1)Цели и задачи уроков ИЗО в начальных классах.

1. Целью преподавания изобразительного искусства в общеобразовательной школе является

формирование художественной культуры учащихся как неотъемлемой части культуры духовной,
приобщение к общечеловеческим и эстетическим ценностям, овладение национальным
культурным наследием.

В задачи преподавания изобразительного искусства входит:

формированиеу учащихся нравственно-эстетической отзывчивости на прекрасное и безобразное в

жизни, природе, искусстве;

формированиехудожественно-творческой активности школьника, развитие художественного

вкуса, творческого воображения, эстетического вкуса, эстетического чувства, воспитания интереса
к искусству и т.п.;

овладениеобразным языком изобразительного искусства посредством формирования

художественных знаний, умений и навыков при рисовании с натуры, по памяти и представлению,
при знакомстве с декоративно-прикладным искусством, при иллюстрировании, при работе с
пластическими материалами (глина, пластилин), графическими материалами (гуашь, пастель, кар,
фломастер, уголь) и т.д.;

развитие у детей изобразительных способностей, художественного вкуса, творческого

воображения, пространственного мышления, эстетического чувства и понимание прекрасного,
воспитание и любви к искусству;приобщение к наследию отечественного и мирового искусства.

Одна из главных задач занятий изобразительным искусством – помочь детям познать

окружающую действительность, развивать у них наблюдательность, научить видеть, но в то же
время не заглушить их творческую индивидуальность.

2)Цели и задачи обучения дошкольников созданию изображения.

2. Основной целью обучения ИЗО деятельности является развитие творческих способностей

детей. Впечатления, получаемые детьми из окружающей жизни, являются основным
содержанием этой деятельности. В процессе изображения у ребенка закрепляется определенное
отношение к изображаемому, уточняются и приобретаются знания об окружающем мире. Одна из
основных задач обучения детей — воспитание умения правильно передавать свои впечатления от
окружающей действительности в процессе изображения конкретных предметов и явлений.
Следующая задача обучения — развитие умений изображения нескольких предметов,
объединенных общим содержанием. Ребенку необходимо определить, что является главным в
изображении, а что второстепенным; решить композиционные задачи — как скомпановать все
объекты, чтобы видна была связь между ними; какими цветами следует закрасить предметы, в
каком положении их изобразить и т. д. Овладение этими изобразительными приемами — задача
довольно сложная, требующая развития мышления.Важной задачей обучения является развитие
умения составлять узоры, учитывая ритм, симметрию, цвет. Решение этой задачи связано с
особенностями эстетического развития дошкольника. Одна из важных задач обучения ИЗО
искусству — овладение техническими приемами работы с различными материалами. С
изобразительными умениями тесно связаны технические навыки, которые включают правильное
использование материалов и оборудования.

3)Основные и дополнительные цвета.

3. Есть всего три цвета, которые невозможно получить путем смешивания. Наоборот, с помощью
них можно составить все остальные оттенки и цвета. Это красный, желтый и синий цвет, которые
принято в живописи называть основными. Если смешать желтый и синий — получится зеленый
цвет, желтый и красный — оранжевый, красный и синий — фиолетовый. Эти цвета получаются
путем смешивания, поэтому и принято их называть составными цветами. Составлять цвета можно
и более, чем из 2 элементов. Так, например, если собрать на палитре все эти три цвета —
получится коричневый.

Лучше постепенно вводить зеленый в красный до получения необходимого результата.

Комбинации цветов - Это дополнительные цвета. У красного цвета дополнительным будет

зеленый, у желтого — фиолетовый, у синего — оранжевый. И наоборот, конечно же.

Если помнить об этих цветах и при рисовании пользоваться этими сочетаниями, то картины
получатся более живыми и гармоничными. Только надо помнить, что кроме дополнительных
цветов в основном цвете предмета будут присутствовать и рефлексы, которые дают окружающие
предметы. а так же многое зависит от освещения и цветовой гаммы картины.

4)Хроматические и ахроматические цвета.

4. Согласно теории цвета все цвета разделяют на ахроматические (черный, белый и

многочисленные градации серого) и хроматические (те, что обладают цветовым тоном).

Хроматические цвета различают по трем показателям: цветовому тону, насыщенности и

светлоте. В понятие «цветовой тон» включают то качество поверхности предметов, которое мы
определяем словами «красный», «желтый», «синий» и т.д. То есть цветовой тон выражает
отнесенность отраженных от поверхности предметов лучей к определенному участку спектра. В
обиходе его называют цветом.

Насыщенностью называется степень выраженности цветового оттенка, степень отличия его от

серого. Нулевую насыщенность имеют ахроматические цвета. Примерами малой насыщенности
цвета могут служить выгоревшая ткань, предметы, видимые сквозь туман или дым. Сильно
насыщенным цветом обладает зелень молодой травы под лучами солнца, новые краски в
коробке, спелый помидор. Под светлотой понимают тон предмета без учета его спектральной
принадлежности. В учебном процессе и в обиходе понятие «светлота» часто заменяют термином
«тон».

Другое разделение основано, скорее, на психологическом различении двух больших групп

цветов. Одна группа имеет ту особенность, что все ее цвета в той или иной мере содержат
желтый оттенок. Такую группу назвали «теплая гамма».
 Противоположное ощущение дает «гамма холодных цветов», также большая группа цветов и
примесей синего цвета. Применение знаний о холодных и теплых цветах находится в практике
архитектуры, строительства и оформления помещений. Например, знание того, что теплые тона
зрительно сокращают пространство, а холодные, напротив, иллюзорно его расширяют, помогает
дизайнеру создать нужное впечатление. Эмоционально и ассоциативно теплая гамма связывается
с оптимистическим настроем, холодная часто навевает лирически-грустное или меланхолическое
настроение.

5)Виды ИЗО.

5. Архитектура- это искусство постройки зданий и сооружений для жизни и деятельности людей.

Живопись- это вид изобразительного искусства, произведения которого создаются с помощью

красок (темпера, масляные краски, акрил, гуашь, …).

Графика- это вид изобразительного искусства, включающий рисунок и печатные изображения.

«Графо» - пишу, рисую, черчу.

Скульптура- Термин произошел от латинского «sculpere» - вырезать, высекать.

В отличие от живописи и графики, в скульптуре присутствует объем.

Скульптура – это объемное изображение.

Декоративно-прикладное искусство(ДПИ)- В каждом доме живут и служат нам различные

предметы. И если их коснулась рука художника, ювелира или народного умельца, то они
становятся произведением декоративно – прикладного искусства.

Театрально-декорационное искусство-Этот вид искусства включает в себя создание декорации,

бутафории, костюмов, грима.

Дизайн-Начиная с первобытного периода можно проследить развитие этого вида искусства.

6)Графика и ее виды.

6. Гра́фика (др.-греч. «записывать, писать») — вид изобразительного искусства, использующий в

качестве основных изобразительных средств линии, штрихи, пятна и точки. При работе в графике
обычно используют один или два цвета, кроме основного чёрного или красно-коричневого цвета
сангины, можно использовать белый, в особенности на тонированной бумаге. Но может
использоваться и вся цветовая палитра, как в живописи; согласно современной музейной
классификации, акварель, гуашь, пастель и другие техники, использующие бумагу и краски на
водной основе, тоже относятся к графике. Кроме контурной линии, в графическом искусстве
широко используются штрих и пятно, также контрастирующие с белой поверхностью бумаги —
главной основой для графических работ. Наиболее общий отличительный признак графики —
особое отношение изображаемого предмета к пространству, роль которого в значительной мере
выполняет фон бумаги. В зависимости от предназначения графика подразделяется на несколько
видов:
станковая графика (станковый рисунок, эстамп, все виды гравюры, акварель);

книжная графика (иллюстрации, виньетки, заставки, буквицы, обложка, суперобложка, форзац,

эрзац, шмуцтитул, создание рисунка шрифта, общее оформление книги);

журнальная и газетная графика (оформление и конструирование печатных изданий, карикатуры,

иллюстрации);

прикладная и промышленная графика, (почтовые марки, денежные знаки, буклеты, рекламные

издания, фирменные знаки, товарные ярлыки, упаковка, вывеска и др.);

графика письма (эпиграфика, каллиграфия, искусство шрифта);

плакат (вид торговой рекламы и политической агитации);

компьютерная графика

и некоторые другие виды графики.

7)Живопись и ее виды.

7. Жи́ вопись — вид изобразительного искусства, связанный с передачей зрительных образов

посредством нанесения красок на поверхность.

Существует пять видов живописи: станковая, монументальная, декоративная, театрально-

декоративная, миниатюрная[1]. К станковой живописи относят произведения, существующие
независимо от места создания. В основном это картины, созданные на мольберте (то есть на
станке) художника. В станковой живописи преобладают работы, выполненные масляными
красками, но могут использоваться и другие красители (темпера, акриловые краски и т. д.).
Картины пишутся в основном на холсте, натянутом на раму или наклеенном на картон. В прошлом
широко применялись деревянные доски, могут использоваться любые плоские материалы.

Монументальная живопись выполняется непосредственно на стенах и потолках зданий и других

сооружений. В прошлом преобладала живопись водными красками по сырой штукатурке
(фреска). В Италии до начала XVI века по высохшей «чистой фреске» практиковалась прописка
деталей темперой. Техника «чистой фрески» требует особого мастерства от художника, поэтому
применялись и другие технологии, например, не такая устойчивая живопись по сухой штукатурке
— секко, позднее росписи выполнялись малоподходящими для монументальной живописи
масляными красками.

Цветные изображения на бумаге (акварель, гуашь, пастель и др.) формально, например, по месту
в коллекции, относят к графике, но эти произведения часто рассматриваются и как живописные.
Все другие способы цветного изображения относятся к графике, в том числе и изображения,
созданные с помощью компьютерных технологий.

