra que mueve el alma al cuerpo, la táctica es el ascetismo.

Pero el Renacimiento siente de otra manera la incógnita de la existencia» Se

resiste, se niega a esta dualidad pesimista. No, el mundo es uno: no es sólo
materia grosera, ni sólo imaginaria espiritualidad. Lo que llamáis materia puede
alcanzar una vibración rítmica y esto es lo que llamáis espíritu. El músculo
llega por si mismo, lo sumo favorecido por el vino, a la danza, la garganta, al
canto, el corazón al amor, los labios a la sonrisa, el cerebro a la idea.

Podemos, pues, arribar a una fórmula que nos fije, el sentido de la

"Bacanal" tizianesca: es el punto de indiferencia, entre el hombre, la bestia y el
dios. Sus personajes son de carne y hueso; por mera intensificación de sus
energías naturales, es decir, bestales, llega a la unión esencial con el cosmos, a
la intuición infinita, al absoluto optimismo que era el patrimonop de la supuesta
divinidad.

Comparemos brevemente con la de Tiziano la de Poussin.

El cuadro es una ruina de un cuadro. Imposible que la fotografía ni un

grabado den una idea de él. En una sala apenas visitada del Museo prolonga su
fatal agonía.

Los tonos rojos, simplicísimos, con que Poussin labraba sus figuras han sido
absorbidas por la fiera luz real que sobre ellos secularmente ha ido operando.
Los tonos fríos, azules fundidos con negro, se han empastado. Como ante el
lienzo de Tiziano reímos, este lienzo físicamente maltrecho nos invita a la

23
elegía, a meditar sobre lo fugitivo de todo splendor, sobre el acabamiento y la
cruel misión del tiempo, gran roedor.

Sin embargo., lo que nos cuenta F'oussin es, si cabe, más alegre que la
anécdota, nos presenta algo esencialmente momentáneo. No podemos menos
de advertir el esfuerzo de la materia para ascender un instante, empujada por el
vino, a las finas vibraciones espirituales; no podemos menos de presentir que
todo concluirá, en un inmenso cansancio, en carnes ajadas, en músculos lacios,
en mal sabor de boca.

Los personajes de Poussin no son hombres, son dioses, faunos, silenos,

ninfas y sá iros que аcompañan por el bosque eternamente la rauda aventura de
Васо у Ariadna. El elemento realista, humano, sólo humano, de Tiziano, falta
aquí. No por defecto, no por error u olvido, sino formalmente. F'oussin pinta
cuando ha pasado el Renacimiento como pasa una bacanal humana. Vive
precisamente en el día que sigue a la orgia tizianesca. Llora de cansancio y
desánimo. Las promesas optimistas de Renacimiento no se han cumplido, la
existencia es áspera y extenta de poesía, la vida, se va estrechando. Los pueblos
del Occidente se entregan al misticismo o al racionalismo.

Poussín es un romántico de la mitilogia clásica. Dentro de un espacio irreal

hace pasar el cortejo armonioso de unos seres ivinos, dotados de un reír
inextinguible, que beben sin emborracharse, para quienes la bacanal no es una
fiesta, sino la vida normal.

"LOS BORRACHOS" DE VELÁZQUEZ

La belleza, y la ventura son atribuciones de los dioses — nos sugiere

Poussín — no de los hombres» La alegría que describe en sus cuadros produce
en nosotros una reacción amarga, porque nos sentimos excluidos de ella. La
realidad es laboriosa y lugar de dolor, la felicidad es irreal como estos dioses y
estas ninfas.

Y he aquí que nuestro Velázquez reúne unos cuantos ganapanes, unos

pícaros, hez de la ciudad, sucios, ladinos e inertes. Y les dice: venid, que vamos
a burlarnos de los dioses.

En medio de la viña desnuda a un mosancón rollizo, de carne linfática, y le

pone unas hojas de vid en torno de la cabeza. Este será. Baco. Y agrupa a los

24
demás en torno de una jarra y les hace beber hasta que los hojos se hinchen
estúpidamente y las mejillas se contraen en un necio gesto de risa.

Esto es todo. La bacanal desciende a borrachera. Baco es una mixtificación.

No hay más que lo que se ve y se palpa. No hay dioses.

El estado de espíritu que esto revela, la burla de toda la mitoligía que,

como es sabido, aparece a lo largo de la obra de Velázquez - recuérdese
"Mercurio y Argos", "El dios Marte" tiene, sin duda, grandeza. Es una
valiente aceptación del materialismo, un desafío al cosmos, un soberbio
"malgre tout". ¿Pero es justificado? ¿No es el realismo una limitación?

Porque vengamos a cuentas: ¿Qué cosa son los dioses? ¿Qué han
simbolizado los hombres en los dioses'? El tema es grave y difícil y forjándolo
podríamos decir: los dioses son el sentido superior que las cosas poseen si se
las mira en conexión unas con otras. Así Marte es lo mejor de la. guerra: la
gallardía, la entereza, la reciedad del cuerpo. Baco es lo major de la
sobreexcitación, el ímpetu , el amor а los campos y a los animals, la profunda
hermandad de todos los seres vivos, los bienhadados placeres que a la misera
humanidad, ofrece la fantasía. Los dioses son lo mejor de nosotros mismos, que
una vez aislado de lo vulgar y peor toma una aparienсia personal.

Decir que no hay dioses es decir que las cosas no tienen, además de su
constitución material, el aroma, el nimbo de una significación ideal, de un
sentido. Es decirque la vida no tiene sentido, que las cosas carecen de
conexión. Tiziano y Poussin son, cada cual a su modo, temperamentos ,
relogiosos; sienten lo que Goethe sentía: devoción a la Naturaleza. Y
Velázquez es un gigante ateo, un colosal impío. Con su pincel arroja a dioses
como a escobazos. En su Bacanal no sólo no hay un Baco, sino que hay un
sinvergüenza, representando a Baco.

Es nuestro pintor. Ha preparado el camino para nuestra edad extenta de

dioses, edad administrativa en que en vez de Dionisos hablamos del
alcoholismo.

PABLO RUIZ PICASSO

El famoso creador de "Guernica", uno de los artistas más celebres de la

península Ibérica del siglo XX, Pablo Ruiz Picasso , nació e n 1881.

25
 Exсepecional mente dotado, de niño se sintió atraído por el arte lo que
apoyó al punto su. padre que era profesor de dibujo y quien, al parecer, no
vaciló en marginar su propia pintura para entregarse a la formación del hijo.
Recibido Pablo Picasso en la escuela de bellas artes de Barcelona entró
igualmente en los cursos superiores de la Academia de San Fernando de
Madrid. Sin embargo, el carácter tradicionalista de los cursos no tardó en
cansar al joven más bien interesado por el trabajo independiente y el contacto
directo, en frecuentes visitas al Museo del Prado con las obras de maestros
antiguos al objeto de captar su sentido profundo.

Decepcionado, Picasso regresó a Barcelona donde empesaría a frecuentar

la juventud intelectual que se reunía en "Els Gats", cervecería literaria fundada
por Pepe Romeu. Se amplió el círculo de sus amistades., congeniando
especialmente con Jaime Sabartes, quien mas tarde, durante muchos años había
de desarrollar cerca de él funciones de secretario y biógrafo y quien tuvo un
papel fundamental en la génesis del Museo Picasso en Barcelona. También fue
determinante para Picasso el encuentro con algunos representantes de la
vanguaidia artístíca catalana tales como Monell, Ruisinol, Miguel Utrillo y
otros. De ellos Picasso recibió una aportación de una cultura varia y compleja.
Las tendencias populistas conoсidas sobre todo a través de los dibujos de
Stenlein. el gusito decorativo de los sombolistas nórdicos, la punzante
caracteristica expresiva de Toulouse Lautrec e incluso los refinados estilsmos
de las estampas japonesas fueron los términos nuevos que sucesivamente se
insinuaron en la multiforme obra de Picasso. Ésta, por lo demás, se interesaba
por la experimentación de ténicas diversas, desde el grabado al aguafuerte y a
la escultura. Durante sus viajes a Paris Picasso tuvo la ocasión de profundizar
el conocimiento del lenguaje postimpresionista intuyendo las posibilidades
implícitas de superación de la escritura del claroscuro académico en una
síntesis de forma y color: en 1901 pintara con técnica aún parcialmente
puntillasta, la "Nana" del Museo Picasso de Вarcelona.

Después se mueve en sentido expresionista hacia las experiencias

figurativas de Gaugin y de Van Gogh, hacia la búsqueda de los "fauves", de
quienes adquiere la furiosa expresividad cromática de algunos ensayos inicales,
y sobre todo hacia la inmediatez lograda por el ágil trazado de las lineas, con

26
que se expresa el mensaje plástico de Toulouse-Lautrec que le sugiere la
amblentación de muchos de sus temas.

Con la iniciación del llamado "período azul" en 1901, Picasso elaboró un

estilo personalísimo. Reaccionando ante el arte puramente visual de los
impresionistas tendía a la conquista de la forma construiendo las imágenes en
unos bloques plásticos, modelados en uniformes tonalidades azules sobre
fondos indefinidos. Atraído por una temática de inspiración populista, que
rechaza cualquier interés no conectado con los valores humanos, Picasso
expresa una humanidad doliente emblemática de una trágica condición
existencia!. Nacen entonces las figuras de los viejos y pobres así como las
parejas privadas de toda alegría, aisladas en una dimensión extraespacial por
el lenguaje descarnado de las lineas, cuyo ritmo melancólico y grave se
colorea con una fría policromía azul .

Dntro de la temática de este período están : "La vida'', "Celestina", "El

viejo guitarrista ciego", "La planchadora".

En 19О4 tiene efecto su traslado definitivo a Paris que cambia su actitud

respecto a la realidad y anima su transformación estilíca.

Picasso define unas figuras menos ásperas, construidas con mayor solidez y
plástica sobre las que juegan sutiles matices de luces y colores. En su obra se
verifica el enriquecimiento de la gama cromática, en la que hallan cabida
nuevas tonalidades claras. Se inicia así el "periodo rosa", poblado de personajes
de circo y de los teatrillos ambulantes. Llos lienzos de esta época presentan
predominantemente un tono rasado, color de carne. Aparece la obra más
significativa de este período, "Los volatineros", cuya extraordinaria armonía,
compositiva se pondera en la luminosidad de la atmosfera mediante una facturа
cromátiсa sin espesores.

El paso del período rosa al cubismo se desarrolla paulatinamente. A partir

de 1906 el pintor no trata de revelar las cualidades psicológicas de sus
personajes. Su interés es el de transponer a la pintura el volumen escultórico,

De 1906-1907 datan las primeras telas cubistas de Picasso, elaboradas bajo

la influencia de las esculturas negras (las "Demoiselles d'Avignon " ) .

27
 De 191O а 1914, su cubismo se hace cada ves más abstracto y su color mas
desnudo: es la época, del "cubismo analítico". En 1912 aparece el uso del papel
pegado de la arena, de los materiales y objetos diversos sobre los liensos
("Nuestro porvenir esta en el agua").

Durante la guerra de 1914—1918 tiende hacia un cierto naturalismo,

frecuenta la troupe de los ballets rusos para los cuales pinta decorados.

El ano 1922 inaugura el período llamado "Pintiguo",' durante el cual

Picasso pinta, grandes desnudos inspirados en la escultura griega. Desde
entonces los cuadros realistas alternan con obras puramente abstractas.

La obra de Picasso ofrece una variedad asombrosa. Y sin embargo en esta

diversidad que va desde el clasicismo de su juventud hasta el surrealismo,
puede uno preguntarse: ¿Dónde está el verdadero Picasso? Su temperamento
propio esta conténido en esta inquietud y en ese desequilibrio pictórico que
son los que lanzan a Picasso en persecución del equilibrio. En su obrа ofrece a
la vez una complejidad y una evolución lógica que muestran la permanencia de
la combinación de las dos ideas generadoras del arte español de todos los
tiempos: el realismo y el idealismo, es decir, lo concreto y lo abstracto.
Dominaba muchas técnicas, además de las obras pictóricas creó grabados,
litografías.

Pablo Picasso llenó su época de colores, formas, hallazgos, audacias y con

toda su personalidad vital. Fue sin duda. el pintor más importante , fecundo y
célebre de su tiempo, y probablemente el inventor de formas más prodigioso de
todos.

MÚSICA

LÉXICO
Música clásica
Pauta/f/, pentagrama/m/, nota /do, re, mi, fa, sol, la, si, notas: 1 redonda = 2
blancas = 4 negras = 8 corcheas = 16 semicorcheas = 32 fusas = 64 semifusas;
clave de sol, de bajo/de fa/, gama/f/, octava, intervalo, sinfonía / s. coral, S. en
Mi mayor de Wagner, S. N5 de Schubert, La Novena s. de Beethoven/,
Concierto /c. para oboe y orquesta en La mayor, c. para violín y orquesta en La

28
menor, variación / v. sobre un tema de Flauta Mágica/, Suite /s. para orquesta
N3/, preludio, sonata, sonatina, oratorio, rapsodia, intermezzo, opera, obertura.,
aria, solo, dúo, trío, cuarteto, quinteto, sexteto, septeto, coro, orquesta,
músico /m. de formación clásica /, cantante /soprano, contralto, tenor, barítono,
bajo, contrabajo ( ⃰ )
( ⃰ ) - инструмент и контрабасист + бас-профундо: голос и певец/

corista, solista, violinista, pianista, trompetista, flautista, organista,

percusionista, violonchelista, obras instrumentales de corte clásico / moderno /,
música / de cámara, instrumental, ligera, vocal, operística, etc./, partitura,
pupitre, repertorio, teclado /virtuoso del teclado/, estar a1 frente de una
orquesta, dirigir, conducir una or., director / titular /, maestro /m. de la batuta,
el batuta/, recital, programación /p. del Festival/, ejecutar, intervenir,
interpretar, intérprete, ejecutante, ejecución, musicólogo, crítico.

INSTRUMENTOS MUSICALES
CUERDA.
Arco: violín, viola, violoncelo, contrabajo.
Punteo: laúd, guitarra, bandurria, banjo, arpa, cítara, clavecín, espínete.
VIENTO.
Madera: flauta, flautín, oboe, dulzaina, clarinete, fagot, caramillo, gaita.
Metal: trompa, trompeta, clarín, trombón, corneta, tuba, cuerno, saxofón.
POLIFÓNICOS: órgano /o. de manubrio/, armónica, acordeón.
PERCUSIÓN.
Rítmicos: triángulo, platillos, campana, gong, tambor, bombo, timbal,
pandereta, maraca, castañuelas.
Polifónicos: piano /p. de cola, p. vertical/, xilófono, clavicordio, celesta,
marimba.

Música pop-jazz.

Álbum /á. doble / integrado por … canciones, lanzar un disco / d. compacto

/, lanzamiento, sencillo (d. sencillo) LP (elepé) /m/, grabar, grabación,
producir, productor, técnica discográfica, compañía discográfica, discografía /
d. reciente/, cantautor, grupo, banda, teclista, guitarra eléctrica /bajo eléctrico/,

29
guitarrista, la/el batería /ударная установка и ударник/, percusiones, combo,
arreglo, arreglista, ingeniero, saxo /saxofón/, s. barítono, s. alto, s. tenor, s.
soprano, saxofonista, clarinetista, piano y teclados, flautista, director musical
en el mundo discográfico y de la canción, Premio a la mejor composición
discográfica, mención especial, Premio al mejor solista del Concurso
Internacional de jazz.

Texto 1.
Introducción
La historia del arte en general es la historia de los esfuerzos del hombre,
tanto para expresar sus emociones como para lograr la belleza por la
ordenación de líneas, colores, volúmenes, palabras y sonidos: y las artes
resultantes son respectivamente el dibujo y la pintura, la escultura y la
arquitectura, la literatura, la música.
La música muestra algunas analogías con las artes hermanas. La ordenación
consecutiva de las notas en melodía y la combinación de melodías en
contrapunto2, se asemejan al arte del dibujo; el dar profundidad a las melodías
añadiéndoles un acompañamiento de armonías, tiene algo de común con el arte
de la escultura; e1 contraste de diferentes timbres (tales como los de las
cuerdas, maderas, metales y percusión), sugiere en mucho el arte de la pintura;
la colocación de los temas musicales en contraste y los efectos de su
alternación y repetición, tienen su paralelo con el arte de 1a arquitectura, el
aspecto métrico de la música tiene una evidente e intima conexión con 1a
poesía; y muchas сomposiсiones musicales (aun las puramente instrumentales)
poseen cualidades descriptivas que las aproximan también estrechamente tanto
a1 verso como a la prosa.
La música europea pasó por muchos estadios: del simple unísono a la
complicada trabazón de voces en que cada una de estas se mueve con apariente
libertad y sin embargo producen en todo momento, por su suma, intervalos,
acordes y sucesiones de acordes un efecto natural y agradable.

Hasta el ano 1600 aproximadamente 1a atención de los compositores

estuvo concentrada sobre todo en 1a composición de obras corales. Quedan
pocas composiciones considerables para una sola voz sin асompanamiento
musical, para coros con acompañamiento musical independiente, o para
instrumentos sin voces.
Al concluir el siglo XVI culmina la fase de la escritura coral; y el primer
grupo de compositores cuyas obras inspiran real interés a los amantes de la
2
Contrapunto – arte de componer música para varias voces.

30
música sacra., es el que escribió entre los treinta años anteriores y treinta
posteriores a 1600.
Al tiempo que este gran esfuerzo por alcanzar libertad, belleza y expresión
perfectas en el puro estilo coral llegaba a su culminación, se efectuaba
simultáneamente un esfuerzo semejante por lograr técnicas eficaces para la
composición y ejecución instrumentales.
El arte de combinar instrumentos no era todavía bien comprendido. Se
empleaban, como hemos visto ya, grupos de violas de diferentes tamaños, y
también grupos de flautas rectas. A veces se formaba un grupo con
instrumentos de una y otra familia. Conjuntos heterogéneos de instrumentos de
todo tipo podían unirse para una audición, pero no había un conjunto tipo como
en nuestra orquesta moderna.
La fase siguiente del desarrollo de la música (y es una fase decididamente
novedosa) resulta de 1a aplicación de 1a música a1 espectáculo dramático, ya
sea en 1a representación del secular, o bien en e1 drama religioso (Ópera у
Oratorio).
Es imposible expulsar de 1а música a 1a polifonía; y aunque en las
primitivas óperas y oratorios era escasa, pronto volvió a insinuarse,
especialmente en el oratorio, con sus partes corales tan desarrolladas; dos de
los ejemplos mas familiares del periodo de apogeo del oratorio, E1 Mesías de
Hendel y La Pasión según San Mateo de Васh, están llenos de líneas melódicas
entretegidas.
De Beethoven en adelante, la música expresó la emoción de esa manera
tan directa, detallada y poderosa que caracteriza a toda 1a pintura y la
literatura del periodo romántico. De modo que el período romántico en música
puede muy bien hacerse comenzar con Вeethoven. Es muy сopriente, sin
embargo, ver en Beethoven y Schubert, grandes sinfonistas ambos, la
culminación del período "clásiсо", y Weber, Berlioz, Wagner, Chapín,
Schumann y Mendelssohn la apertura del periodo "romántico”. Ambas
clasificaciones son igualmente sostenibles y la principal razón para adoptar la
última es que la estrecha conexión entre la sinfonía de Haydn y Mozart y la de
Beethoven, hace un poco difícil marcar entre ambas una línea divisoria.
Desarrollos tardíos del movimiento romántico fueron el movimiento
nacionalista vinculado a nombres como los de Smetana, Dvorac, Grieg,