Наиболее распространены произведения живописи, выполненные на плоских или почти плоских

поверхностях, таких как натянутый на подрамник холст, дерево, полотно, обработанные
поверхности стен и т. д.
8)Декоративное прикладное искусство и его виды.

8. Декоративно-прикладное искусство (от. лат. decoro — украшаю) — раздел декоративного

искусства, охватывающий создание художественных изделий, имеющих утилитарное назначение.

Произведения декоративно-прикладного искусства отвечают нескольким требованиям: обладают

эстетическим качеством; рассчитаны на художественный эффект; служат для оформления быта и
интерьера. Такими произведениями являются: одежда, плательные и декоративные ткани, ковры,
мебель, художественное стекло, фарфор, фаянс, ювелирные и другие художественные изделия. В
научной литературе со второй половины XIX века утвердилась классификация отраслей
декоративно-прикладного искусства по материалу (металл, керамика, текстиль, дерево), по
технике выполнения (резьба, роспись, вышивка, набойка, литьё, чеканка, интарсия и т. д.) и по
функциональным признакам использования предмета (мебель, посуда, игрушки). Эта
классификация обусловлена важной ролью конструктивно-технологического начала в
декоративно-прикладном искусстве и его непосредственной связью с производством.

9)Скульптура и ее виды.

9. Скульпту́ра (лат. sculptura, от sculpo — вырезаю, высекаю) — вид изобразительного искусства,

произведения которого имеют объёмную форму и выполняются из твёрдых или пластических
материалов. В широком значении слова — искусство создавать из глины, воска, камня, металла,
дерева, кости и других материалов изображение человека, животных и других предметов
природы в осязательных, телесных их формах.

Художник, посвятивший себя искусству скульптуры, называется скульптором или ваятелем.

Главную его задачу составляет передача человеческой фигуры в реальном или идеализированном
виде, животные играют в его творчестве второстепенную роль, а прочие предметы являются лишь
в значении придаточных или обрабатываются исключительно с орнаментальной целью. Главные
жанры скульптуры

портретный;

исторический;

мифологический;

бытовой;

символический;

аллегорический;

анималистический.

Художественно-выразительные средства скульптуры:

построение объёмной формы;

пластическое построение модели (лепка);

разработка силуэта;
разработка фактуры (в некоторых случаях также цвета).

Виды скульптуры:

круглая скульптура (статуя, группа, статуэтка, бюст), осматриваемая с разных сторон и окруженная
свободным пространством;

рельеф, где фигура представляется отчасти погруженною в плоский фон и выступающей из него.

Различают три вида рельефа:

барельеф (выпуклая фигура выступает менее, чем на половину);

горельеф(выпуклая фигура выступает наполовину);

контррельеф (фигура не выпуклая, а, наоборот, заглублённая)

В зависимости от предназначения скульптура делится:

монументальная скульптура (памятники, монументы), связанная с архитектурной средой.

Отличается значительностью идей, высокой степенью обобщения, крупными размерами;

монументально-декоративная скульптура включает все виды убранства архитектурных

сооружений и комплексов (атланты, кариатиды, фризы, фронтонная, фонтанная, садово-парковая
скульптура);

станковая скульптура, не зависящая от среды, имеет размеры, близкие к натуре или меньшие, и
конкретное углублённое содержание. Рассчитана на восприятие с близкого расстояния.

Способ получения скульптуры зависит от материала:

пластика — наращивание объёма скульптуры добавлением мягкого материала (глина, воск)

ваяние — отсекание лишних частей твердого материала (камень и другие материалы)

отливка — произведение возникает благодаря вливанию в форму расплавленного металла

(бронзы, например)

10)Жанры ИЗО.

10. Термин «жанр» произошел от французского – вид, род.

Первые самостоятельные жанры появились в Нидерландах в 16 веке.

Исторический- это произведения искусства, в которых отражены реальные исторические

персонажи или события.

Мифологический, религиозный- это произведения искусства, в которых отражены

мифологические и религиозные сюжеты.

Батальный-это произведения искусства, в которых отражены военные эпизоды.

Художник, который пишет на батальные темы, называется баталистом.

Портрет- это изображение человека в скульптуре, живописи и графике.

Портреты, написанные художниками, доносят до нас образы людей прошедших эпох.

Пейзаж- картина, в которой природа стала её главным содержанием.

Термин «пейзаж» (paysage) пришел из французского языка, что в переводе означает «природа».

Натюрморт- Термин «натюрморт» произошел от французского слова, буквально означающего

«мертвая природа».

Это картины, героями которых являются различные предметы обихода, фрукты, цветы или снедь
(рыба, дичь и так далее).

Натюрморты рассказывают нам не только о вещах, но и об их владельцах, об их жизни, быте и

привычках.

Бытовой- это картины, на которых отражены эпизоды из повседневной жизни людей.

Марина- это произведения искусства, на которых изображено море.

Художник, который пишет море, называется маринистом.

Анималистический- это произведения искусства, на которых изображены животные.

Интерьер- Изображение внутреннего убранства архитектурного сооружения.

11)Декоративное рисование.

11. Декоративное рисование даёт учащимся основы графической грамоты, способствует развитию
творческих способностей. Особенно эффективно творческие способности развиваются на уроках
декоративного рисования.

В программу по рисованию включены задания по составлению узоров, оформлению альбомов, по

декоративному оформлению помещений.Такие задания способствуют пробуждению творческих
сил и самодеятельности учащихся.

Декоративное рисование ставит своей целью ознакомить учащихся с основными принципами

декоративно-прикладного искусства. Декоративное рисование совершается на основе
определённых правил и законов: соблюдение ритма. симметрии. гармонического сочетания
цветов. На уроках декоративного рисования учащиеся знакомятся с законами композиции,
составляют узоры, продолжают овладевать навыками работы акварельными красками, гуашью,
тушью, изучают, орнаментальное творчество разнвх народов стран.

12)Беседы об ИЗО.

12. Программой по изобразительному искусству предусмотрено ознакомление учащихся с

историей
изобразительного искусства, его видами и жанрами.

Школьники знакомятся с историей искусства во время уроков-бесед, посвященных отдельным

периодам, эпохам, видам, жанрам изобразительного искусства, художникам, а также в процессе
практических занятий. И в том, и в другом случае их основная цель — научить детей понимать
основы языка изобразительного искусства, видеть произведение в единстве его содержания и
формы, самостоятельно анализировать произведения различных видов и жанров. В результате
обучения в I—VI классах школьники должны знать наиболее значительные картины, скульптуры,
архитектурные соору¬жения, созданные

в нашей стране и за рубежом.

Приобщение к искусству необходимо связывать с трудовым и нравственным воспитанием, в том

числе и на примерах из истории искусства (труд художника, его личность, воспитательные цели
его творчества).

Таким образом, уроки-беседы об изобразительном искусстве призваны содействовать

коммунистическому

воспитанию школьников, формировать их идейно-политические убеждения, патриотические

чувства, воспитывать любовь к искусству, художественный вкус, развивать творческое
воображение.

13)Рисованиеснатуры.

13. Рисование с натуры развивает наблюдательность и вырабатывает у ребёнка навыки рисунка.

Ведь, рисуя с натуры различные по размеру, цвету и форме предметы, ребёнок упражняется в
построении композиций. Рисовать с натуры можно карандашом, фломастером и красками.

Первым этапом рисования с натуры является постановка предмета для рисования. Для того чтобы
было удобнее рисовать, предмет нужно расположить перед собой на расстоянии трёх его
размеров.

Вторым этапом является зарисовка этих общих форм предмета на листе бумаги, то есть их
правильное размещение.

Третий этап — теневая штриховка изображённого предмета. У художников этот этап называется
проработкой. Покрывая фон и предмет цветом, не забывай о тени.

Рисование с натуры нужно начинать с простых предметов.

14)Рисование по памяти. 15)Рисование по представлению. 16)Рисование по воображению.

14. 15. 16. Создание произведений искусства немыслимо без творческой фантазии, без участия
памяти. В практике художественного образования сложилась определенная терминология,
которая различает некоторые виды работ над изображением, проводимые без
непосредственного использования натуры. Это рисование по памяти, по представлению и по
воображению. В их основе лежит работа памяти, мышления, а также предшествующие
наблюдения и рисование с натуры.
Под рисованием по памяти подразумевается выполнение рисунков и набросков на основе
зрительной памяти, т.е. следов, имеющихся в памяти в результате недавно проведенного
рисования с натуры. В этом случае изображаемый объект передается на рисунке в таком же
положении, с той же точки зрения, как это имело место при рисовании с натуры. У художника
обычно сохраняются достаточно четкие впечатления от процесса работы над рисунком с натуры,
что позволяет достаточно убедительно выполнить рисунок аналогичного содержания по памяти. В
последнем случае стремятся передать в рисунке наиболее существенные особенности натурной
постановки. При рисовании по представлению изобразительная деятельность протекает по
несколько иному принципу. Изображение выполняется также на основе работы памяти, с
использованием зрительных представлений, полученных ранее в результате наблюдений и
натурных зарисовок. Кроме того, в процессе рисования по представлению определенную роль
играет воображение, умение изобразить знакомые объекты в различных положениях,
комбинациях. Рисование по представлению является более сложным видом изобразительной
деятельности, чем рисование по памяти. Одним из наиболее часто практикуемых видов занятий
рисованием по представлению являются задания по изображению сюжетов академических
постановок или отдельных объектов, изучавшихся ранее при рисовании с натуры и передаваемых
затем в рисунках по представлению в различных положениях, словно бы вы рассматриваете их с
разных точек зрения.