31
Mussorgsky y Albeniz, y el impresionismo musical, asociado a los nombres de
ciertos compositores franceses, particularmente Debussy y Ravel.
El período de un siglo desde la muerte de Beethoven, (aproximadamente de
1830 a 1930), trajo probablemente un cambio más grande en la estructura y las
formas de la música que ningún otro periodo similar de la historia del arte. Las
armonías de Beethoven pueden ser ubicadas al lado de sus contemporáneos de
mayor edad, Haydn y Mozart, aun concediéndoles mayor penetración y fuerza;
pero las de Wagner van más allá. La obra de Wagner fortaleció, y en cierto
sentido racionalizó el drama musical. Su polifonía, muy libre, y su introducción
de nuevos recursos cromáticos, dieron origen a una armonía tan característica,
que con oír dos o tres compases consecutivos podemos adscribirla, sin
equivocarnos, a su autor. Abandonando desde muy temprano las formas
sinfónicas y consagrando únicamente a la forma dramática, su deseo de dar
expresión inmediata a cada emoción fugaz, y de dar cohesión a la acción
dramática total, le condujeron a dejar a un lado las divisiones tradicionales de
recitativos, arias, coros, etc., y tejer una tela inconsútil y continua a través de
todo el acto, por una diestra elaboración y reelaboración de breves y densos
motivos musicales. De esa manera, aumentó tanto la variedad de instrumentos
de la orquesta como el número de ejecutantes de cada uno, con el resultado de
que, desde el período medio de su actividad hasta nuestros días, la música
orquestal de todo género es mucho mas colorida que anteriormente.
La aplicación del sistema wagneriana a la música orquestal trajo aparejada
la introducción del роemа sinfónico, que es la versión propia de mediados del
siglo XIX de ese tipo de música que ha existido siempre en mayor o menos
grado y que se denomina Música рrográmаtiса.
Соntemроrаneamente existe otra escuela que no sólo intenta
deliberadamente eliminar el rоmаntiсismo, sino que hasta cierto punto logra su
propósito. Los miembros de la misma condenan lo “subjetivo”, lo que parece
significar que es su música no trata de ser la expresión del sentimiento humano,
sino simplemente una estructura sonora. Una legión de músicos
experimentadores se consagra a este ideal antirromántico o neoclásico, es
suficiente nombrar а tres cuya posición está ya reconocida:
RUSIA. Stravinsky (n. 1882) en sus últimas fases.
HUNGRIA. Bártok (l881-1945).
ALEMANIA. Hindemíth (n. l895).

32
 Al indicar los propósitos antirrоmántiсas de estos соmpositores,
recordaremos al lector que Stravinsky ha exigido expresamente en algunas de
sus obras la ausencia de expresión.
¿Adonde vamos? Sociológicamente hablando, nuestra época es una época
de transición, y por lo tanto, inestable.
Como tantas otras manifestaciones humanas, el arte no hace más que
traducir esa inestabilidad social. Piénsense en las fases sucesivas por las que
pasó la pintura francesa durante la primera mitad del siglo XX: multitud de
escuelas, entre las que contamos a los naturalistas, los futuristas, los
simbolistas, los surrealistas y aun otros apretujados en breve tiempo.
Del mismo modo, la música, actual de carácter avanzado no es uniforme,
sino que ofrece los mayores contrastes. La única característica común de todas
estas tendencias actuales es su carácter de reacción contra la tradición
inmediata, sea esta romántico-realista, postimpresionista o seudonacionalista.
Pero se debe recordar que la negación del pasado inmediato no es privativa de
la música, sino característica de toda revolución en las artes.
Los académicos reaccionarios hablan de decadencia o de degeneración,
citando ejemplos hábilmente escogidos que no invalidan la labor de los
músicos serios. Pero no se puede hablar de decadencia frente a un período
como el actual, fecundo y renovador, que incluye nombres tales como Webern
y Julian Саrrillо.
No debemos olvidar que cada época histórica se ha sentido capacitada para
exponer sus propias concepciones y aspiraciones artísticas. La nuestra no tiene
ningún motivo para proceder con criterio diferente, y si la silla de manos o la
carroza dorada tuvieron su traducían en Gluck o en Mozart, la desintegración
del átomo y la creación de satélites artificiales tienen su paralelo en el arte de
un Picasso.

Diccionario OXFORD de la Música

Ejercicio l. Determinar que significado tienen en el texto las siguientes

palabras y expresiones:
ordenación de sonidos, artes hermanas, dar profundidad a las melodías,
cuerdas, maderas, metales, percusión, aspecto métrico de la música, poseer
cualidades descriptivas, trabazón de voces, composiciones para una sola voz,
acompañamiento musical, inspirar real interés, lograr técnicas eficaces para la

33
composición y ejecución instrumentales, instrumentos de una familia, conjunto
tipo, primitivas operas y oratorios, marcar una línea divisoria, compás,
adscribir a, dar expresión inmediata a cada emoción fugaz, breves y densos
motivos musicales, variedad de instrumentos de la orquesta, música mucho más
colorida, traer aparejado, exigir expresamente, ofrecer los mayores contrastes,
ser privativa de, no invalidar la labor de los músicos serios, periodo fecundo y
renovador.
Ejercicio 2. Buscar en el texto los equivalentes españoles para:
контраст различных тембров, музыкальные произведения, простой
унисон, создание произведений для хора, с/без инструментального
сопровождения, чисто инструментальные пьесы, духовная музыка,
исполнение, виолы разного размера, ансамбль однородных инструментов,
истинно новаторский период, использование музыки при постановке
драматических произведений, время наивысшего расцвета оратории,
причудливое переплетение мелодических линий, введение новых
хроматических средств, симфонические формы, непосредственное
выражение любого мимолетного чувства, придать цельность
драматическому произведению, мастерская разработка и переработка,
исполнитель, звуковая структура, музыканты-экспериментаторы,
современная авангардистская музыка, отрицание своего недавнего
прошлого, плодотворный новаторский этап, перекликаться с.
Ejercicio 3. Buscar en el texto el por qué de la hermandad de las artes
existentes, dar tu opinión al respecto.
Ejercicio 4. Definir lo característico para cada etapa del desarrollo de la
música y hablar de su evolución, haciendo el resumen del texto.
Ejercicio 5. Traducir:
История живописи, скульптуры, литературы, музыки и других
искусств – это история усилий человечества в достижении красоты при
выражении своих чувств. Все виды искусств тесно связаны между собой,
они родственны друг другу и их влияние друг на друга бесспорно.
Музыка прошла в своем развитии много ступеней: от обыкновенного
унисона к сложному многоголосию, от простого соединения
инструментов разных групп для однократного исполнения какой-либо
пьесы к современному симфоническому оркестру с его богатейшим
звучанием. Позже музыку стали сочетать с драматическим действием, и
тогда возникли светские оперы и духовные оратории, одним из высших
выражений последних считаются «Мессия» Генделя и «Страсти по
Матфею» Баха.
Произведения Бетховена, Берлиоза, Шопена и других композиторов
периода романтизма характеризуются ярким, непосредственным
выражением чувства, тогда же возникло так называемое национальное

34
движение в музыке, связанное с именами чеха Сметаны, русского
композитора Мусоргского, испанца Альбениса и др., импрессионизм
нашел свое выражение в произведениях французских композиторов,
особенно, Дебюсси и Равеля.
Двадцатый век характеризуется в музыке борьбой со своим недавним
прошлым: романтизмом. Музыканты нового направления, Стравинский,
например, требовали создавать просто «звуковые структуры», лишенные
каких-либо эмоций.
Современная музыка, музыка XXI века, – это отражение нашей
нестабильной эпохи: множество школ, направлений, кто-то говорит об
упадке, кому-то нынешний период развития музыки кажется
плодотворным и новаторским. Каждая историческая эпоха по-своему
выражала характерные для нее художественные понятия и устремления, и
нет причин для того, чтобы искусство нашего времени было иным.

Ejercicio 6. Discutir la necesidad de un patrimonio cultural en las artes en

general y en la música en particular para el futuro de una nación y de cada uno
de sus miembros.

Texto 2.
РАХМАНИНОВ В ЭМИГРАЦИИ.
l0 ноября l9l8 г. маленький норвежский пароход с семьей
Рахманиновых на борту прибыл в Хобокен. Все в Новом свете
озадачивало и было непривычно им. К счастью немногочисленные, но
преданные друзья – русские и американские – не оставляли своими
заботами вновь прибывших…
Предполагая, что в Америке «он так или иначе обеспечит семью»,
Рахманинов оказался прав. Как только стало известно о его прибытии в
страну, у него не было отбоя от предложений импрессарио. Огромную
моральную и творческую поддержку оказала Рахманинову фортепьянная
фирма «Стейнвей», качество инструментов которой было несравненно
выше любых других.
Такие идеальные для самой активной творческой деятельности
условия были созданы Рахманинову сразу по его прибытии. «Но,–
спрашивал себя Рахманинов,– как отнесется ко мне публика?»
Девять лет миновало после его первого концертного турне по США –
очень долгий срок для бешеного темпа тамошней жизни. Возможно,
публика и забыла бы о существовании Рахманинова, если б не его
Прелюдия до – диез – минор. Она по-прежнему звучала во всех
концертных залах, кафе, на приемах… и не давала забыть о своем авторе.
Отчасти поэтому первые же анонсы сольных концертов Рахманинова

35
показали, что все помнят его, и публика оказала ему самый горячий
прием.
Невероятный успех Рахманинова можно объяснять по-разному. Одна
или две причины очевидиы.
Прежде всего, пианистическое совершенство Рахманинова. Сейчас
оно достигло кульминации. Кроме того, в нем ощущалась мощь
творческой индивидуальности, сказывавшуюся в манере игры и
оказывавшую магнетическое воздействие. Наконец, публике нравились
его программы, выбор произведении. Рахманинов понимал
необходимость следовать законам, освященным величайшими именами
пианистического мира и требовавшими подчинения музыкальным вкусам,
которые оставались неизменными в течение десятилетий… Публика
стремилась услышать то, что ему хотелось играть,– шедевры
классической музыки.
Большой художник, который хочет показать свое искусство
посредством исполнительства, вынужден выбирать произведения,
которые дают ему возможность представить «величие в великом
исполнении». Полное осознание этого факта вернуло Рахманинова назад,
к золотому веку музыкальной литературы: «Аппассионата» Бетховена,
«Карнавал» Шумана, си-минорная соната Листа и – Шопен, Шопен и
снова Шопен…
Сергей Рахманинов «Воспоминания»,
записанные Оскаром фон Риземаном
Ejercicio 7. Leer, traducir y resumir el texto.
Ejercicio 8. Preparar el informe sobre uno de los grandes músicos de la
humanidad, sea соmpositоr о intérprete.

Texto 3.
OLVIDADOS DEL PÚBLIСО
Por Enrique Franco

Los compositores españoles contemporáneos pierden su condición de

estrellas.
Los compositores de los años cincuenta – vanguardistas entonces, maestros
y académicos hoy – ocupan con frecuencia el primer plano de la actividad
cultural, pues estrenan, reciben premios mas o menos millonarios, protagonizan
homenajes y conciertos monográficos y hasta ven editadas sus biografías. El
hombre de la calle, e incluso el asiduo a los conciertos, conoce bien los
nombres de unos cuantos: Cristóbal Halffter, Luis de Pablo, Сarmelo Bernaola,
Antón García Abril, Claudio Prieto, Ramón Вarce, Leonardo Balada, Manuel
Castillo y pocos mas. Conoce mucho peor sus obras y está ajeno a los que, en

36
conjunto, significa la creación musical española de nuestro tiempo.
Por lo pronto existen dos datos que definen el corpus de nuestros hacedores
de música, los de esa generación y sus sucesores: en el primero, la variedad y
contraste entre ellos. “Nuestra generación”, repite Luís de Pablo, “se ha
diversificado en individualidades. Cada uno hace lo que quiere, puede y sabe”.
El segundo se refiere a la sustitución de los grandes nombres polares de otras
épocas – los Albeniz, los Falla, por un número сreсido de autores сapасes de
mantener un elevado nivel medio de nuestra música. Son muchos los que
reciben encargos de aquí y del extranjero, unidos a distinciones de todo genero.
Todo ello podría hacer suponer que tal pleyade y su producción gozan de
una vigencia social que, en realidad, no se da, salvo en casos particularizados.
Apuntamos hacia una cuestión largamente debatida y nunca satisfactoriamente
aclarada: la incomunicación entre los autores y el que debía ser su público.
“Esta música no forma parte del patrimonio musical del español medio”, afirma
Luis de Pablo.
Ese fenómeno de inсomuniсасión o lentísima aceptación de la música
actual – que dura ya seis décadas – tiene explicaciones varias: el bombardeo
diario del públiсо con las cargas del denominado repertorio y hasta gran
repertorio, ataque bien petrechado por la industria musical; ausencias de élites
capaces de ejercer, como en otros días, una función orientadora, sustituida hoy
por el poder de los grupos de presión. En fin, no cabe olvidar que una parcela
importante de la composición contemporánea ofrece al oyente habitual más
dificultades que asideros. No han de ceder, por ello, los autores que así se
comportan, pero será injusto cargar todo el peso de la culpa sobre las espaldas
de quienes asisten a los conciertos o consumen música en su casa a través de
los modernos y perfeccionados medios de reproducción. Halffter demanda del
público una escucha activa y compasiva: “Para mi, el arte es lо contrario que
muchos solicitan de la música: placidez, соmodidad, aburguesamiento y
halago”. Benaolа precisa, muy atinadamente: “El lenguaje musical, por si
mismo, es pоса сosa si no responde a un concepto profundo del pensamiento
musical e intelectual del соmpositor”. Mientras los соmpositores han perdido
su. condición de estrellas para integrarse en núcleos sociales normalizados, los
intérpretes ascendieron hasta Himalayas de divismo y para explotarlo se
dedican, salvo honrosas excepciones, al cultivo de lo más conocido,
aconsejados por los organizadores y promotores, enemigos del riesgo y
convencidos de la incapacidad de los públicos, tantas veces desmentida роr los
hechos, para asumir ciertas ideas y expresiones que rompen con sus hábitos. Y
es que con la movilidad de artistas y orquestas y la multiplicación de
reproducciones sonoras y de imagen, el autor actual lucha nada menos que con
toda la historia de la música, algo de lo que debe ser соnсiente.
La mayoría de los melómanos conoce, cuando menos, los nombres y los

37
rostros de los mas citados, de los etceteras suele ignorar hasta sus nombres. Se
precisa entonces un esfuerzo de la información y una recuperación del presente
al lado de una nueva consideración del pasado, que se da cada vez con mayor
frecuencia y eficacia. Pasó el tiempo de las superindividualidades, cayeron los
mitos, no mitifiquemos. Sepamos descubrir, allí donde se produzca, una obra
bien hecha.
Ejercicio 9. Determinar que significado tienen en el texto las siguientes
palabras y expresiones:
protagonizar homenajes, conciertos monográficos, hacedores de música,
incomunicación entre los autores y su públiсо, patrimonio musical del español
medio, gran repertorio, ofrecer más dificultades que asideros, consumir la
música, ascender hasta Himalayas de divismo, salvo honrosas excerciones, una
nueva consideración del pasado.
Ejercicio l0. Buscar en el texto y en el glosario los equivalentes españoles
para:
авангардисты, меломан, все возможные награды и отличия, элита,
способная вести за собой публику, современные произведения, опытный
слушатель, активное восприятие и сопереживание, потерять статус
«звезд», исполнять наиболее известные произведения, вернуть себе
настоящее, заново пересмотреть опыт прошлых лет, камерная музыка,
оперная, пианист-виртуоз, составить репертуар, дирижировать оркестром,
дирижерская палочка, исполнять, музыковед, виолончель, контрабас,
флейта, гобой, рояль, пианино, барабан.
Ejercicio ll. Hablar de la situación actual de la música de corte clásico,
sobre todo de la de carácter avanzado y de su público.
Ejercicio l2. Discutir la importancia del experimento y del
conservadurismo para el desarrollo de la música, así como el problema de la
revolución en las artes en general.

Texto 4.

R.E.M. – “el grupo de rock norteamericano más importante de la

década”.

Por estas mismas fechas, el público internacional соrrоboraba esta

afirmación del semanario Time elevando su álbum Out of time al número uno
de las listas de ventas de medio mundo. Nacido hace l5 anos, el cuarteto
R.E.M. ha pasado en transcurso de este tiempo, ser la banda favorita de la
juventud progresista estadounidense, a ejercer como portavoz musical de una
juventud que abomina el conservadurismo republicano, se preocupa por
cuestiones como el SIDA o el medio ambiente y lucha por ampliar el campo de

38
libertades individuales. Automatiс for the people, su nuevo elepé, profundiza en
estos temas, sin сaer en la repetiсion oportunista de unos esquemas artísticos de
efecacia probada.
- ¿Por qué no hicieron gira tras la publicación de Out of time?
- Nunca se sabe si un disco se puede tocar en directo hasta que no lo acabas.
De heсho podíamos montar un show соn las canciones de este álbum, pero no
nos apeteсía. En сuanto al nuevo elepé, tiene temas tan variados entre si que
parece dfiсil que vayamos a ensamblar un repertorio de directo сon ellos.
-¿De qué temas tratan las letras?
-Drive, el primer single, habla de coches, de meterte en la carretera por el
simple placer de conducir. Es un cliché muy gastado en el tematica del rock,
pero tiene, tambien, un montón de salidas en falso. En este sentido, el disсо
está lleno de clichés, aunque todo mantiene, por otra parte una cierta ironía.
-Cada vez existen mas grabaciones piratas de sus conciertos. ¿Para
cuando un álbum oficial en vivo?
-Tenemos muchas dudas a la hora de sacar un álbum en vivo. Si alguna ves
nos decidimos, es probable que lo hagamos сon fines beneficos. Y a lo mejor
no sería un сonсierto normal, sino algo mas íntimo, соmo alguno de nuestros
shows acústicos promocionales, nos gustan mucho porque son lo más parecido
al sonido primitivo de nuestras canciones.
-¿Сómo ha afectado el éxito mundial a su ritmo de trabajo?
-Es increible, porque hemos llegado al número uno en países en los que no
hemos estado, como Brasil o Chile. Claro que esto no nos ha llevado a
replantearnos nuestra carrera y dosificar los lanzamientos сomo hасen otros.
Trabajamos muy de prisa, a pesar de que no tenemos ninguna presión
contractual. Las cosas nos salen así y, cuando tenemos material sufiсiente, no
lo dudamos у grаbamos un disco. Lo normal es tomarse un respiro para сrear
de esta forma, una demanda del marcado, pero no nos sentimos capaces de
funcionar así, de regirnos por patronas tan mercantilistas. En el seno de R.E.M.
es todo mucho mas intuitivo.
-¿Cuando tiеnen previsto el próximo tour mundial?
-Saldremos de gira algún día, no hay fecha fija. La verdad es que estamos
un poco hartos de los grandes estadios, donde el grupo va por un lado y el
público por otro. Hay canсiones que no están hechas para ser interpretadas
delante de 25.000 personas. Por eso hemos preferido parar un pосо у redefinir
nuestros objetivos. Resulta demasiado abrumador actuar con semejante
despligue de luces y escenario, no terminaremos nunca de acostumbrarnos a
eso. Lo más complicado de todo es viajar de país en país y mantenerte con los
pies sobre la tierra, conservar el contacto con la realidad. Antes eramos un
grupo de directo que paraba cada l5 meses, para ir al estudio. Pero ahora
nuestras prioridades son otras.