Рисование по воображению, как видно из названия, основывается на работе воображения,

фантазии, памяти. Вы можете изобразить какие-либо реальные объекты, предметы в самых
неожиданных, порой невероятных сочетаниях. Нередко рисовальщик создает на основе
творческого воображения как будто бы совершенно новые, никогда им не виденные события или
предметы. Между тем это новое создается художником на основе памяти, зрительных
представлений, приобретенных путем наблюдений и зарисовок окружающей действительности и
является отражением, воспроизведением следов ранее воспринятых впечатлений. Такие
представления в сочетании со знанием изображаемого материала и с творческим воображением,
обогащенные и преобразованные фантазией, являются обязательным условием создания
произведений искусства.

17)Законы света и тени в ИЗО.

17. СВЕТ И ТЕНЬ, СВЕТОТЕ́НЬ — важнейшие парные категории теории и практики

изобразительного искусства. Светоте́нь — наблюдаемое на поверхности объекта распределение
освещённости, создающей шкалу яркостей.

В изобразительном искусстве свет и тень взаимосвязаны, поскольку используются в качестве

изобразительных средств. Отсюда обобщенное понятие: светотень, в котором подразумевается
определенное количественное отношение качеств света и тени.

Светотень как средство композиции применяется для передачи объема предмета. Степень
рельефности объемной формы связана с условиями освещения, что имеет непосредственное
отношение к выражению конструктивной идеи произведения. К тому же степень освещенности
изображаемого оказывает значительное влияние на характер цветовых и тональных контрастов,
на уравновешенность, взаимосвязь частей и целостность композиции.

Трактовка объема и освещенности объектов зависит от светотеневых объектов, образующих

всевозможные контрасты тени, полутени и рефлексы, наделенные своими цветовыми качествами
и свойствами.
Объемные формы в природе воспринимаются так или иначе освещенными. Градации света и тени
на их поверхности определяют понятиями: блик, свет, светораздел (полутон), тень, рефлекс.
Различают следующие элементы светотени:

света́ — поверхности, ярко освещённые источником света;

блик — световое пятно на ярко освещённой выпуклой или плоской глянцевой поверхности, когда
на ней имеется ещё и зеркальное отражение ;

те́ни — неосвещённые или слабо освещённые участки объекта. Тени на неосвещённой стороне
объекта называются собственными, а отбрасываемые объектом на другие поверхности —
падающими;

полуте́нь — слабая тень, возникающая, когда объект освещён несколькими источниками света.

Она также образуется на поверхности, обращённой к источнику света под небольшим углом;

рефле́кс — слабое светлое пятно в области тени, образованное лучами, отражёнными от близко
лежащих объектов.

Изображение градаций светотени помогает художнику выявить объем изображаемых тел на

плоскости листа бумаги, картона, холста.

18)Приемы работы акварельными красками.

18. В акварели есть три основных приёма рисования (акварельные техники) - это лессировка,
вливание и заливка. Ими и пользуются при рисовании акварелью. Также есть корректирующий
приём - отмывка. Остальные приёмы в акварели вспомогательные, они помогают добиться
интересных эффектов. Приёмом заливка пользуются для создания фонов. Им можно сделать как
однородный фон, так и фон с нежными переходами из цвета в цвет. Особенность этого приёма -
это создание однородно закрашенной поверхности. Этой акварельной техникой можно также и
просто затонировать бумагу для пастели или рисунка например. Приёмом "алла прима" создают
плавные и нежные переходы из цвета в цвет. Особенность этой акварельной техники такова, что
краска на бумаге должна быть влажноватой, при этом цвет берём в нужном тоне сразу, ведём
работу быстро, чтобы краска не успевала засохнуть у края, чтобы не образовывались засохшие
потёки. Этот приём характерен тем, что работают акварелью по сухой бумаге в один слой, кладя
сразу на белую бумагу нужный цвет в полную силу. Приём "алла прима" и "лессировка" -
основные в акварельной живописи. Приёмом лессировка пользуются для создания теней, а также
для создания нового цвета оптически. Смешение цветов на палитре - это механическое смешение
цветов. А накладывание прозрачных слоёв краски на бумаге даёт оптическое смешение цветов
зрительно. Приём отмывка нужен тогда, когда нужно что-либо скорректировать: убрать границу
потёков, сделать её более плавной или просто осветлить некий участок в работе.

19)Последовательность работы над натюрмортом акварелью.

19. 1.Выбирается точка зрения. Определяется положение предметов относительно уровня глаз
художника. (поисковые эскизы могут быть выполнены как на отдельном листе, так и правом,
левом верхнем углу листа)

2.Прорисовать художественную линию горизонта.

3.Наметить от края листа «поля». Они исполняются для того, чтобы предметы центральной
композиции картины не упирались своей верхней, нижней и боковой частями в край картины.

4.Нахождение центра картинной плоскости. Для этого прорисовываем на бумаге крест из

серединных линий по вертикали и горизонтали или диагоналей из углов картины.

5.Определить штрихами место расположения и размер предметов натюрморта.

6.Едва касаясь карандашом листа бумаги, прорисовываются серединные линии предметов и

следы предметов, так называемые линии основания предметов натюрморта. Серединные линии
прорисовываются параллельно боковому краю бумаги, следы параллельно нижнему краю
бумаги.

7.Проверить расположение осей и следов. Оси разных предметов не должны совпадать друг с
другом и с вертикальной серединой картины. Следы предметов тоже не должны совпадать или
находиться на одной линии. Это нарушает законы композиции.

8.С помощью визуального метода уточняются размеры, форма и расположение предметов. Для
этого необходимо избрать модуль, с помощью которого будем работать.

9.Тонкими линиями наметить невидимые части предметов, места излома формы, расположение
теней.

10.Рисунок должен быть выполнен тонкими линиями, чтобы они не просвечивали через акварель.

11.Первая прокладка тоном (для рисунка карандашом и техники гризайль), или локальными
цветами для живописи. Соблюдение тональных изменений на свету и в тенях. Начиная писать, не
увлекайтесь деталями, постарайтесь обобщенно прописать всю поверхность листа.

12.Уточнение цвета. Проработка основных масс предметов и форм.

13.Если вам понадобиться что-то ослабить в тоне, попробуйте промыть это место чистой водой и
написать заново.

14.Детали прорабатываются постепенно тонкой кисточкой по сухому слою краски. Основная

работа на этом этапе – выделить главное, и добиться цельности композиции.

20)Творчество Тогрул Фарман оглу Нариманбекова.

20. Тогрул Фарман оглы Нариманбеков — один из крупнейших азербайджанских художников XX

века, Народный художник Азербайджана (1967). Жил и работал в Баку и в Париже. 7 августа 1930
года в Баку родился Тогрул Нариманбеков. Тогрул Нариманбеков учился сначала в
Азербайджанском художественном училище имени Азима Азимзаде, затем, с 1950 по 1955 год —
в Литовском художественном институте в Вильнюсе.
С 1952 года Тогрул Нариманбеков является участником художественных выставок. В 1961, 1965 и
1975 году состоялись персональные выставки в Баку. В 1967 и 1972 — в Москве, в 1972 году — в
Вильнюсе, в 1973 — в Волгограде, в 1965 — в Праге, в 1973 — во Вроцлаве, Варшаве и Сопоте, в
1975 — во Львове.

С 1955 года — член Союза художников СССР. В 1967 году удостоен звания «Народный художник
Азербайджана».

Нариманбеков является автором жанровых композиций («Заря над Каспием», 1957,

Азербайджанский музей искусств, Баку; «На полевом стане», 1967, Третьяковская галерея; «Перед
праздником», 1971), пейзажей («Баку», 1964, Азербайджанский музей искусств, Баку), портретов
(С. Бахлулзаде, 1959) и натюрмортов («Гранаты и груши», 1961, Музей искусства народов Востока,
Москва), росписей (в зданиях Азербайджанского театра кукол имени А. Шаига, 1975, 1978; фойе
гостиницы «Москва», 1977; Верховного Совета Азербайджанской Республики, 1980, — все в Баку)

Также Нариманбеков работал над театральными декорациями. В 1968 году он оформил балет
«Тени Кобыстана» Фараджа Караева (Театр оперы и балета им. М. Ахундова, Баку). В 1974 году за
оформление хореографической поэмы «Сказание о Насими» в Азербайджанском театре оперы и
балета им. М. Ф. Ахундова был награждён Государственной премией Азербайджанской ССР. А в
1980 году за оформление балета «1001 ночь» Амирова — награждён Государственной премией
СССР.

Помимо деятельности художника, Нариманбеков являлся обладателем прекрасного голоса и в

юные годы исполнял различные арии азербайджанских и зарубежных композиторов. 5 августа
2000 года по указу президента Азербайджана Гейдара Алиева Нариманбеков за большие заслуги
в развитии культуры Азербайджана был награждён орденом «Истиглал» (Независимость). 9
августа 2010 года по указу президента Азербайджана Ильхама Алиева Нариманбеков за заслуги в
развитии азербайджанского художественного искусства награждён орденом «Шараф» (Честь).

21) Творчество Омар Гасан оглу Эльдарова.

21. Родился 21 декабря 1927 года в городе Дербенте.

С 1942 по 1945 год учился в Азербайджанском Государственном художественном училище им.

А.Азимзаде. В 1951 году окончил Институт живописи, скульптуры и архитектуры им. И. Е. Репина.
Учился у таких великих мастеров как А. Т. Матвеев, М. А. Керзин, В. Б. Пинчук.

В 1980 году за памятник-ансамбль Садриддину Айни в Душанбе (1979) был награжден

Государственной премией СССР. Кавалер Ордена «Знак Почета». За памятник П. А. Джапаридзе в
Баку (1980) получил Государственную премию Азербайджанской ССР. Среди самых известных
работ мастера — памятник Физули в Баку (1962, совместно со скульптором Токаем Мамедовым),
за который был награжден Серебряной медалью Академии Художеств СССР, памятник Натаван
(1960, Баку, архитекторы Э. Исмаилов, Ф. Леонтьева), памятник воинам 77-й стрелковой дивизии в
Крыму, портрет дирижера Ниязи (1984), «Голова смеющегося рабочего» (1984), «Махатма Ганди»
(1987), «Авиценна» (1980), «Рабиндранат Тагор» (1987), портреты Айсель (1988), Айтен (1988).
Автор памятника Саттара Бахлулзаде, бюст Муслима Магомаева, памятника Гусейну Джавиду
(1993), памятника Мамед Амину Расулзаде (1995),Азиму Азимзаде (2002), барельефа Рашида
Бейбутова (2006), бюста Низами Гянджеви в Чебоксарах (2004), надгробий Ших-Али Гурбанова
(1992), Зарифы Алиевой, Ниязи, Фикрета Амирова, Гейдара Алиева, Рашида Бейбутова, Тофика
Кулиева на Аллее Почетного Захоронения в Баку, надгробия и барельефа Узеиру Гаджибекову в
Вене (2005), барельефа Ниязи (2006), памятников Гейдара Алиева в Нахичевани (2006), памятник
Ихсан бею Дограмачи в Анкаре (2003), мемориальной доски Ших-Али Гурбанова (1993),
мемориальной доски Тофика Кулиева (2006), мемориальных досок Гейдара Алиева и академика
Зарифы Алиевой (2008). Во время торжественных мероприятий, посвященных 65-летию Союза
художников Азербайджана награжден «Золотой медалью» за вклад в развитие изобразительного
искусства Азербайджана. В честь празднования 250-летия Российской Академии художеств
удостоен наградой — памятной медалью «За заслуги перед Академией в честь 250-летия» (2007).
С 1995 по 2000 годы являлся депутатом парламента — Милли Меджлиса Азербайджана. Женат,
имеет троих детей: дочеря — Лала Эльдарова (искусствовед, Институт искусства и архитектуры
НАНА), Камилла Эльдарова (живопись), сын — Муслим Эльдаров (скульптор, издатель
Государственной книги Азербайджана — 2002, журнала «Caspian»).

22) Творчество Мир Мохсун Навваба.

22. Азербайджанский художник, каллиграф, теоретик музыки, поэт Мир Мохсун Навваб родился в
1833 году в Шуше, в семье Хаджи Сейида Ахмеда. Навваб был весьма разносторонне
образованной личностью своего времени. Получив в духовной школе начальное образование, он
освоил арабский, персидский и турецкий языки. В дальнейшем в медресе Аббаса Сараджалы
изучал астрономию, химию, математику и другие науки.

Дома у него была химическая лаборатория и установлены два телескопа. В 1899 году он написал
книгу «Кифаятул-атфал», которая была издана как учебник. В этой книге Навваб разработал
таблицы о размещении небесных тел и солнечных затмениях.

Навваб участвовал в культурной и общественной жизни города. Он писал стихи и публиковал

книги в открытой им же типографии. Он также преподавал в школах — «мектебах» и издал свыше
двадцати книг, посвящённых различным отраслям науки и искусства. Он создал музыкальные
собрания — «меджлисы». На этих меджлисах присутствовали поэты и певцы того времени, среди
которых Абдулла бек Аси, Мешади Джамиль Амиров, Ислам Абдуллаев, Сеид Шушинский.

В области изобразительного искусства Наввабом созданы несколько рисунков акварелью,

книжных миниатюр и узоров на нескольких зданиях и мечетях в Шуше. Для его творчества
характерны орнаментальные стенные росписи, рисунки с изображением цветов и птиц.

Просветительская деятельность Hавваба способствовала развитию азербайджанской культуры.

Ему принадлежит первый изданный в Азербайджане труд об азербайджанской музыке - «Вузух
уль-аргам» («Прояснение чисел», 1913). Создавая эту работу, Навваб опирался на исследования
выдающихся философов и музыкантов средневекового мусульманского Востока (аль-Фараби, Ибн
Сина, Сафи-ад-дин, Мараги) и античности (Платон, Аристотель). Наибольший интерес в труде
Навваба представляет раздел, посвященный мугамам. Навваб объединил мугамы в своеобразную
систему, а также впервые использовал термин «дастгях».

Один из прекрасных уголков Карабаха — Шуша — был некогда храмом и колыбелью

азербайджанской музыки. Город справедливо был назван "консерваторией Кавказа". В Шуше
Навваб родился, жил, творил и умер. Обладая энциклопедическими знаниями и редкими
способностями, он внес весомый вклад в азербайджанскую науку, литературу и искусство.

23)Творчество Уста Гамбар Гарабаги.

23. Уста Гамбар Карабаги (1830-е, Шуша, Российская империя — 1905, Шуша, Российская империя)
— азербайджанский живописец-орнаменталист, автор ярких декоративных росписей яичной
темперой (растительные и зооморфные мотивы) в интерьере Дворца шекинских ханов, в домах
Рустамова и Мехмандарова в Шуше и др.В творчестве Уста Гамбара Карабаги нашли место
национальные традиции стенной росписи, в которых можно обнаружить наиболее ценное в
наследии азербайджанского искусства. Чеканная отделка и богатство композиционных и
цветовых решений наблюдаются в его тонком графическом рисунке сложного растительного
орнамента. В разветвлённые узоры цветов и растений художник вводит изображения животных и
фантастических существ. Роспись также не нарушает плоскостность стены, и даже подчеркивает её
конструктивные архитектурные детали.

Поздние работы Карабаги, сохраняя мастерство старинных декоративных росписей отличаются

нарастанием реалистических черт в трактовке отдельных изобразительных мотивов. Так, известно
выполненное им панно в доме Мехмандарова в городе Шуша (Карабах), где изображения оленей
и гранатового дерева, к примеру, отличаются большой свободой и сочностью форм. Художник
творит на основе как ранее сложившихся канонизированных схем, так непосредственных
наблюдений.

24) Творчество Мирза Гадим Мамедгусейн оглу Иревани.

24. Мирза Гадим Иревани родился в городе Иреван Западного Азербайджана. Искусству
рисования он научился у своего отца — мастера резьбы по дереву. В начале своего творческого
пути М.Г.Иревани занимался декоративным искусством, работал как художник- орнаменталист и
портретист. Он является основоположником станковой живописи1 в Азербайджане. Его работы
“Кавалерист”, “Танцовщица”, “Дервиш” сегодня демонстрируются в Азербайджанском
государственном музее искусств.

Художник восстановил панно и сюжетные композиции во Дворце Сардара в Иреване. На стенах

зала, называемого зеркальным, он написал монументальные2 портреты Фатали шаха Гаджара и
Аббаса Мирзы. В результате армянской агрессии этот архитектурный памятник был разрушен.

Созданные М.Г.Иревани картины “Виджихулла Мирза”, “Молла”, “Женщина”, “Портрет молодого

человека” хранятся в Азербайджанском государственном музее искусств, а “Мах Талят ханум” — в
Грузинском государственном музее искусств. Эти портреты своей выразительностью и ярким
колоритом восхищают зрителей и сегодня.

В полотна “Царь Александр с супругой”, “Шах и визирь” художник включил бытовые сцены. В
музее Эрмитаж в Санкт-Петербурге хранится его произведение “Цветы и птицы”.

Декоративность и реализм в произведениях мастера, объединившего стиль восточной

миниатюры, народное творчество и европейский стиль живописи, дополняют друг друга.

М.Г.Иревани заложил основы нового направления в изобразительном искусстве Азербайджана.

25)Витраж.

25. Витра́ж — вид монументального искусства, произведение изобразительного декоративного

искусства или орнаментального характера из цветного стекла, рассчитанное на сквозное
освещение и предназначенное для заполнения проёма, чаще всего оконного, в каком-либо
архитектурном сооружении.

С давних пор витраж использовался в храмах.

В раннехристианском храме окна заполнялись тонкими прозрачными пластинами камня

(алебастра, селенита), из которых составляли орнамент.

В романских храмах (Франция, Германия) появились сюжетные витражи. Многоцветные, большие

по размеру витражи из разнообразных по форме стёкол, скреплённых свинцовыми перемычками,
являлись особенностью готических соборов. Чаще всего готические витражи изображали
религиозные и бытовые сцены. Они размещались в огромных стрельчатых окнах, и в так
называемых окнах «розах». В эпоху Возрождения витраж существовал как живопись на стекле,
применялась техника выскабливания по специально покрашенному разноцветному стеклу.

26)Фреска.

26. Фре́ска (от итал. fresco — свежий), аффреско (итал. affresco) — живопись по сырой штукатурке,
одна из техник стенных росписей, противоположность «а секко» (росписи по сухому). При
высыхании содержащаяся в штукатурке известь образует тонкую прозрачную кальцитную плёнку,
делающую фреску долговечной. Выполняется художником-фрескистом.

В настоящее время термином «фреска» могут называть любую стенную живопись, вне
зависимости от её техники (а секко, темпера, живопись масляными, акриловыми красками и т. д.).
Для обозначения непосредственной техники фрески иногда используют наименование «буон
фреска» или «чистая фреска». Впервые этот термин появился в трактате итальянского художника
Ченнино Ченнини (1437). Иногда по уже сухой фреске пишут темперой.

27)Ковроделие.
27. Ковроделие- старинный художественный промысел, производство ковров. Ручное
ковроткачество существует с тех времен, когда люди научились производить пряжу и ткани из
волокнистых материалов. Родиной ковроткачества считается Персия. Историки считают, что
тогдашние восточные кочевники ткали плотные теплые полотна, чтобы иметь возможность
быстро обустроить жилье. В условиях кочевой жизни ковры защищали от ветра и песка и
позволяли разделить помещение или украсить его. Трансформация бытового полотна в
произведение искусства началась, очевидно, в то время, когда кочевники стали вести оседлый
образ жизни.Также это народное прикладное искусство Азербайджана и одна из его ветвей -
ковроделие занимают особое место в истории национальной культуры.