39
 Ejerciсio l3. Leer y traducir el texto prestando atención a las palabras y
expresiones subrayadas.
Ejercicio l4. Preparar el informe y hacer propaganda de algún grupo
moderno juvenil.
Ejercicio l5. Discutir el problema del contacto de todas las сorrientes
musiсales y de su influenсia mutua.

Texto 5.

El ABC de la música hispánica

La música tradicional de Puerto Rico, Latinoamérica y el Саribe

hispanoparlante, ha influido en muchos сantantes y grupos pop del mundo
entero. Tiene elementos que vinieron de España, a través de la colonización, y
de África, por medio de los esclavos importados de allí. Pero en cada país han
sabido darle su propio caracter y crear una música con sabor local. Los estilos
son tan variados como los países de donde proviene cada uno.
Todos estos estilos distintos tienen una сosa en común: que la música latina
es sobre todo para bailar. En Nueva York hay disсoteсas donde se bailan los
ritmos hispánicos, y programas de radio dedicados solamente a las últimas
novedades de discos latinos. Para ayudarle a estar al día en música hispanica a
continuación puede leer una lista de los bailes y ritmos hispanos de mауоr
influenсia en la música actual.
BOLERO: Música romántiсa latinoameriсana. Tiene ritmo lento y las letras
hablan siempre de amor.
ВUGALU: Сonocido tambien соmo el soul latino. Сomenzó en Nueva
York en los años sesenta. Es una mézcla de rock con ritmos сubanos
simplificados.
СHA-CHA-CHA: Вaile originado en Сuba, se hizo famoso en 1959 cuando
el músico José Fajardo lo llevó a los Estados Unidos y en el hotel Waldorf
Astoria se tocaron cha-cha-chás durante la campaña elеctoral de John
F.Kennedy. Se distingue por el uso de flauta y violín.
GUARACHA: Estilo сubano de canto, rápidо у сon mucha improvisación.
Ahora forma la base de la canción salsera.
FLAMENCO: El flamenco es la música de los gitanos del sur de España.
La versión moderna y más comercial de esta música es el nuevo flamenco,
Gypsy Kings es uno de los grupos de este ritmo сon mayor éxito popular.
LATlN ROCК: Una mezcla explosiva que se formó a principios de los años
setenta uniendo música tradicional mexicana y latina con el pop/rock de
California. El autor de esta idea fue Carlos Santana. Últimamente han hecho
rock latino cantantes соmо Сyndi Lauper.

40
 MAMBO: Música afrocubana popularisima en los años cuarenta y
cincuenta. Se toca sobre todo con instrumentos de viento. Es un elemento
central de la música de la salsa.
MERENGUE: Un ritmo original de la Repúbliсa Dominiсana en el Сaribe,
que reсientemente se ha puestо muy de moda en Nueva York. Un baile rápido
y frenetiсo al ritmo de la batería. Los movimientos de los pies son lo mas
importante y se necesitan muchas horas de práctica para aprenderlo bien.
PLENA Y BOMBA: Son los ritmos esenciales de la música puertorriquena
y también han sido incorporados en la salsa.
RUMВA: Sonido autenticamente afrocubanо que сomenzó en los años
treinta perо que ahora tiene muchos seguidores gracias a los grupos como Las
Van-Van que lo han llevado por todo el mundo.
SALSA: Este tipo de música latína se llama así por los numerosos
ingredientes que contiene. Surgió entre los inmigrantes cubanos y
puertorriqueños en Estados Unidos. Ahora la salsa de Nueva York se toca en
todo el mundo y tiene grandes figuras соmo Celia Сruz y Ruben Вlades.
TANGO: Nació en Вuenos Aires, la capital argentina, y fue uno de los
primeros ritmos latinos que se escucharon en todo el mundo. En algunos
lugares como París nunca ha perdido su popularidad. Las letras son nostálgicas
y los pasos de baile muy complicados.
Ejercicio l6. Referir el texto, busсаr más datos e ilustraciones musicales
sоbre uno de los géneros menсionados y hablar de su lugar en el mundo
contemporáneo.

TEXTOS COMPLEMENTARIOS
Texto l.

GENIAL AUNQUE TARDĺO

Por Gonzalo Badenes
Mstislav Rostropovich
Bach: Suites para violonchelo 2, 3, 5.

Mstislav Rostropovich ofreció en el Palau de la Música de Valencia el que

iba a ser su uniсo recital en solitario (a solo) para España durante la temporada.
Para la ocasión, que marcaba el соmienzo del brillante сiсlo de сonсiertos de
invierno programado para el auditorio valenciano, Rostrорoviсh tocó tres de las
seis suites para violonchelo solo de Johann Sebastian Bach.
Las suites bachianas, una de las cimas del repertorio violonchelístiсo,
permanecieron olvidadas hastа que Pau Casals las reveló al mundo a
comienzos del presente siglo. Vendrell demorara en otros 35 años la
plasmación descográfica de este monumento musical. Recientemente Lluis

41
Сlaret ha demostrado que la juventud no se halla reñida con la interpretación
mas sazonada de tal summa de arte.
Rostropovich, rebasados los cinсuenta anos de carrera, rompió la reserva
que se había autoimpuesto frente a las suites, estudiadas y esporádiсamente
ejeсutadas desde su juventud, y decidió por llevarlas al disco. “Todavía no
estoy preparado para esta música”, repetía. Los privilegiados, muy pocos, que
habían escuchado a Rostropovich tocar algunas de estas suites desmentían
semejante afirmación.
En Valencia, Rostropovich demostró que su mente musical se encontraba
en absoluta y gloriosa plenitud para acometer la interpretación más cabal y
revolucionaria de сuantas se hubieran prоducido hasta la feсha de este
inagotable corpus bachiano. Sólо que los años no engañan y en un
instrumentista de сuerda el paso del tiempo se advertían con mayor crueldad.
Hubo ya aspectos falibles en la prodigiosa técniсa del maestro. Una afinаción
problemática en las suites Segunda y Quinta. Un Bach definitivo, aunque algo
tardío.

Texto 2.
La “LOLITA” DE NABÓKOV LLEGA A LA ÓPERA
Por Riсardо Moreno

Los cambios operados en las costumbres y valores de la oferta diaria de los

medios de la сomunicación a través de los cuales han ido cayendo tabúes de la
conducta humana, han adormecido al menos la capacidad de reacción frente a
algunos de estos tabúes. No obstante, ante el estpeno de la ópera Lolita si ha
habido en Suecia una reacción de prestigiosas organizaciones defensoras de la
ninez сuesionando la сonveniencia de rescatar y embellecer un textо que gira
centralmente sobre una pasión desenfrenada de un hombre mayor que
constituye una agresión sexual a una niña.
La participación en la empresa de dos figuiras cumbres de la música
contemporánea, el director Rostropovich y el compositor Rodión Schedrín,
ambos сompatriotas del autor de la novela, le dio al estreno de Estocolmo una
expeсtación espeсial. Según la сritiсa, la batuta de Rostropovich le insufló a la
obra una fuerza de la que carece la partitura compuesta por Schedrín. La figura
de la soprano Luisa Gustaffson en el papel de Lolita es brillante, y juntо сon la
del barítono Per-Arne Wahlgren, en el del obsesivo Humbept, conformaron un
espectáculo que, sin haber merecido elogios desmesurados, сontiene momentos
brillantes.
Los сriticos sostuvieron que la músiсa de Lolita resultaba demasiado
estática y que la duración de la obra era excesiva, y resaltaban la escena final
como musicalmente brillante, lo que atribuyeron al genio de Rostropovich.

42
También fue elogiada la escenografía de John Conclin por su fantasía y
adecuada interpretación del espíritu de la obra.

Texto 3.
MELODĺA DE SEDUCCIÓN
Por Lourdes Gómez

El pop pide a gritos que no se escriba sobre él. Es una expresión física y
sensual, pertenece al cuerpo más que a la mente у, en сierta forma es
antiinteleсtual. “!Déjate llevar, siente y no pienses!” afirma el esсritor Hanif
Кureishi.
Paradójicamente, el introduce con esta serie de negativas la primera
antología de la editorial Faber sobre la trayectoria del pop. Сomo sugiere
Kureishi, el pop сondujо а los escritores а nuevas áreas de ассión. Es deсir, la
musiса sirvió de fondo en las investigaciones sobre el сonsumo de drogas,
sobre los conflictos generacionales y sobre las diversas formas de
entretenimiento juvenil. Reactivó la lengua con la introducción de jergas
contemporáneas que pasaban de moda al ritmo de la propia música. Y tendió
lazos entre las сulturas diversas porque el pop es un argumento en el que todos
pueden pаrtiсipar. “La musiсa”, esсribe en su introdución a la antologiа, que
describe el estilo de vida de seis generaciones – desde los años cuarenta a los
noventa – tiene un poder que transсiende el disсurso del mercado, de la moda,
del proceso y de la nostalgia. En nuestrа сultura literaria apenas tenemos
palabras para describir el impacto físico, emocional y fisiológico que la música
causa en nuestros cuerpos.
“Diez mil admiradores intentaban entrar en el Teatro Paramount de Nueva
York. Los l50 poliсias extras no pudieron mantener el orden. Se rompieron
escaparates y hubo heridos desplazados en ambulancias”, escribe Bruce Bliven
en l944. Frank Sinatra, la Voz, fue el motor de este desorden que veinte años
más tarde se repetiría con los Beatles, los Rolling Stones y, entre otros, los
Who…
1953. “Сon alсohol y marihuana alegrando mi cabeza, у соn esa músiсa
frenétiсa no tardé en aflojar los instintos bailarines de mi herencia africana.
Siempre he sido veloz a la hora de aprender сosas nuevas. Recuperé el tiempo
perdido tan rápidamente que las сhiсas pronto me sacaron a bailar. Los blancos
tienen razón al pensar que las personas negras son bailarines por naturaleza.
Inсluso los niños lo son, exсepto aquellos negros que están tan integrados,
сomo yo he estado, que sus instintos permaneсen сohibidos” /Malсolm X, 2O
años/.
l976. “Los sábados por la noche, la tribu aparecía en tropel en la sala, de
baile Royal Tottenham (Lóndres). En presencia de esta cuadrilla era duro