Наиболее широко распространенным видом народных ремесел является ковроделие, занявшее

прочное место в быту азербайджанского народа и ставшее едва ли не символом народа.
Ворсистые и безворсные ковры, украшенные различными узорами и изображениями,
используются для украшения стен и мощения полов в землянках, палатках, юртах, а также жилых
домах и других строениях, представляя большое эстетическое значение.

28)Шелкопрядство.

28. Шёлк – ткань, изготовляемая из нити, производимой шелковичным червем, то есть, гусеницей
тутового шелкопряда. В периодокукливания гусеница, питавшаяся листьями тутового дерева
(шелковицы), выделяет особое вещество, которое на воздухе застывает, превращаясь в нить. Из
этой нити гусеница плетет вокруг себя кокон – своеобразный мягкий мешок или футляр, в котором
превращается в куколку. На фермах по производству шелковичного сырья, когда гусеницы
заплетаются в коконы, их обдают горячим паром, чтобы размягчить и сделать легкой размотку.
Это необходимо сделать прежде, чем из куколки выведется бабочка и разрушит кокон, чтобы
выйти наружу. Вывестись дают только нескольким бабочкам, которых оставляют на развод. Из
одного кокона добывают нить длиной до трех километров. Из шелковичных нитей прядут саму
шелковую ткань. Главная ценность ее заключается в исключительной прочности, легкости и
мягкости. Появившийся в наше время синтетический шелк не может полностью заменить
натуральный. Также как известно, одной из древних и прибыльных отраслей сельского хозяйства
нашей республики было шелководство. Им занимались еще в начале новой эры так же как и
произовдством изделий из шелка. По оценкам экспертов легкой промышленности,
азербайджанский шелк по своей красоте и отличному качеству намного превосходил аналоги из
других стран мира.

Производство шелка было широко распространено в северо-западной и юго-западной частях

Азербайджана. Сфера шелководства имеет 1500-летнюю историю и богатые традиции. И когда
речь заходит о шелке, перед нашим взором встает древний город Шеки, сохранивший традиции
шелководства, которое на протяжении веков занимало главное место в жизни и быте шекинцев.
Об этом свидетельствуют археологические исследования, проведенные в этом благодатном крае.
Согласно средневековым источникам, самым большим центром по производству шелка и
шелкопрядству считался Шеки, который располагался на крупном караванном пути, что явилось
причиной строительства караван-сараев, оживления городской жизни, оказало заметное влияние
на развитие ремесла и рост торговли. Нежные ткани, красивая одежда, разноцветные кялагаи,
изготовляемые шекинскими мастерами из шелка-сырца, экспортировались в зарубежные страны.
Уже в советское время в 1931 году в Шеки начал работать шелковый комбинат, ставший крупным
предприятием шелковой промышленности в бывшем Союзе.
29)Ювелирные изделия.

29. Ювели́ рное изде́лие — изделие из драгоценных металлов и камней (кольцо, серьги, браслет,
колье, брошь, настольные украшения и пр.). Основной характеристикой ювелирных изделий
является наличие работы мастера (ювелира), который создаёт изделия. к ювелирным изделиям
относятся изделия, изготовленные из драгоценных металлов и их сплавов, с использованием
различных видов художественной обработки, со вставками из драгоценных, полудрагоценных,
поделочных, цветных камней и других материалов природного или искусственного
происхождения или без них, применяемые в качестве различных украшений, предметов быта,
предметов культа и/или для декоративных целей, выполнения различных ритуалов и обрядов, а
также памятные, юбилейные и другие знаки и медали, кроме наград, статус которых определен в
соответствии с законами , и памятных монет, прошедших эмиссию.

30)Перспектива и ее виды.

30. Перспекти́ ва — техника изображения пространственных объектов на какой-либо поверхности

в соответствии с теми кажущимися сокращениями их размеров, изменениями очертаний формы и
светотеневых отношений, которые наблюдаются в натуре. В зависимости от назначения
перспективного изображения перспектива включает следующие виды: Прямая линейная
перспектива- Вид перспективы, рассчитанный на неподвижную точку зрения и предполагающий
единую точку схода на линии горизонта (предметы уменьшаются пропорционально по мере
удаления их от переднего плана). Обратная линейная перспектива- Вид перспективы,
применяемый в византийской и древнерусской живописи, при которой изображенные предметы
представляются увеличивающимися по мере удаления от зрителя, картина имеет несколько
горизонтов и точек зрения, и другие особенности. При изображении в обратной перспективе
предметы расширяются при их удалении от зрителя, словно центр схода линий находится не на
горизонте, а внутри самого зрителя. Панорамная перспектива- это способ отображения объёма на
плоскости при помощи синусоидальных кривых. Слово «панорама» означает «всё вижу», в
буквальном переводе это перспективное изображение на картине всего того, что зритель видит
вокруг себя. Плафонная перспектива- Изображения, построенные в перспективе на
горизонтальной плоскости потолка, называют плафонной перспективой. Плафонная перспектива
— особый вид перспективы которую используют художники, украшая потолки. Они учитывают то,
что люди смотрят на них снизу вверх. Аксонометрическая проекция — способ изображения
геометрических предметов на чертеже при помощи параллельных проекций. Эллиптическая
перспектива это трехмерное изображение объёма на плоскости. Этот способ рисования
показывает изменения по всем трём мерам пространства: ширине, глубине и высоте. Сферическая
перспектива это способ отображения всего окружающего мира на бесконечной плоскости.
Тональная перспектива — это изменение в цвете и тоне предмета, изменение его контрастных
характеристик в сторону уменьшения, приглушения при удалении вглубь пространства. Воздушная
перспектива характеризуется исчезновением четкости и ясности очертаний предметов по мере их
удаления от глаз наблюдателя. Общая перспектива, соединившая обратную, аксонометрическую и
прямую линейную перспективы, называется перцептивной

31)Композиции в ИЗО.

31. В изобразительном искусстве композиция — это построение художественного произведения,

обусловленное его содержанием, характером и назначением, необходимостью передать
основной замысел, идею произведения наиболее ясно и убедительно. Главное в композиции —
создание художественного образа. Картины, написанные в разные эпохи, в совершенно
различных стилях, поражают наше воображение и надолго запоминаются во многом благодаря
четкому композиционному построению. Восприятие произведения также зависит от его
композиции. В художественной деятельности процесс создания произведения можно назвать
сочинением композиции.

Композиционное начало, подобно стволу дерева, органически связывает корни и ветви

изобразительной формы, соподчиняет ее элементы друг другу и целому. Изображать — значит
устанавливать отношения между частями, связывать их в единое целое и обобщать.

Слово «композиция» в качестве термина изобразительного искусства регулярно стало

употребляться начиная с эпохи Возрождения.

32)Художественная вышивка.

32. Искусство вышивания возникло глубоко в древности и передавалось из поколения в

поколение. Вообще, вышивка – это, наверное, самый распространённый и любимый вид
декоративно-прикладного искусства. Художественная вышивка является одним из наиболее
распространённых видов народного искусства, в котором воплощены лучшие традиции народа.
Наиболее известны вышивки гладью из Китая и Японии. Известно, что каждая область, а иногда и
район имеет свои, только здесь бытующие приёмы вышивки, свои мотивы орнамента, цветовые
решения. Это во многом определялось местными условиями, бытом, обычаями, природным
окружением. В связи со сложившимися особенностями вышивки в различных областях, краях и
республиках, вышивка обычно носит название тех мест, где она зародилась или от техники её
исполнения. Современная вышивка может быть использована для украшения детской и женской
одежды, а также бытовых вещей: столового и постельного белья, покрывал, занавесей на окна,
салфеток, наволочек на диванные подушки, ковриков и панно, полотенец, передников, сумок,
сувениров. Вещи, украшенные искусно вышитой гладью, перестают быть просто украшением, они
становятся произведениями искусства.

33)Портрет и марина жанр в ИЗО.

33. Портрет — изображение человека либо группы людей, существующих или существовавших в
реальной действительности."На портрете изображается внешний облик (а через него и
внутренний мир) конкретного, реального, существовавшего в прошлом или существующего в
настоящем человека".

Границы жанра портрета очень подвижны, и часто собственно портрет может сочетаться в одном
произведении с элементами других жанров.

Исторический портрет — изображает какого-либо деятеля прошлого и создаваемый по

воспоминаниям или воображению мастера.

Посмертный (ретроспективный) портрет — сделан после смерти изображённых людей по их

прижизненным изображениям или даже полностью сочинённый.

Портрет-картина — портретируемый представлен в смысловой и сюжетной взаимосвязи с

окружающими его миром вещей, природой, архитектурными мотивами и другими людьми.
Портрет-прогулка — изображение гуляющего человека на фоне природы возникло в Англии в XVIII
веке и стало популярным в эпоху сентиментализма

Портрет-тип — собирательный образ, структурно близкий портрету.

Костюмированный портрет — человек представлен в виде аллегорического, мифологического,

исторического, театрального или литературного персонажа.

Автопортрет — принято выделять в отдельный поджанр.

Религиозный портрет (донаторский или ктиторский) — древняя форма портрета, когда человек,
сделавший пожертвование, изображался на картине (например, рядом с Мадонной) или на одной
из створок алтаря (часто коленопреклонённым).

По характеру изображения:

Парадный портрет — как правило, предполагает показ человека в полный рост.

Полупарадный — обладает той же концепцией, что и парадный портрет, но имеет обычно

поясной или поколенный срез и достаточно развитые аксессуары.

Камерный портрет — используется поясное, погрудное, оплечное изображение. Фигура зачастую

даётся на нейтральном фоне.