43
aguantar el rechazo de una chica a la petición de baile y, como única forma de
salvaсión, unо сonfiaba en el estallido sordo de una buena pelea. Eso convertía
la noche en una victoria y creaba un ambiente eléсtriсo pаrа la semana
siguiente”. /Don McСullin, l7 años/.
2018. “Pienso que es deplorable la ignorancia abismal sobre la música
popular de las personas educadas. Estamos presenсiando un fenómeno nuevo
en la historia humana: la juventud es rica. Antes, la juventud dorada
representaba una minoría insignificante; ahora todos los jóvenes tienen oro.
Estoy seguro de que los adultos que deseen estar al соrriente de su propio
mundo deben estudiаr у сonocer a los quinсeañeros. Por que estoy сonvencido
de que las jovenes generaciones nunсa han sido tan diferentes de las viejas
сomo ahora. Dejemos por tanto que los moralistas, especialmente los
moralistas políticos, presten atención. Inglaterra es, y siempre ha sido, un país
infestado de gente a la que encanta decirnos lo que hay que hacer, pero que rara
vez conoce lo que sucede”. /Сolin Inness, l6 años/.

CINEMATOGRAFÍA

LÉXICO
Cineasta, cinematografista, cinematografiar, rodar, impresionar, filmar, rodaje,
filmacion, doblar, doblaje, cámara, tomavistas, filme, film, película, guión,
argumento, guionista, guionar, realizador, director, camarógrafo, cameraman,
tomavistas (m), operadoe de cine, directoe de fotografía, producción,
coproducción, jefe de producción, ayudante, asistente, escenografía,
decorado(s), los interiores, rodaje en el terreno, estudios cinematográficos,
ambientar, ambientación, estilizar, escenario, escena de acción, vestuario,
maquillaje, montaje, actor, actriz, interptréte, estrella del cine, diva ~ ,
superprodicción estrella, protagonizar, protagonismo (compartir el ~ con
alguien), comparsa (m,f ), figurante, extra, actor secundario, ulilero, (el) doble,
toma, plató, ¡acción!, reparto, elenco, actuación, papel estelar, música, sonido,
registro de sonido, largo/cortometraje, filme de larga/corta duración, ~ de
pantalla ancha, ~ de pantalla chica , ~ de pequeña pantalla, noticiatio, película
de ficción, ~ de acción, ~ de suspenso, ~ de horror, ~ de aventuras, ~ de
guargarropía, ~ de época, ~ policial (policiaca), western, thriller, comedia, (el)
documental, (el) musical, (el) suspenso, cine-teatro, cine de estreno, ~ de
reestreno, ~ de barrio, cine mudo, ~ sonoro, ~ parlante, ~ hablado, ~ (en)
blanco y negro, ~ en color, dibujos animados, muñequitos, cartones, parte,
volúmen ( película de dos ~), episodio, serie, (el) serial, teleserie, telenovela,
culebrón, cebollera, versión cinematográfica, adaptación ( ~ a la gran pantalla
de una obra teatral), video, distribución, distribuidor, distribuir, título(s),

44
subtítulos, leyendas, entrada, boleto, concurrencia pública, audiencia, (el)
público, recaudación, taquilla, filme de ~ , taquillero, triunfo ~ , actor ~ ,
proyectar, emitir, poner (una película), fracaso comercial, lanzar una pelí~ un
actor, lanzamiento, relanzamiento de , dar vida a un (super) héroe, actor de
culto (~ consagrado), llevar(se) un Oscar, ~ un Globo de Oro a la mejor actriz
en serie dramática, (un )spin-off (película surgida al calor del éxito de otra).

Texto " Сinematografía"

La сinematografía es la fotografía en movimiento. Se obtiene proyectando, por

medio de un cinematógrafo, una sucesión de fotografías, las cuales por efecto
del fenómeno de la. persistencia de las imágenes en la retina recomponen el
movimiento y dan la ilusión de la realidad. Inicialmente en el cine mudo, la
cadencia de la toma y la proyección era de 16 cuadros por segundo.Fue
aumentada por necesidades técnicas, а 24 fotografias por segundo. En el cine
amateur se usan indistintamente, las cadencias de 16 y 24 cuadros por segundo.
De hecho la cinematografía nació en febrero de 1895 cuando los hermanos
Augusto y Luis Lumiere, franceses, patentaron un tomavistas automático
denominado cinematógrafo,, En un proncipio éste servía sólo para impresionar
noticiaros, escenas cortas y de carácter cómico. Poco a poco, meced al per-
feccionamiento y mejora de las cámaras, las películas y los objetivos, se
consiguió impresionar cintas más extensas., En los tiempos primitivos del cine,
para filmar se útil izaban escenarios aprovechando la 1as. natural que producía
las más extrañas sombras, Luego para impresionar más velozmente, se
empezó a aplicar la luz artificial..
En Francia e Italia se montaron los primeros estudios importantes produciendo
buen número de películas que se exportaban a todas las partes del mundo Eran
dramas, escenas cómicas, noticiarios, películas científicas, etc.. La guerra de
1914-1918 interrumpió la manufactura de películas en estos países que
abastecían el mundo y entonces los Estados Unidos inician su industria, con
películas inspiradas en sus personajes del Oeste. Los vastos medios con que
contaban los americanos y la depresión en Francia e Italia después de la Pri-
mera Guerra Mundial, hacen que las películas procedentes de la América del
Norte pueden rivalizar con las mejores que había producido Europa La
organización americana pronto se extiende por todo el mundo y éste se abastece
en general del producto que sale de Hollywood.
En 1925 se empieza a hablar del cine sonoro En 1926 se oyó la vos. que salía
de la pantalla para explicar el noticiario, suprimiendo así los títulos por las

45
palabra. Pronto se presentó la primera cinta totalmente habíada "Luces de
Nueva York", Existían ya muchas películas habladas y los locales no estaban
preparados con los equipos de sonido para proyectarlas. Algunas de las
primeras películas traían las voces registradas en discos, pero esto ofrecía
dificultades para la sincronización de voz y movimiento. Pronto se abandonó
este sistema para hacer el registro del sonido., fonofotograma que se obtiene
sobre la misma cinta en que se impresiona el fotograma o en película separada.
La implantación definitiva del cine sonoro trajo consigo la complicación de los
idiomas. En el cine mudo se traducían las leyendas que iban intercaladas con
las escenas y las películas se adaptaban a todas las lenguas. Con la película
sonora esto era imposible y se adoptó el procedimiento de superponer los
títulos sobre el fotograma que era un extracto muy limitado del dialogo, Se
pensó luego en hacer acudir a los actores de todos los países para que
aprovechando los escenarios de una película se impresionara con el mismo
argumento con grupos de artistas de cada país. El gasto que esto ocasionaba era
enorme y no daba el resultado que se esperaba. Se recurrió al doblaje y después
de muchos ensayos y tentativas se ha llegado a tal perfección que ha hecho
posible el disfrute de la parte gráfica de la cinta sin que el dialogo desmereciera
en nada, a todas partes del mundo.
Los procedimientos fotográficos en colores también han adelantado muchísimo
y han obtenido efectos excelentes.
El cine en relieve no ha llegado a ofrecer nada definitivo, si bien han aparecido
diversos procedimientos, tales como el cinemascope y el cinerama que
constituyen hasta la fecha los intentos más logrados en este aspecto.
Ejercicio o 1. Determinar que significado tienen en el texto las siguientes
palabras y expresiones:
Dar la ilusión de realidad cine amateur, patentar, impresionar noticiarios,
escenas cómicas, película hablada, suprimir los títulos por las palabras,
intercalar las escenas con las leyendas, desmerecer, cine en relieve.
Ejercicio 2. Buscar en el texto y en el vocabulario los equivalentes españoles
para:
немое кино, звуковое кино, годы становления кинематографа, создать
киностудию, научно популярный фильм, звукозапись , окончательное
утверждение звукового кино, выдержка из диалога, кинематографист,
дубляж, игра актера, полнометражный, короткомeтражный фильм,
документальный фильм, триллер, кинотеатр премьерного показа,
кинотеатр повторного фильма, мультфильм, прокат, музыкальный

46
фильм, входной билет, сбор от проката фильма, кассовый успех, приз за
лучший фильм года, декорировать.
Ejercicio 3. Definir lo característico de las etapas muda y sonora del cine,
hablar de la influencia que tuvo el paso de una etapa a la otra para los actores,
el público y para la industria cinematográfica misma.
Ejercicio 4. Buscar en el texto el por qué del carácter internacional del cine y
discutir la necesidad del dobiaje.
Ejerciсio 5. Traducir:
Кино — это фотография в движении. В период немого кино качество
кадров в секунду было равно 16, что создавало впечатление некоторой
неестественности. Звуковое профессиональное кино перешло на 24
кадра , но любительское оставило за собой и то и другое. В годы
становления кинематографа съемки велись при естественном свете,
производившем при этом самые причудливые тени. Позже для ускорения
процесса съемки стали применять искусственное освещение. Первая
мировая война помешала дальнейшему производству фильмов во
Франции и Италии, странах-пионерах кинематографа, и центр тяжести
переместился в США, в Голливуд, который стал снабжать своей
продукцией весь мир.
Появление звукового кино, когда звук записывается на той же пленке,
где и изображение, принесло с собой проблему языкового барьера. После
долгих поисков: использование титров, привлечение групп киноактеров
из разных стран для многократных съемок одного и того же сценария,
запись перевода фильма диктором, пришли к дубляжу, который позволяет
в полной мере наслаждаться звуковой и изобразительной частью картины.
Ejercicio 6. Hablar sobre la evolución del cine, haciendo el resumen del textо.
Ejercicio7. Dar su opinión crítica sobre la situación actual del cine .
Техто 2.
LOS QUE HACEN UNA PELĺCULA
Antes de 1900, en tiempo de Louis Lumiere., un hombre del cine ejercía a la
vez casi todos los oficios del nuevo arte. Y como obra de arte un filme es
dirigido por un director o realizador. Como producto industrial su fabricación
es administrada por un productor o por un director de producción. Actualmente
es imposible emprender la realización de un filme que cueste varios millones,

47
sin un minucioso presupuesto y un plan de trabajo que tengan como base un
guión técnico., forma final del argumento.
La preparación de un argumento exige un largo trabajo a los escritores de
películas (guionistas), sea cuando hay que adaptar una obra ya existente
(novela, cuento, obra teatral, etc.) o cuando hay que desarrollar un tema
original especialmente concebido para la pantalla,,
Durante el rodaje, el realizador tiene por primera tarea la dirección de los
actores, coordina, y supervisa, el trabajo de los jefes de operadores de los
decoradores y los vestidores . Finalmente una vez que la filmación está
fragmentada en una serie de pequeñas escenas o números rodados en un
desorden aparente y sin cuidado de la cronología, tiene la obligación de vigilar
la continuidad de la obra. Un filme tiene que presentarse como un todo
coherente en su relato, su ritmo y su estilo. cuando, tras el rodaje., el realizador
dirigirá. finalmente el montaje y la sonorización
El realizador tiene por colaboradores más inmediatos a sus asistentes cuyo
papel es un poco el de ordenanzas de un jefe militar, son dos o tres. El primero
está especialmente encargado de todo lo concerniente a la puesta en escena:
actores, decorados, vestidos. Debe proveer todo y en todo momento. El
segundo asistente realiza para el director las labores de соnfianza más diversas,
sea para la preparación y la ejecución del rodaje como para las relaciones entre
los diversos colaboradores y actores.
Los asistentes vigilan para el realizador mil detalles, y uno de ellos, el
norteamericano Robert Lee, se describe asi en vísperas de un nuevo rodaje en
un nuevo decorado:
¿- El piso cruje? ¿El hogar de la chimenea funciona? ¿Se ha puesto suelas
silenciosas en los zapatos de los actores? ¿ Ha sido entregada la peluca de la
"estrella."? Y así por el estilo. Nada es demasiado pequeño , demasiado
insignificante para escapar a este control implacable. Una cinta que cuente una
historia necesita decorados, trajes, accesorios, aunque el realizador no emplee
estudios ni actores. El cine ha tomado y adaptado a. sus necesidades muchos
oficios del teatro: decorador, utilero, vestídor, etc.
En Francia se llama arquitecto decorador al encargado de construir los
decorados. En Estados Unidos y Gran Bretaña se le nombra director artístiсо,
en Rusia - artista pintor, en Italia - escenógrafo.
Antes de los estudios se conformaban con decorados planos pintados sobre tela
con sombras y perspectivas. Los italianos, desde el Renacimiento los mejores

48
decoradores del mundo, impusieron en seguida los decorados construidos en
tres dimensiones y no en dos.
Ya no bastaban telas montadas sobre una aromazón y pintadas con aparente
profundidad para representar la fachada de un palacio; se construía el palacio.
No se usaba precisamente marmol, ni piedra. Se comenzó por construir una
estructura de madera que se cubría con staff'. Esta mezcla da de yeso, cemento
y glicerinа, se moldea fácilmente y puede tomar todas las formas deseadas. Se
utiliza para los decorados de estudio y también para los decorados al aire libre,
sobre el terreno. Un arquitecto decorador debe poseer una vasta cultura. Puede
ser encargado de reconstruir en un estudio un palacio faraónico, un café vienés
de 1900, una aldea de la selva africana o una ciudad en llamas.
Otro elemento capital es el vestuario. Si el filme se desarrola en nuestros días,
el modisto tendrá, generalmente que efectuar una elección artística más que una
creación propiamente dicha. Su trabajo es naturalmente considerable en las
producciones que se llaman "filmes de guardarropía" que se desarrollan en
épocas históricas y cuando se trata de temas exóticos. Si la producción se
desarrolla en un medio elegante, las estrellas serán vestidas por los "buenos
cortadores". Estos utilizan el filme para su publicidad. Cuando al final
comienza el rodaje el di- señador de trajes está presente en el estudio para
dirigir el departamento de vestuario y controlar tanto el vestir de los figurantes
y los actores secundarios como el de los principales intérpretes.
En los comienzos del cine un operador trabajaba prácticamente como un
fotógrafo aficionado. Desde entonces el oficio ha evolucionado mucho. El jefe
de operadores o director de la fotografía tiene en una película un lugar capital,
en el que es asistido por dos o tres colaboradores. Ноy en dia un jefe de
operadores es ante todo un director de la luz.
Gracias a él un decorado puede tomar aspectos extremadamente distintos. Los
mismos actores verán modificada su expresión, según su rostro sea bañado por
una luz dulce o sumergido en un dramático contraste de sombras y luces.
Hemos visto en los terrenos de la Victorine a Christían Matras vigilar ansiosa-
mente una nube que amenazaba oscurecer el sol. El "falso tinte" que resultaría
puede obligar a recomenzar una escena de masas que ha necesitado muchas
horas de preparación.
Ocupado en la dirección de las 1as luces, un operador jefe necesita un segundo
operador. llamado camarógrafo. El camarógrafo de acuerdo con el realizador y
el director de la fotografía coloca los objetivos o lentes que aportan a las
cámaras una perspectiva determinada y abarcan una superficie y una
profundidad más o menos grande del decorado. Los planos más usados en un

49
filme son el gran plano (úniсаmente el гostro) , el pгimer plano (busto) , el
plano americano (de la cabeza a las rodillas), el plano medio (la figura entera) y
el plano general (que incluye varios personajes en un decorado). Estos diversos
planos no son escogidos durante el rodaje por el director de la fotografía o el
camarógrafo. Son establecidos en el guión técnico como los principales
movimientos de la cámara.
El jefe operador del sonido (también llamada ingeniero de sonido) graba las
palabras, los ruidos y la música. El útiliza uno o varios micrófonos, se mantiene
a cierta distancia de los actores en su cabina de audición, ante un amplificador
cuyas manecillas y botones manipula. Existe una perspectiva sonora análoga a
la perspectiva visual que se obtiene tanto por el emplazamiento y los
movimientos calculados como por la variedad de sus amplificaciones, variando
la intensidad, la modulación y la tonalidad del sonido.
Los actores ejercen sobre el público una verdadera fasсinаción. Pero si antes
los espectadores al hablar, por ejemplo, de La Cartuja de Parma decían
conmunmente que iban a ver una película de Gerard Phi1ipe. No pensaban en
Stendhal, ni en el principal autor cinematográfico, el realizador, Christian
Jaque (asociado a sus guionistas). Ahora “Mar adentro” es Javier Bardém, su
protagonista, y también Alejandro Almenábar, su realizador. Durante el rodaje
el realizador, ese "director de orquesta", dirige no solamente a los operadores
del sonido y de la fotografía, sino también y sobre todo a los actores. En el cine
los mas grandes comediantes deben ser guiados y coordinados, algunos de ellos
son excelentes con realizadores calificados, pero se hacen mediocres con
directores mediocres. Un director de primer orden imprime su estilo al filme.
A diferencia del actor teatral el actor cinematográfico no tiene, por definición,
contacto alguno con el público que interviene sólo cuando se estrena la
película, seis meses o un año más tarde. Un intérprete puede tanto menos
dejarse llevar por su personaje cuanto que en el estudio nunca vive sus
aventuras en orden cronológico. No puede, por lo mismo, representar una larga
parte de su vida. La acción se reduce en el cine a fragmentos minúsculos,
comparables a esos trocítos de piedra colorida que toman valor cuando son
reunidos en un mosaico,
"Hacer cine" no significa pues, ser una "estrella" afamada , la multitud de
oficios que requiere este arte bastaría para probar su universalidad. El cine es
espectáculo, técnica, mercancía, creación e industria. Es el más prodigioso me-
dio de cultura (o de embrutecimiento ) que ha producido el sig1o XX.
Georges Sadoul "Las maravillas del cine"

50
Ejercicio 8 Determinar que significado tienen en el texto las siguientes
palabras y expresiones:
ejercer un oficio, emprender la realización de un filme, guión técnico, adaptar
una obra para el rodaje, administrar la producción, fragmentar la filmación en
pequeñas escenas, colaborador inmediato, puesta en escena, decorados planos
(en tres dimensiones), filme de guardarropía, modisto, utilizar el filme para la
publicidad, en los comienzos del cine, aportar una perspectiva determinada,
imagen a filmar, comediante, labor de dirección, realizador calificado /
mediocre, imprimir su estilo al filme, dramático contraste de sombras y luces,
ser una estrella afamada, dejarse llevar por el personaje, universalidad.

Ejercicio 9. Buscar en el texto y en el vocabulario los equivalentes españoles

para:
сценарий, быть первоклассным режиссером, директор картины, следить
за непрерывностью съемок, художник-постановщик, главный оператор,
художник по костюмам, крупный, средний и общий планы, инженер
звукозаписи, натурные съемки, быть человеком большой культуры,
основополагающий элемент, статист, произведение искусства, декоратор,
руководить монтажом и озвучиванием фильма, премьера фильма.