Интимный портрет — является редкой разновидностью камерного с нейтральным фоном.

Выражает доверительные отношения между художником и портретируемой особой.

Малоформатный и миниатюрный портреты, выполненные акварелью и тушью.

Марина — это вид пейзажа, на котором изображено море. Также маринами называют
конкретные картины или гравюры морской тематики. Слово «марина» (итал. marina) произошло
от латинского marinus — морской. Самая ранняя марина, дошедшая до наших дней, создана
раньше 79 года н.э. — года извержения Везувия. Тогда был разрушен древнеримский город
Стабии. В одном из патрицианских домов обнаружена роспись, изображающая морской порт. Как
отдельный жанр морской пейзаж сформировался в XVII веке в Голландии. В стране, населенной
мореплавателями и рыбаками, марины пользовались спросом.

34)Натюрморт.

34. Натюрморт — живописный жанр, фокусирующийся на изображении предметного мира.

Название «натюрморт» происходит от француского nature morte либо же итальянского natura
morta, что переводится как «мёртвая природа». На натюрморте изображают неодушевленные
предметы, композиционно расположенные в реалистическом пространстве. Самые ранние
натюрморты в нашем нынешнем понимании жанра были созданы в XV в. до н.э. В захоронениях
древних египтян достаточно часто встречаются изображения еды, рыбы, мяса. Элементы
натюрморта можно увидеть и на античных фресках и мозаиках. Интерьеры домов также не
обходились без натюрмортов: изображениями цветочных гирлянд декорировали арки, двери,
мебель. Первой известной работой, которую в полной мере можно отнести к жанру натюрморт,
является картина, созданная венецианским художником Якопо де Барбари (1460 — 1516). Вид с
куропаткой, латной руковицей и арбалетным болтом, известный также как «мюнхенский
натюрморт», был написан художником в 1504 году.
35)Пейзаж.

35. Пейзаж

(франц. paysage, от pays - страна, местность), жанр изобразительного искусства (или

отдельные произведения этого жанра), в котором основным предметом изображения является
дикая или в той или иной степени преображённая человеком природа. В пейзаже
воспроизводятся реальные или воображаемые виды местностей, архитектурных построек,
городов (городской архитектурный пейзаж - ведута), морских видов (марина) и т. п. Часто пейзаж
служит фоном в живописных, графических, скульптурных (рельефы, медали) произведениях
других жанров. Изображая явления и формы природного окружения человека, художник
выражает и своё отношение к природе, и восприятие её современным ему обществом. В силу
этого пейзаж приобретает эмоциональность и значительное идейное содержание.

36)Сюжетно-бытовой жанр.

Бытовой жанр — жанр изобразительного искусства, посвящённый повседневной, частной и

общественной жизни, обычно современной художнику. К бытовому жанру относятся бытовая
(жанровая) живопись, графика и скульптура, преимущественно небольших размеров. Бытовые
сцены, известные ещё с древних времён, выделились в отдельный жанр искусства лишь в
феодальную эпоху. Расцвет бытового жанра Нового времени связан с ростом демократических и
реалистических художественных тенденций, с обращением художников к народной жизни и
трудовой деятельности простых людей, с постановкой в искусстве важных социальных вопросов.
Бытовой жанр возник ещё в эпоху европейской античности.

37)Исторический и батальный жанр.

37. Исторический жанр, которому свойственна монументальность, долгое время развивался в

настенной живописи. С эпохи Возрождения до 19 в. художники использовали сюжеты античной
мифологии, христианских легенд. Часто реальные исторические события, изображаемые на
картине, насыщались мифологическими или библейскими аллегорическими персонажами.
Исторический жанр переплетается с другими — бытовым жанром (историко-бытовые сцены),
портретом (изображение исторических деятелей прошлого, портретно-исторические
композиции), пейзажем ("исторический пейзаж"), смыкается с батальным жанром. Исторический
жанр находит воплощение в станковых и в монументальных формах, в миниатюрах,
иллюстрациях. Зародившись в древности, исторический жанр соединял реальные исторические
события с мифами. В странах Древнего Востока даже существовали типы символических
композиций (апофеоз военных побед монарха, передача ему власти божеством) и
повествовательных циклов росписей и рельефов.

Батальный жанр (от фр. bataille - битва) - жанр изобразительного искусства, посвященный темам
войны и военной жизни. Главное место в батальном жанре занимают сцены сухопутных, морских
сражений и военных походов. Художник стремится запечатлеть особо важный или характерный
момент битвы, показать героику войны, а часто и раскрыть исторический смысл военных событий,
что сближает батальный жанр с историческим. А сцены военного быта (в походах, казармах,
лагерях) зачастую связывают его с бытовым жанром. 38)Оригами.
39)Нетрадиционные техники рисования.

39. Каждый ребенок, познавая окружающий мир, старается отразить его в своей деятельности: в
игре, в рассказах, в рисовании, в лепке и т.д. Прекрасные возможности в этом отношении
представляет изобразительная творческая деятельность. Чем разнообразнее будут условия,
способствующие формированию творческой среды, тем ярче станут проявляться художественные
способности ребенка.

Рисование нетрадиционными техниками открывают широкий простор для детской фантазии, дает
ребенку возможность увлечься творчеством, развить воображение, проявить самостоятельность и
инициативу, выразить свою индивидуальность.

Нетрадиционные техники рисования являются замечательным способом создания маленьких

шедевров. Оказывается можно создать соленую картинку, а ладошка может превратиться в
голубого слоника. Серая клякса может стать деревом, а морковка с картошкой могут удивить
необычными узорами. Например рисование пальчиками, рисование ладошками, печать из ниток,
печать из картофеля или морковки, отпечатки-картинки, печать пластилином, масляная пастель +
акварель, отпечатки листьев, рисунки из ладошки, рисование ватными палочками, рисование
мыльными пузырями, рисование мятой бумагой, рисование солью, кляксография,
пластилинография, граттаж, фроттаж. Каждая из этих нетрадиционных техник - это маленькая игра
для ребенка. Использование этих техник позволяет детям чувствовать себя раскованнее, смелее,
непосредственнее. Эти техники развивают воображение, дают полную свободу для
самовыражения.

40)Аппликация и ее виды.

40. Аппликация (от латинского слова applicato- прикладывание)- один из видов изобразительной
техники. Основанной на вырезании. Наложении различных форм и закреплении их на другом
материале, принятом за фон.

Понятие «аппликаци» включает способы создания художественных произведений из различных

по свойствам и фактуре материалов, объединенных сходством техники выполнения. Каждый
материал имеет свои особенности, которые оказывают определяющее влияние на технику
выполнения аппликации. В аппликации употребляются самые различные материалы: кожа,
войлок, сукно, береста, мех, ткань, соломка, бумага.

Аппликация- наиболее простой и доступный способ создания художественных работ, при котором
сохраняется реалистическая основа самого изображения. Это дает возможность широко
использовать аппликацию не только в оформительских целях, но и в создании картин, панно,
орнаментов.

Основными признаками аппликации являются силуэтность, плоскостная обобщенная трактовка

образа, однородность цветового пятна (локальность) больших цветовых пятен.

Аппликация может быть предметной, состоящей из отдельных изображений (лист, ветка, дерево,
гриб, цветок, птица, дом, человек и т.д.); сюжетной, отображающей совокупность действий,
событий; декоративной, включающей орнаменты, узоры, которыми можно украсить различные
предметы.
Аппликация является одним из древнейших способов украшения одежды, обуви предметов быта,
жилища, применяемым и поныне у многих народов. Возникновение аппликации относится к
древнейшим временам и связано с появлением, стежка, шва на одеждах из шкур животных.

41)Лепка и ее виды.

41. Лепка — придание формы пластическому материалу (пластилину, глине, пластике,

пластмассам типа поликапролактона и др.) с помощью рук и вспомогательных инструментов —
стеков и т. п. Один из базовых приёмов широкого жанрового диапазона станковой и декоративно-
прикладной скульптуры. Варьируется от мелкой пластики, этюда — до произведений близких по
размерам к монументальным.

По своему содержанию различают следующие виды лепки: предметную, сюжетную,

декоративную, комплексную.

Самым простым видом для детей является предметная лепка, где они лепят отдельные
изображения, выполняют конструкции предметов, в результате чего, как исследователи
подчеркивают, что в результате обучения детей можно подвести к правильному изображению
человека и животного сначала конструктивным, а затем пластическим способом (барышня, ежик).

Сюжеты, сюжетные композиции, в которых есть связь между отдельными образами, такими как,
по смыслу, размещению, по пропорциям, по движению, создаются детьми на занятиях сюжетной
лепке. Такие работы рождаются не на одном уроке, так как работы объемные и требуют больше
времени. Также много времени требует декоративная лепка, где создаются декоративные и
декорированные изделия: вазы, маски, панно, лепные орнаменты, изделия по мотивам мелкой
декоративной пластики народных умельцев.

42)Контраст в ИЗО.

42. Контраст представляет собой резкое отличие элементов композиции. При его использовании
сильнее выявляются художественные качества каждого элемента. Оно может быть, так же как и
нюансное различие, сдержанным и обострённым. Сдержанный контраст проявляется при резком
различии второстепенных элементов. Скажем, тогда, когда эти элементы выполнены в
контррельефе и горельефе или имеют дополнительные цвета. Обострённый контраст имеет место
при резком отличии главного элемента от второстепенных элементов. Он может быть выражен в
размерах, расположении, цвете, пластике формы. При нём композиция приобретает динамизм и
самую большую активность в плане воздействия на зрителя.

44)Техника рисования и ее роль в создании изображения двигательных навыков и умений.

45)Техника рисования с карандашом. 51)Техника рисования карандашом.