Ejercicio10. Definir en que consiste el contenido de trabajo de todos los oficios

cinematográficos mencionados en el texto.

Ejercicio 11. Hablar de las dificultades que pueden presentarse durante la

producción de una película.
Ejercicio 12. Explicar lo común y lo diferente del teatro y el cine ; a)para los
actores: b) para el público.
Texto 3
ESPAÑOLES DORADOS /OSCARS/
JUAN DE LA CIERVA. obtuvo una estatuilla a la "mejor contribución técnica
a la industria cinemamatografíca por su invento el estabilizador óptico
Dynalens.

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GIL PARRONDO. Técnico español que obtuvo un Oscar a la "mejor dirección
artística" por su intervención en la película Patton de Franklin Schaffner.
ANTONIO MATTEOS. Técnico español que obtuvo un Oscar" a la mejor
ambientación por su intervención en Рatton .
JOSÉ СASTILLO obtuvo un Oscar al mejor vestuario por su intervención en la
película Nicolás у Alejandra rodada en España por el mismo director de Patton
LUIS BUÑUEL consiguió el Oscar a la mejor película no inglesa con la
película El discreto encanto de la burguesía.
NESTOR ALMENDROS. Consiguió un Oscar por su fotografía en la película
Los días del cíelo, de Terence Malick.
JOSÉ LUIS GARSI, su película Volver a empezar recibe el Oscar a la mejor
película no inglesa.
FERNANDO TRUEBA. Belle Epoque recibe el Oscar a la mejor película no
inglesa.
PEDRO ALMODOVAR Todo sobre mi madre recibe el Oscar a la mejor
película extranjera.
ALEJANDRO ALMENÁBAR Mar adentro recibe el Oscar a la mejor
película extranjera.
Ejercicio 13. Leer y traducir el texto 3.
Ejercicio 14. Preparar el informe sobre algún cineasta. ruso, español o de
cualquier otro país, ganador de este prestigioso premio internасiоna1.
Ejercicio 15. Traducir al español:
После нескольких недель проливных дождей, таких нетипичных для
Южной Калифорнии, день, когда в Лос-Анджелесе проходила очередная
церемония вручения премии «Золотой Глобус», выдался на редкость
погожим. На церемонию пришли все сливки голливудского общества.
Неудивительно. Ведь рейтинг этой премии уступает только рейтингу
самого «Оскара». За всё время существования «Глобуса» в девяноста
процентах случаев победитель в номинации «Лучший фильм года»
удостаивается и «Оскара» в подобной категории. Церемония
транслируется на 150 стран мира, и общее число её зрителей
приближается к полумиллиарду человек. Все приглашения именные, и
служба безопасности тщательно сверяет имя на билете с документами

52
гостя при помощи ручного компьютера. На лучших местах по традиции
сидят номинанты – актёры, режиссёры, сценаристы и продюсеры. Все
«судьи» - журналисты, пишущие о кино и телевидении, - приходят к
своему вердикту в одиночку.
В этом году среди номинированных фильмов, да и актёров, не
наблюдалось явных лидеров, за исключением, пожалуй, Джейми Фокса,
сыгравшего главную роль в картине «Рэй» о знаменитом слепом
музыканте Рэе Чарльзе. Фокс получил «Золотой Глобус» в номинации
«Лучшая главная роль в мюзикле или комедии».В драматической
актёрской категории успех сопутствовал Леонардо Ди Каприо,
сыгравшему эксцентричного миллиардера Говарда Хьюза в драме
Мартина Скорсезе «Авиатор». Фильм прлучил «Золотой Глобус» и как
лучшая драма. Приз за лучшую режиссуру достался Клинту Иствуду,
поставившему спортивную драму «Девчонка на миллион долларов».
Исполнительница главной роли Хилари Суонк получила приз как лучшая
драматическая актриса. Категория «Лучшая роль второго плана» не
различает жанров, и здесь победителями стали молодая кинозвезда
Натали Портман и восходящая британская звезда Клайв Оуэн, которого
прочат в новые Джеймсы Бонды. Оба сыграли в фильме «Близость».
Почетного «Золотого Глобуса» имени Сесиля де Милля был удостоен
комик Робин Уильямс Его полная юмора речь достойно увенчала
церемонию.
Texto 4
FLASHES DE LA PRODUCCIÓN ESPAÑOLA
Por Angel Jordán
"HISTORIAS DEL OTRO LADO"„ Trabajando a tope se encuentra nuestro
internacional José Luis Garsi, en los guiones de una serie que puede "pegar"
estrepitosamente. Se titulará según el epígrafe. Constara de diez episodios con
temas distintos y Garsi procurará en todos ellos, si no ponernos el vello de
punta al menos aguitarnos un poqito el sueño.
"LA VUELTA DE CRISTOBAL COLON". Aunque ahora se ha puesto de
moda arrojar pellas de barro a lo que fueron glorias españolas, el personaje
legendario del Descubridor de América- sí no lo fue, a ver, que lo demuestren -
vuelve al cine. La TVE, haciendo oídos sordos a los. envidiosos y
antiespanolistas ha encargado una serie sobre su vida y su hazaña ,en dibujos
animados al dibujante Claudio Biern, conocido como "El Walt Disney Espa-

53
ñol", muchos de cuyos héroes conocen nuestros chavales sobradamente:
"D*Artacan" "Willy Fog", "David el Gnomo". Suerte, Claudio, a ver sí lo sacas
bien guapo.
"LA GRIETA". Puede no ser una gríeta sino un socavón. El empeño fue gordo
y el rodaje que comenzó en setiembre en antiguos Estudios Verona, esta ahora
finándose. La película se ha realizado con una generosísima aportación de
efectos especiales, que tan bien maneja un especialista en ellos de la
experiencia de Juan Piquer. "La grieta" es un tema fantástico, que especula
con unas experiencias genéticas en el fondo del mar que producirán terribles
mutaciones en los seres que lo habitan. Coproducen Piquer, Dino de Laurentís
y el Banco Exterior de España. Su costo supera los dos millones de euros y
para algunos de sus trucos se contrató a Colín H.Artur, autor de las maravillas
de ”Alien”. En el reparto, los americanos Jack Scalia y Lee Ermey y los
españoles Tony Isbert, Emilio Linder y un debutante especial José Martines
Bordiu, hijo de los barones de Gotor y sobrino de los Marqueses de Villaverde.
¿LES HABLE DE "EL BAlLE DEL PATO"? ¿Qué no? Pues tomen nota,
porque está dando juego. Se trata de lo que podemos llamar "una
comedía/comedía". La produce un verdadero especialista Fernando Colomo y
la dirige Manolo Iborra un absoluto novel, o sea que están cambiando las
tornas. El reparto: ( Gurruchaga, Solfa, la Porque).
"LAS COSAS DEL QUERER" .Con un presupuesto que excede los cinco
milloncetes rueda Jaime Chavarri este tema musical, que produce Luis Sanz
volviendo a un tipo de cine que hoy hemos dejado de montar y que a él le
hiciera ganar muy buenos dineros. Hasta catorce números musicales llevará
la película , guionada por él y por el mismo productor. El ambiente es de
nuestra pasada guerra civil y volveremos a escuchar lógicamente cuplés como
"Ojos verdes", "La bien pagá" y similares, interpretados por Angela Molina, a
cuyo cargo corre la protagonista. Dos galanes para la chica Manuel Bandera y
Angel de Andrés López. El Sanz está encantado con su idea y la Molina con
sus canciones... Vuelve el folclore.
TRES SERIES. coincidiendo en rodaje en los estudios disponibles de Madrid.
"El cura de Bargota", en coproducción con otras dos autonomías (rueda Pedro
Olea su episodio "La forja de un rebelde", en tema basado en nuestra última
guerra civil. Filma, en Boadilla del Monte, Mario Camús uno de los seis
capítulos de hora y media. Y el arranque del super-serial "Episodios
Nacionales" del que hay, ya terminado, el episodio "La corte de Carlos IV" y
va a empezar a dirigir Juan Tebar "El 19 de marzo у el 2 de mayo". El tercer

54
episodio lo asume. Antonio Larreta con "Trafalgar". Y así hasta veintisiete
temas de una hora cada uno.
BARDEM CON LAS AUTONOMICAS. No recuerdo si ya les dije algo, pero
esta otra serie también puede tener mucha miga: una vida de Picasso, que
realizará Juan Antonio Bardém con participación - no tienen más remedio que
colaborar con "Madrid" - de otras TV autonómicas. El héroe central sería,
indiscutiblemente, Anthony Quinn, si se diera con el "Picasso joven "
Autonómicas; autonomías - cadenas de televisión de las comunidades
autónomas.
Ejercicio16. Buscar equivalentes rusos para las expresiones subrayadas y hacer
publicidad de alguna película al estilo de las del texto 4.
Список литературы:
Lorenzo López Sancho “Madrid” Everest , 2015
J .Otrega y Gasset “Tres cuadros del vino” El Espectador, 1976
Blasco Ibáñez “La maja desnuda” КАРО, 2019
J.Deleito y Piñnuela “La mala vida en la España de Felipe IV “Alianza, 2014
Javier Sierra “ El maestro del Prado y las pinturas proféticas” Planeta, 2014
Добровольский В.“Путеводитель по Эрмитажу”, Синдбад, 2021
Valentín Fernández-Tibau R. “El cine en definiciónes” Barcelona, 2011
Georges Sadoul “Las maravillas del cine” Madrid, 1999
Diccionario Oxford de la Música, Oxford University Press, 2001
Ian Shaw Macphail “Qué es una orquesta sinfónica” Universo, 1994
Сергей Рахманинов Воспоминания, записанные Оскаром фон Риземаном,
АСТ, 2016
Tirso Martini “Qué tan musicalmente complejas son las canciones de pop hoy”
Martini Editores 2020
“El ABC de la música hispánica”, El País semanal, julio 2013

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