44. 45. 51. Техника любого вида изобразительного искусства не существует сама по себе — она
подчинена задаче изображения. Выбор того или иного материала для создания рисунка
определяется его выразительными возможностями. И обучение технике рисования - не самоцель.
Овладение различными материалами, способами работы с ними, понимание их выразительности
позволяет детям более эффективно использовать их при отражении в рисунках своих впечатлений
от окружающей жизни. В понятие техники рисования включаются умение правильно держать
карандаш и кисть и владеть ими, навыки закрашивания рисунка, не заходя за контур, которые не
могут быть приобретены без умения регулировать произвольность размаха, нажима и темпа.
Живописные полотна и архитектурные проекты, скульптурные монументы и театральные
декорации – всё начинается с того, что художник берёт в руки карандаш. Овладение карандашной
техникой рисования считается необходимым и потому, что контурный рисунок – основа
изображения. Художники отмечают, что линия в рисунке едва ли не самый главный элемент
изображения. Линия оконтуривает; она призвана определять границы формы. Не умея нарисовать
линию, ребёнок не сможет овладеть всей контурной частью рисунка, а значит, не сможет и
правильно передать форму предмета. Сходство же изображения с реальным предметом
достигается в основном при правильной передаче его формы.

Правила рисования карандашом: Карандаш нужно держать тремя пальцами (между большим и
средним, придерживая сверху указательным), не близко к отточенному концу. Когда рисуешь
линию сверху вниз, рука с карандашом идет сбоку линии, а когда рисуешь линию слева направо,
рука — внизу линии. Так вести руку нужно для того, чтобы видеть, как рисуешь, тогда получится
прямая линия. Линию нужно рисовать сразу, не останавливаясь, не отнимая карандаша от бумаги,
иначе она может получиться неровной. Не надо проводить одну линию несколько раз. Предметы
прямоугольной и квадратной формы нужно рисовать с остановками на углах, чтобы можно было
подумать, как рисовать дальше. Предметы округлой формы надо рисовать одним движением, без
остановки. Закрашивать рисунок карандашом нужно неотрывным движением руки туда –
обратно. При закрашивании рисунка штрихи надо накладывать в одном направлении: сверху
вниз, слева направо или по косой. При закрашивании рисунка нельзя заходить за контур
нарисованного предмета. Закрашивать рисунок нужно без просветов. Закрашивая рисунок, нужно
равномерно нажимать на карандаш: посильнее нажимать, если хочешь закрасить поярче, и слабо
— если нужно закрасить посветлее.

47)Материалы для рисования и способы их исследования.

47. Каранда́ш — инструмент в виде стержня, который изготавливается из пишущего материала

(угля, графита, сухих красок и т. п.) Часто, в целях удобства, пишущий стержень карандаша
вставляется в специальную оправу. Карандаши принято делить на простые и цветные. Простой
карандаш имеет графитовый грифель и пишет серым цветом с оттенками от светлого до почти
чёрного (зависит от твёрдости графита). Графит — это продукт натурального происхождения,
который по своей природе является одной из форм кристаллического углерода в смеси с
различными веществами. Графитные карандаши в наше время очень популярны и имеют самое
широкое применение. Их производят в большом количестве сортов, причем почти всегда в
деревянной оправе. Однако графит может выпускаться и без оправы, в виде грифелей.

Пастель — группа художественных материалов, которые изготавливают из порошка тонкотёртых

красочных земляных пигментов с добавлением вяжущих веществ (чаще всего гуммиарабика) и
воды. Пастель применяется в графике и живописи. Сделанные пастелью штрихи создают
впечатление бархатистости, изображение имеет мягкие, размытые края. Главная особенность
пастели — лёгкость, с которой она растушёвывается.

Для рисования служат меловые карандаши и меловые грифели фабричного производства, но

пользуются также и мелом в кусках. Кусковый мел, будучи естественным продуктом, содержит в
себе нередко посторонние примеси, которые царапают бумагу. Во избежание этого его толкут,
обращают с водою в тесто и формуют в карандаши, без всякого связующего вещества. Мел
хорошо фиксируется клеевыми фиксативами.

Уголь принадлежит к самым древним художественным инструментам. Рисование углём является

одной из основных техник обучения художников. Углём можно нарисовать и натюрморт, и
пейзаж, и портрет. Сангина (фр. sanguine от лат. sanguis) — мягкий материал и инструмент для
рисования, который изготавливают преимущественно из каолина и оксидов железа. Выпускается в
виде палочек-карандашей. При рисовании сангина даёт матовый красно-коричневый тон.

48)Мозаика.

48. Мозаика – изображение, составленное из кусочков разноцветных натуральных камней, стекла

(смальты), керамики, дерева и других материалов. Мозаичное искусство зародилось в еще
Древней Греции и представляло собой складывание в единую композицию кусочков
разноцветного камня, стекла и других материалов. Эти элементы наклеивались на особую
мастику. В Древнем Риме в мозаике стали использовать маленькие нарезные кусочки из
натурального камня. Византийцы первыми решились «поднять »мозаику с пола на потолок, они
же первыми создали особый сплав непрозрачного цветного стекла – смальту. В эпоху расцвета
христианства стены и потолки византийских храмов украшались мозаичными изображениями
евангельских сцен. В мастерских стали изготовлять красивые мозаичные наборы из разных
камней: мрамора, лазурита, яшмы, агата и других, привлекавших мастеров красотой
декоративного рисунка и окраской. Русские мастера тоже владели искусством мозаики. Многие
соборы X- XIвеков славились мозаичными картинами из цветной смальты. Материалом для
мозаики и сегодня является стекло, смальта, камень и керамика

49)Художественное конструирование.

49. Художественное конструирование - творческая проектная деятельность, направленная на

совершенствование окружающей человека предметной среды, создаваемой средствами
промышленного производства; цели художественного конструирования. достигаются путём
приведения в единую систему функциональных и композиционных качеств, эстетических и
эксплуатационных характеристик предметных комплексов и отдельных изделий. Художественное
конструирование (часто отождествляемое с дизайном) - неотъемлемая составная часть
современного процесса создания промышленной продукции, предназначенной для
непосредственного использования человеком; оно осуществляется художником-конструктором
(дизайнером) в непосредственном контакте с инженерами-конструкторами, технологами,
специалистами в области социологии, психологии, эргономики, системотехники и других наук.
Для художественного конструирования характерно моделирование объекта (в соответственном
масштабе и нередко в натуральную величину) на всех этапах его разработки, что позволяет
проверять и отбирать оптимальные варианты композиционных, цветографических,
эргономических и других решений; при этом модель служит не иллюстрацией к проекту, а как бы
инструментом проектирования. Постоянно модифицируясь в ходе работы, она становится
эталоном опытного образца изделия.

Предпосылки для становления художественного конструирования зародились ещё в эпоху

перехода от ручного к машинному производству, когда прогрессивность заложенной в новом
изделии инженерной мысли стала противоречить его эстетической неполноценности. Утрата
многими утилитар- ными предметами присущего им в прошлом художественного значения
вызвала в XIX в. к жизни романтические проекты возрождения средневековых ремесленных
традиций (в Великобритании - Дж. Рескин, У. Моррис; в России - создатели центров
художественного ремесла в Абрамцеве и Талашкине, и др.), социальная утопичность которых
вскоре стала очевидной. Основы художественного конструирования были заложены в трудах Г.
Земпера, а в XX в.

50)Рисунок.

50. Рисунок - изображение на плоскости, созданное средствами графики. Рисунок — структурная

основа зрительно воспринимаемой формы. Рису́нок или академи́ ческий рисунок - вид графикии
основа всех видов изобразительного искусства. Без знания основ академического рисунка,
художник не сможет грамотно вести работу над художественным произведением.

В роли графической основы присутствует в любом изображении на плоскости, в этом значении

оценивается с точки зрения качества (понятие рисунка в живописи и т. п.). Рисунок может
выполняться как самостоятельное по значению произведение графики либо служить
вспомогательным этапом для создания живописных, графических, реже — скульптурныхработ или
архитектурных замыслов. Рисунки как предварительные наброски и эскизы для создания более
масштабных живописных произведений часто имеют самодостаточную и выдающуюся
художественную ценность.

Рисунок является технической базой изобразительных искусств, ввиду этого глубоко изучается
художниками, скульпторами и архитекторами (учебная дисциплина «академический рисунок»).
Рисунки создаются художниками в процессе изучения натуры (наброски, штудии), при поиске
композиционных решений графических, живописных и скульптурных произведений (эскизы,
картоны), при разметке живописной картины (подготовительный рисунок под живопись).

С помощью графического рисунка можно передать не только форму и степень прозрачности и

освещенности тела (с помощью вышеназванных элементов), но и "передать" цвет, - посредством
черно-белого (в случае черно-белого рисунка) оттенка, соответствующего данному цвету. Если
долго смотреть на глаза (см. портрет девушки), то создается ощущение зеленого цвета.

Исполняются рисунки в подавляющем большинстве случаев на бумаге. В станковом рисунке

используется весь спектр графических материалов: «мягкие материалы» (уголь, соус, сангина,
разнообразные мелки, техника сухая кисть), краски, наносимые кистью и пером (тушь, чернила,
бистр), карандаши, капиллярные и прочие пишущие узлы. В учебном рисунке в настоящее время
наиболее употребимы графитный карандаш и уголь.

52)Содержание и задачи и преподавания уроков декоративного рисования.

52. На уроках декоративного рисования дети должны наблюдать художественные образцы.

Желательно обращать внимание детей на различные приемы оформления бытовых вещей,
показывать сами предметы, репродукции, фотографии и т.д. Следует организовать внеклассное
наблюдение предметов ДПИ в музее, выставочном зале. Наблюдения художественных образцов
должны вызвать у детей желание создать свой красивый узор. Нельзя, чтобы дети копировали
орнамент или узор, т.к. копия в исполнении первоклассника будет маловыразительной и принесет
одно лишь разочарование. Нужно, чтобы дети самостоятельно, творчески решали эту задачу.
В основу организации урока декоративного рисования должен быть положен следующий
порядок: 1.Наглядное объяснение основных закономерностей орнамента – понятие ритма,
симметрии, цветовых сочетании. 2.Научить откладывать одинаковые отрезки, проводить
горизонтальные и вертикальные линии и диагонали.

3.Практический показ порядка работы над орнаментом, роспись надо начинать с каймы или
центра.

4.В декоративном рисовании при росписи применяется «ремесленническая техника», когда

определенная краска наносится последовательно на все одинаковые элементы орнамента.
Нельзя нарушать этот традиционный прием и отделывать прежде одну ритмическую единицу, а
затем переходить к отделке следующей.

5.В орнаментальном творчестве дети с увлечением пользуются штампами – прикладыванием,

смоченных краской, черенка кисти, шляпки гвоздя, колпачка от авторучки, пальцев и т. п. или
фигур, вырезанных из сырых овощей, картона.

Последовательность знакомства с предметами народных художественных промыслов на уроках

ДПИ.1.Дать правильное название промысла. Это чаще всего его географическое местоположение.

2.Назвать материал из которого выполняют изделие.

3. Сюжеты (игрушек, росписи, вышивки и т. д.)

4.Ознакомить с последовательностью изготовления предметов с учетом возрастных особенностей

детей.

5.Разобрать особенности украшения и их элементы.

6.Цветовая гамма промысла и какими красками работали раньше и сейчас.

7.Ознакомить и научить основным приемам росписи характерных элементов, изучаемого

промысла. Выполнение упражнений.

8.Выполнение эскиза изделия по мотивам изучаемого народного промысла.

Обязательно показать детям подлинные предметы народного промысла, а так же рисунки,

фотографии, плакаты, слайды, диафильмы, фильмы.

53)Равновесие-симметрия.

53. Koмпозиционноe равновесиe - Это такое состояние композиции, при котором все ее элементы
сбалансированы между собой. Равновесие зависит

- от расположения основных масс композиции,

- от организации композиционного центра,

- от пластического и ритмического построения композиции,

- от ее пропорциональных членений,

- от цветовых, тональных и фактурных отношений отдельных частей между собой и целым и т. д.

ни одно из средств и законов композиции в отдельности не создадут гармоничное произведение,
так как все взаимозависимо или уравновешено.

Симметрия сама по себе еще не является гарантией уравновешенности в композиции.

Количественное несоответствие симметричного элемента и плоскости (или диспропорция частей
и целого) становится зрительно неуравновешенным. Человек всегда тяготеет к равновесию форм,
что создает более полный психологический комфорт, гармонию обитания в предметно-
пространственной среде. Уравновесить симметричную композицию гораздо легче, чем
асимметричную, и достигается это более простыми средствами, так как симметрия уже создает
предпосылки для композиционного равновесия. Правильно найденная симметричная
композиция воспринимается легко, как бы сразу, независимо от сложности ее построения.
Наиболее часто применяемыми видами симметрии являются

зеркальная с вертикальной или горизонтальной осью,

центричная,

угловая.

Активно используется симметрия в архитектуре, декоративноприкладном искусстве, реже — в

станковой живописи, графике, скульптуре. Симметрия применяется не только в плоскостных
композициях, но также в объемных и объемно-пространственных.

54)Сенсорное воспитание.

54. Сенсорное воспитание — целенаправленное развитие и совершенствование сенсорных

процессов (ощущений, восприятий, представлений). Сенсорные процессы представляют собой
первую ступень познания, образуют область чувственного познания, поэтому С.в. часто выступает
исходным звеном умственного воспитания. С.в. создаёт основы умственного развития,
эстетического воспитания. В процессе С.в. подготавливается переход от чувственного к
рациональному познанию, от восприятия к мышлению, формируется основа последующей
интеллектуальной деятельности. Вместе с тем развитие сенсорных процессов играет
существенную роль в совершенствовании практической деятельности ребёнка. С.в. включает в
себя формирование восприятия формы, величины, пространственных отношений между
предметами, цвета, а также музыкального слуха, совершенствование звукового анализа речи и др.
Особое значение С.в. приобретает в дошкольном детстве, т.к. именно в этот период интенсивно
развиваются сенсорные процессы. Причём осн. внимание уделяется не изолированным
упражнениям органов чувств, а формированию разнообразных сенсорных способностей в
процессе различных видов осмысленной деятельности.

46) 55)Формирование двигательных навыков и умений.

46. 55. Рисование является одним из важнейших средств познания мира и развития знаний
эстетического восприятия, так как оно связано с самостоятельной практикой и творческой
деятельностью ребёнка.

В процессе рисования у ребенка совершенствуются наблюдательность, эстетические эмоции,

художественный вкус, творческие способности, эстетическое восприятие, умение доступными
средствами самостоятельно создавать красивое.. Рисуя, ребенок развивает определенные
способности: зрительную оценку формы, ориентирование в пространстве, чувства цвета.
Развиваются также специальные умения и навыки: координация глаза и руки, владение кистью
руки. Навыки и умения составляющие технику рисования, имеют двигательный характер.
Человеческая рука как рабочий орган начинает развиваться рано и постепенно совершенствуется
в процессе разнообразной деятельности. Особенно это относится к таким деятельностям, в
которых используются орудия, инструменты, требующие специальных, тонко координированных
движений рук. Они развиваются в процессе деятельности, путем систематического обучения и
постоянных упражнений ребенка.

56)Материалы для рисования. 57)Способы использования материалов для рисования.

56. 57. Для рисования доступно немало материалов — уголь, графитный (т.е. обычный) карандаш,
цветные карандаши, мел, пастельный мел, фломастеры, тушь и т. д. Все это – инструменты для
создания рисунка. Однако для рисования линий и штрихов нужны не только такие
художественные материалы, но и основа для рисования. В любой момент при создании рисунка
могут пригодиться некоторые дополнительные принадлежности, которые часто оказываются
крайне необходимыми. Каждый из используемых инструментов требует определенных способов
работы. Для проведения занятий необходимо хорошо знать выразительные возможности
инструментов.

Карандаш. При работе с ним рука чувствует сопротивление материала.

Кисти бывают жесткие, мягкие, плоские, круглые, заостренные, тупые. Рисование ими не требует
сильного нажима, сопротивление материала незначительное. При рисовании кистью рука не
устает. Работа кистью и краской позволяет получить цветовое пятно, линию, быстро покрывать
цветом большие поверхности рисунка. Вместе с тем нивелируется ощущение характера движения.
Линия контура при рисовании краской получается расплывчатой, недостаточно четкой. Для
закрашивания больших плоскостей (например, неба, травы, земли, моря и т. п.) используется
флейц (кисть с плоским ворсом). Существуют разные способы работы с кистью: ее концом, всем
ворсом, постепенным переходом от рисования концом к рисованию всем ворсом. Для широких
линий кисть держат наклонно по отношению к бумаге, для тонких линий — вертикально. Кисть
следует тщательно промывать. Для того чтобы осушить ее, используют салфетки. Следует
непременно иметь подставки, кисти нельзя оставлять в банке с водой, так как мягкий ворс быстро
меняет форму и рисовать становится трудно. Для работы с клеем применяют щетинные кисти.

Бумага бывает различной по плотности и цвету. На ватман хорошо ложится акварельная краска.
Для рисования цветными восковыми мелками, гуашью берут тонированную и цветную бумагу.

58)Индивидуальные особенности усвоения графических навыков.

58. Исследователи детского изобразительного творчества подчеркивают необходимость

овладения техникой рисунка, для развития способности к изображению. Способности
формируются в деятельности, которая состоит из ряда компонентов: знания, навыки, умения. От
какого-либо компонента будет влиять на протекание деятельности и, следовательно, на
формирование способностей. Значит, формирование способностей к рисованию будет зависеть от
того, насколько верно сформированы технические навыки — один из компонентов этой
деятельности.
Рассматривая структуру способностей к изобразительной деятельности, отмечают в качестве
компонента острую зрительную чувствительность, легкость и полноту восприятия пространства и
колоритных отношений; в качестве второго компонента - специальную умелость руки.

59)Конструкция.

59. Констру́кция — мультидисциплинарный термин, обозначающий в произведениях искусства

системное построение художественного целого, способ связей его отдельных частей между
собой, а также взаимосвязь образных и образующих элементов в зависимости от их функции и
назначения.

60)Рельеф.

60. Релье́ф — вид изобразительного искусства, один из основных видов скульптуры, в котором
всё изображаемое создаётся с помощью объёмов, выступающих из плоскости фона (то есть
выпуклых объёмов). Выполняется с применением сокращений в перспективе, обыкновенно
рассматривается фронтально. Рельеф, таким образом, противоположен круглой скульптуре.
Фигурное или орнаментальное изображение выполняется на плоскости из камня, глины, металла,
дерева с помощью лепки, резьбы и чеканки.

В зависимости от назначения различаются архитектурные рельефы (на фронтонах, фризах,

плитах).

Виды рельефа:

Барельеф — выпуклое изображение выступает над плоскостью фона, как правило, не более чем
на половину объёма.

Горельеф — выпуклое изображение выступает над плоскостью фона более чем на половину
объёма.

Контррельеф — углублённый от фона «негатив» барельефа; применяется в печатях и в формах

(матрицах) для создания барельефных изображений, а также инталий.

Койланаглиф или анкрё — вырезанный на плоскости углублённый контур; в основном применялся

в архитектуре Древнего Египта.

Сквозной рельеф — рельеф с отсутствующей (частично или полностью) поверхностью заднего

вида изваяния. Иногда эти рельефы делаются двусторонними.